🧩 Le Père C Était Lucien Le Fils C Était Sacha

NOTED’INTENTION « Zoé (et maintenant les vivants) – titre provisoire, est mon deuxième projet d’écriture. Après 66 jours – monologue et seul en scène sur le combat d’un jeune homme face au cancer – c’était logique de continuer à écrire sur le thème de la réparation, c’était une évidence.Cette fois-ci, j’ai voulu parler du deuil.

Voicile solution du groupe 85 grille 3 Celui qui s’occupe et soigne les éléphants. CORNAC. Le père c’était Lucien le fils c’était Sacha. Voici le solution du groupe 85 grille 3 Le père c’était Lucien le fils c’était Sacha. GUITRY. Sang de __ : insulte dans le monde de Harry Potter

Programme de la rétrospective Dino Risi Le Klaxon du fanfaron est un texte de Marc-Édouard Nabe, publié dans le programme de la Cinémathèque française, en mars 2003, à l’occasion de la rétrospective Dino Risi. — C’était une fête quand mon père m’emmenait voir un film italien, comme si nous allions au musée admirer un tableau de la Renaissance, sauf que là, les tableaux n’étaient pas encore secs et qu’ils faisaient rire. La grande époque de la comédie italienne m’a toujours rappelé celle du quattrocento une bousculade de génies pendant un temps donné, et puis plus rien. Au seul nom de Dino Risi, ce sont des flashs hilarants qui me reviennent. Tous ses films sont avant tout des scènes restées dans ma mémoire comme si j’y avais assisté en vrai... Sexe fou, Moi la femme, Les Monstres... Un mari est tellement plongé dans sa télé qu’il ne s’aperçoit pas que sa femme couche avec son amant dans la pièce d’à côté... Un plouc s’amourache d’un travesti qui se trouve être son frère... Un mendiant, pour ne pas perdre l’infirmité rentable de son compère aveugle, ne lui dit pas qu’il pourrait guérir... Un ancien boxeur va en convaincre un autre qui s’était rangé de remonter sur le ring celui-ci se retrouvera sur un fauteuil roulant, en train d’applaudir les cerf-volants sur la plage... Sono contento ! » Ça, des monstres ? Lorsqu’on est confronté plus tard aux vraies monstruosités de la société de décomposition, on se rend compte que les monstres de Risi sont des anges ! Sans scrupules devant la pauvreté, la maladie, la vieillesse, les enfants, les femmes, les vieillards, et bien sûr l’Église, la Police et la Justice, ils ont surtout une grâce que ceux de la réalité » semblent se vanter pathétiquement d’être dépourvus. Il faut dire aussi qu’on rencontre rarement des escrocs, des menteurs et des tricheurs de la trempe de Vittorio Gassman, Alberto Sordi, Nino Manfredi, et Ugo Tognazzi ! Que serait Dino Risi sans ses quatre acteurs ? Ils en font des tonnes, mais ces tonnes ne pèsent rien. Quand j’avais seize ans, chaque apparition d’un de ces géants sur un écran de cinéma était un renforcement de ma joie de vivre. Voir Manfredi tomber amoureux d’une poule, ou Monica Vitti faire les yeux doux à des hommes qui ne voient pas qu’elle est aveugle n’a pas été sans influence sur mon goût du mauvais goût. Ces sketches scabreux furent mes contes de fée. Je les racontais à mon tour à qui ne voulait pas les entendre. Le cinéma de Risi est grinçant, car on entend, de la salle, les rouages mal huilés des sentiments des protagonistes. Les hommes sont peut-être des monstres, mais les femmes sont des bombes. Mufles et pin-ups ! J’ai vécu ma puberté avec trois femmes Laura Antonelli, Agostina Belli et Ornella Muti... Comment souffrir ensuite ? Quand il quitte le conte cruel, Dino Risi se lance dans l’odyssée minable. Chaque épopée est celle d’un humilié le petit journaliste d’Une vie difficile, le petit coiffeur de Fais-moi très mal mais couvre-moi de baisers ou le petit poissonnier de la Carrière d'une femme de chambre sont des péquenots jaloux largués par une stronza sexy qu'ils sont prêts à tout pour retrouver dans les cloaques de la société. Ils ont l’air complètement inconscients de ce qu’ils provoquent et se laissent bouffer par les circonstances malencontreuses. Plus ils essaient d’arranger les choses, plus ça s’aggrave. Leur nature change au fur et à mesure de leur voyage au pays du cynisme ambiant. Le timide devient goujat, l’idéaliste combinard, le pathétique antipathique et vice versa... Les situations abracadabrantes ne se dénouent que par une ironie du sort, pour ne pas dire du sordide. Sordi, fils faux-cul, accompagne sa mère à l’asile en lui faisant croire à une promenade champêtre et l’abandonne aux infirmières Traitez-la comme une reine ! ». Manfredi finit par faire cocu un sourd-muet avant de lui rendre involontairement l’ouïe et la parole grâce à une tentative ratée d’assassinat. C’est Tognazzi qui joue l’infirme aussitôt guéri, et croyant à un miracle, il entre dans les ordres pour faire voeu de silence ! ... Gassman, accusé en mal d’alibi, fait interner son vieux père qui refusait de se fendre d’un faux témoignage en sa faveur... Comédien cocaïnomane, fasciste flamboyant, prophète médiatique, archevêque coquet ou riche automobiliste prenant des jeunes en stop pour mieux les insulter Gassman est tous les hommes. En aveugle outrageusement à l’aise dans Parfum de femme un des cinq, six chefs-d’œuvre de Risi, il est sublimement odieux. Et même si on faisait semblant, le temps d’un texte, de l’oublier dans Le Fanfaron, on ne pourrait pas ôter de ses tympans le son du Klaxon de la Lancia décapotable qu’il conduit à toute berzingue sur les routes éblouissantes de soleil de l’Italie de l’âge d’or. Grandiose Gassman ! Dans Cher papa, il est un homme d’affaires salaud, méprisant, offensant. II terrorise tout le monde ses associés, sa famille, son personnel. Et très vite, on s’aperçoit que son entourage ne vaut pas mieux sa femme suicidaire, sa maîtresse intéressée, son majordome roublard, sa fille bouddhiste qui lui crache dessus, et surtout son fils. Petit bourgeois révolté », il traîne avec ses copains gauchistes dont le père apprend, en feuilletant régulièrement son journal intime, qu’ils préparent un attentat contre un grand ponte infect du capitalisme dont le nom commence par un P »... P » comme papa », bien sûr... C’est lors d’un voyage à l’étranger que le cher papa se fait tirer dessus. Il revient à Rome paralysé, et volontairement muet, sans doute parce qu’il vaut mieux être muet que d’entendre tout ce que les pourris osent dire de lui. À la fin, le fils retrouve son père. Enfin, ils peuvent pleurer ensemble en silence ils se sont compris. C’est tout ce qu’ils avaient besoin d’être l’un à l’autre indispensables. Le fils ne demandait qu’à pousser le fauteuil roulant de son père détruit, et le père ne demandait qu’à être poussé, détruit, par son fils. Cher papa est un des plus durs Risi. Tous les détails psychologiques sont oppressants par leur cruauté. Les hippies baffrant, le gourou épicurien, le psy croyant, la mondaine pute, le père plouc... Chaque personnage est verrouillé dans son égoïsme, et il n’a même pas le droit d’en souffrir pour qu’on le plaigne. Aucune belle personne » chez Risi, tous sont de laides personnes »... Plus grand chose de rigolo à peine le hold-up, vu comme une formalité bancaire, arrache-t-il un éclat de rire. Le reste est sombre comme la vie, sombre comme la vérité. Rapt à l’italienne est finalement l’histoire de la déchéance d’un con. Sa descente aux enfers n’est pas celle qu’on croit c’est dans les cercles infernaux de sa propre médiocrité qu’il descend, Rapt à l'Italienne, non plus, n’est pas un film comique. Risible, non ; risien », si. Des terroristes gauchistes ont pris en otage Mastroianni, un bourgeois industriel, et sa maîtresse. Ils fuient sous le regard ignoble des caméras de télé. Le cynisme est partout du côté des médias, bien sûr, et de la police, mais aussi dans la famille riche du rapté du père au fils, en passant par la femme qui rechigne à donner la rançon. Sans oublier les ravisseurs dont le gros chef finira par se taper la ravissante maîtresse de l’otage, ravie ! Tout est là pour qu’on prenne en pitié, sinon en considération, la victime » qui multiplie les bourdes, mais c’est impossible, Mastroianni est non seulement trop bête, mais trop lâche, et de plus en plus, tout au long du film. Rapt à l’italienne est finalement l’histoire de la déchéance d’un con. Sa descente aux enfers n’est pas celle qu’on croit c’est dans les cercles infernaux de sa propre médiocrité qu’il descend, jusqu’à se faire canarder au milieu de ses kidnappeurs par des flics déguisés en curés accompagnant un faux enterrement ! Sauf que lui, personne ne le regarde, personne ne le photographie, il finit recroquevillé contre une voiture, comme un fœtus mort, encore plus minus que lorsqu’il vivait dans l’indifférence générale... Plus on avance, moins il y a de choses drôles dans les films de Dino Risi. Ses acteurs comiques tournent au poignant. La plus violente confrontation entre deux de ses monstres a lieu dix ans après La Marche sur Rome, dans Au nom du peuple italien. Tognazzi est un petit juge zélé incorruptible acharné, et Gassman un infect spéculateur accusé du meurtre d’une call-girl. Risi a donné là son Crime et Châtiment même rapports ambigus entre les deux protagonistes qu’entre Raskolnikov et Porphyre chez Dostoïevski. Sur la plage sous la pluie, Gassman tombe dans le piège de Tognazzi inventant, pour le confondre, de faux souvenirs d’enfance communs. Convoqué en plein bal masqué, le capitaliste arrive déguisé en centurion de pacotille dans le bureau du magistrat et déploie un langage quasi-dalinien. Le ridicule bien réel de la situation annonce d’ailleurs l’hallucination finale du juge qui voit un Gassman aux cents visages se multiplier parmi les supporters enflammés d’un match de foot. Un réalisateur normal français, par exemple, une fois le spectateur ayant compris que l’industriel n’avait pas commis le meurtre, aurait à coup sûr donné un sursaut de morale au juge qui, s’apercevant qu’il devenait fou, aurait choisi de blanchir le non coupable. Ici, c’est le contraire Tognazzi hésite, puis brûle le journal intime de la victime qui prouvait l’innocence de Gassman. Son intégrité se désintègre le fantasme de justice est plus fort que la vérité. Dans tous ces films, les fantasmes seront de plus en plus visibles. Âmes perdues, Dernier amour, Valse d’amour les titres des moins connus le soulignent. Risi fait ça très bien il accroche soudain aux regards songeurs de ses personnages des plans qui leur échappent. Ce ne sont pas des flash-backs, mais des absences prémonitoires... La grande morbidité est déchirante. L’un des derniers Risi est ce Fantôme d’amour que j’ai vu dix fois au moins. Crépusculairement parfait. Avec la clarinette de Benny Goodman en prime... Ce film me bouleverse, je ne sais presque pas pourquoi. On est loin des poules, des trains, et autres monstres... Le monstre ici, c’est l’amour qui fait ressusciter les morts... II faut le voir en version française, parce que les acteurs se doublent eux-mêmes, avec leur accent. Romy Schneider va bientôt mourir, Mastroianni est de plus en plus voûté ils sont splendides et comme perdus dans cette histoire qui les dépasse un homme retrouve par hasard son grand amour d’il y a vingt ans, mais c’est devenu une petite vieille méconnaissable, laide et malade Romy, grimée, magnifique. Il la revoit ensuite, belle et fragile, croit la voir se noyer sous ses yeux, veut la revoir. Tout est dans les visions de l’homme halluciné par son amour mort. Un fantôme de femme miraculée par le désir intact... Puissance du souvenir qui par bouffées peut ramener la vie dans le présent crevé ! Le paranoïaque dépressif a raison de la perdre pour ne plus la quitter, jamais. II n’aura plus peur d’avancer dans le brouillard de Pavie. II n’aura plus peur d’être hanté par celle qui ne sera plus. Il n’aura plus peur de rien. C’est vachement bien comme on disait dans les années 70 de revoir les films de Dino Risi tournés à la fin du siècle dernier, car ils ne parlent que de ce qui préoccupe le début de ce siècle-ci la peur. Pas seulement celle du terrorisme, parfaitement compris, mais celle qui suinte de toutes les âmes. Tout le monde a peur en 2003. Quand les films de Dino Risi sont sortis, ceux qui les comprenaient riaient jaune. Aujourd’hui, ils feront pleurer noir ceux qui vont les découvrir. v mMarc-Édouard Nabe Livres Au régal des vermines 1985 Zigzags 1986 Chacun mes goûts 1986 L’Âme de Billie Holiday 1986 Le Bonheur 1988 La Marseillaise 1989 Nabe’s Dream 1991 Rideau 1992 Visage de Turc en pleurs 1992 L’Âge du Christ 1992 Petits Riens sur presque tout 1992 Nuage 1993 Tohu-Bohu 1993 Lucette 1995 Inch’Allah 1996 Je suis mort 1998 Oui 1998 Non 1998 Loin des fleurs 1998 et autres contes 1999 Coups d’épée dans l’eau 1999 Kamikaze 2000 Une lueur d’espoir 2001 Alain Zannini 2002 Printemps de feu 2003 J’enfonce le clou 2004 Le Vingt-septième Livre 2009 L’Homme qui arrêta d’écrire 2010 L’Enculé 2011 Les Porcs, tome 1 2017 Aux Rats des pâquerettes 2019 Les Porcs, tome 2 2020 Presse L’Éternité 1997 La Vérité 2003 - 2004 Patience 2014 - ... Nabe’s News 2017 - ... Tracts Zidane la racaille 24 juillet 2006 Les Pieds-blancs 24 octobre 2006 Et Littell niqua Angot 23 novembre 2006 Représente-toi 1er mars 2007 La Bombe de Damoclès 31 octobre 2007 Le ridicule tue 15 avril 2008 Sauver Siné 20 septembre 2008 Enfin nègre ! 20 janvier 2009 Textes non repris en volume La jambe 1986 Le courage de la fraîcheur 1996 La jungle de Bernstein 1997 Les tournesols de Dovjenko printemps 2000 Celui qui a dit merdre mai 2000 Mon meilleur ami juin 2000 Anthony Braxton à l’instant même juillet 2000 La mort de Polac automne 2000 L’athlète de la larme 2001 Le Klaxon du fanfaron mars 2003 Le flou Baumann octobre 2003 Glauque Story novembre 2003 Je ne faisais pas bander Chanal novembre 2003 En 2003, le cinéma est mort décembre 2003 L’Oiseau de Dieu mars 2005 Le temps de voir et d’aimer Sirk octobre 2005 Le Huitième ciel décembre 2005 Le vingt-septième Chorus juillet 2006 Pastorius à mort septembre 2007 Le cauchemar Duvivier mars 2010 L’Eunuque raide printemps 2014 Sur Nabe L’Affaire Zannini 2003 Morceaux choisis 2006 Personnages Georges Ibrahim Abdallah Albert Algoud François Angelier Christine Angot Thierry Ardisson Paco Balabanov Bernard Barrault Jean-Dominique Bauby Guy Bedos Nicolas Bedos Frédéric Beigbeder Georges-Marc Benamou Pierre Bénichou Jackie Berroyer Jean-Paul Bertrand Patrick Besson Paul-Éric Blanrue François Boisrond Laurent Bosc Gérard Bourgadier Anthony Braxton Lisa Bresner Renaud Camus Bertrand Cantat Carlos Catsap René Caumer François Cavanna Pierre Chanal Jacques Chancel Professeur Choron Kenny Clarke Pierre Clémenti Thomas Codaccioni Daniel Cohn-Bendit Lucien Combelle Marc Dachy Maurice G. Dantec Guy Debord Bruno Deniel-Laurent Lucette Destouches Dieudonné Docteur Marty » Pierre Drieu la Rochelle Marc Dutroux Raffaël Énault Jean-Paul Enthoven Robert Faurisson Caroline Fourest Michel Fourniret Émilie Frèche Fred Bruno Gaccio Charles de Gaulle Dominique Gaultier Gébé François Gibault Franz-Olivier Giesbert Lucien Grand-Jouan Jean-Edern Hallier Naïma Haoulia Jacques Henric Hélène Hottiaux Michel Houellebecq Fabienne Issartel Alexandre Jardin Herbert von Karajan Lee Konitz Salim Laïbi Claude Lanzmann Jean-Pierre Léaud Jean-Jacques Lefrère Bernard-Henri Lévy Thierry Lévy Édouard Limonov Jean-Pierre Lindenmeyer Yves Loffredo Eddy Louiss François L’Yvonnet Amandine Maudet Laure Merlin Gérard Miller François Mitterrand Yann Moix Éric Naulleau Claude Nougaro Hector Obalk Frédéric Pajak Francis Paudras Jean-Jacques Pauvert Docteur Petiot Isidora Pezard Daniel Picouly Emmanuel Pierrat Pin-Up Bernard Pivot Edwy Plenel Benoît Poelvoorde Michel Polac Tariq Ramadan Luis Rego François Rilhac Sonny Rollins Antoine Rosselet Liliane Rovère Laurent Ruquier Léo Scheer Constantino Serra Siné Philippe Sollers Alain Soral Raphaël Sorin Albert Spaggiari Morgan Sportès Dominique Strauss-Kahn Jean-François Stévenin Frédéric Taddeï Bertrand Tavernier Diane Tell Denis Tillinac Delfeil de Ton Jacques Vergès Audrey Vernon David Vesper Arnaud Viviant Philippe Vuillemin Marc Weitzmann Mae West Willem Georges Wolinski Sam Woodyard Stéphane Zagdanski Alexandre Zannini Marcel Zannini Paraskevi Zannini Suzanne Zannini Achille Zavatta Inspirations Arletty Antonin Artaud Albert Ayler Chet Baker Count Basie Jean-Michel Basquiat Oussama Ben Laden Georges Bernanos Henry Bernstein Art Blakey Léon Bloy Constantin Brancusi Clifford Brown Louis-Ferdinand Céline Maria Callas Charlie Chaplin Jésus-Christ Paul Claudel Henri-Georges Clouzot Robert Crumb Ornette Coleman Salvador Dalí Dante Alighieri Miles Davis Alain Delon Eric Dolphy Fiodor Dostoïevski Marcel Duchamp Duke Ellington Rainer Werner Fassbinder Fournier Slim Gaillard Mohandas Karamchand Gandhi Jean Genet Roger Gilbert-Lecomte Jean-Luc Godard Nicolas Gogol Freddie Green Che Guevara Sacha Guitry Mansur al-Hallaj Coleman Hawkins Jimi Hendrix Billie Holiday Harry Houdini Milt Jackson Ahmad Jamal James Joyce Franz Kafka Oum Kalthoum Elia Kazan Rahsaan Roland Kirk Akira Kurosawa Steve Lacy Comte de Lautréamont D. H. Lawrence Lawrence d’Arabie Robert Le Vigan Paul Léautaud José Lezama Lima Thérèse de Lisieux Pierre Loti Malcolm X Stéphane Mallarmé Jacques Maritain Louis Massignon Jacques Mesrine Charles Mingus Thelonious Monk Wolfgang Amadeus Mozart Friedrich Nietzsche Charlie Parker Pier Paolo Pasolini Jaco Pastorius Gen Paul Pablo Picasso Luigi Pirandello Ezra Pound Bud Powell John Cowper Powys Prince Marcel Proust Charles Ferdinand Ramuz Lucien Rebatet Odilon Redon Django Reinhardt Reiser Pierre Repp Arthur Rimbaud Dino Risi Max Roach Georges Rouault Jean Rouch Raymond Roussel Dominique de Roux Marquis de Sade Antoine de Saint-Exupéry Jean-Jacques Schuhl Martin Scorsese William Shakespeare Georges Simenon Douglas Sirk Chaïm Soutine Gertrude Stein Robert Louis Stevenson August Strindberg André Suarès Léon Tolstoï Vincent Van Gogh Paul Verlaine Simone Weil Oscar Wilde Stanislaw Witkiewicz Thomas Wolfe Jean Yanne Lester Young Zouc Vidéo Éclats de Nabe 2015 - ... 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LucienBaroux voit le jour le 21 septembre 1888 à Toulouse. Né Marcel Ducros, il est reconnu par son père Jules Barou, commerçant, après le mariage de celui-ci avec sa mère en 1891. Il étudie dans la ville rose avant de monter à Paris, au début des années 1910, poussé par l’envie de faire du théâtre. Comme beaucoup de jeunes sans le sou, il pratique plusieurs petits métiers

Article réservé aux abonnés Sacha Guitry avait créé cette pièce, Deburau, au printemps 1918, à Paris. Des obus tombaient sur la ville. Les comédiens louaient donc encore ? Oui. Six mois plus tôt ils jouaient aussi à Petrograd, le soir de la prise du Palais d'Hiver. Les comédiens vont au charbon quelles que soient les circonstances. Ils les vivent par d'autres moyens. Deburau, c'est d'abord un papier de famille, une lettre ouverte d'un fils à son père. Le fils, Sacha, était fâché avec le père, Lucien. Ils ne s'étaient pas vus depuis des mois. Et comme Lucien avait appris à Sacha le métier de théâtre, Deburau est aussi, forcément, une lettre ouverte au théâtre, aux acteurs. Guitry a pris pour modèle la vie du mime Deburau, de sa famille, de ses camarades du théâtre. Le bâti de la pièce est, comme souvent chez Guitry, très libre. Le cours de l'action, on dirait le vol d'un oiseau. C'est un art magique et courtois. Guitry a écrit cela en vers, et comme il a pris les leçons de La Fontaine, ses vers sont aussi simple et délurés que sa prose et plus drôles, car Guitry emploie les nombres et les rimes plutôt à mettre des couleurs vives, des rires brefs, ou des petits coups de pied au derrière des pensées graves. Guitry Jouait le mime Deburau, c'est-à-dire son propre rôle, un peu déguisé Guitry était une présence fabuleuse, envahissante, irrésistible. Il y avait, il y a peut-être encore, un disque Guitry disait la page où Deburau raconte son enfance, c'était beau comme un solo d'alto, très pur. Robert Hirsch, à présent, est admirable dans ce rôle. Il a oublié exprès la désinvolture géniale et magicienne de Guitry. Hirsch est plutôt crispé, blême, sec, inquiet. Il dessine d'un trait à peine marqué, mais bouleversant, le lien passionnel du père et du fils et leur amour du théâtre. C'est très beau. Ce qui entoure Robert Hirsch, acteurs, décors, mise en scène, n'atteint pas les cimes, mais c'est presque mieux comme ça, c'est le sujet de la pièce, et puis il ne faut pas être trop difficile, car cette œuvre de Guitry, si bien ranimée par Hirsch, rappelle un temps où les spectateurs avaient tout de même plus de chance, parce que des auteurs écrivaient de vraies belles choses, intelligentes et émouvantes, parce que des acteurs jouaient avec talent, inspirés et sincères. Vous pouvez lire Le Monde sur un seul appareil à la fois Ce message s’affichera sur l’autre appareil. Découvrir les offres multicomptes Parce qu’une autre personne ou vous est en train de lire Le Monde avec ce compte sur un autre appareil. Vous ne pouvez lire Le Monde que sur un seul appareil à la fois ordinateur, téléphone ou tablette. Comment ne plus voir ce message ? En cliquant sur » et en vous assurant que vous êtes la seule personne à consulter Le Monde avec ce compte. Que se passera-t-il si vous continuez à lire ici ? Ce message s’affichera sur l’autre appareil. Ce dernier restera connecté avec ce compte. Y a-t-il d’autres limites ? Non. Vous pouvez vous connecter avec votre compte sur autant d’appareils que vous le souhaitez, mais en les utilisant à des moments différents. Vous ignorez qui est l’autre personne ? Nous vous conseillons de modifier votre mot de passe.

LePère Était Réalisateur, Le Fils Était Chanteur; Il Était Sans Doute Bien Plus Heureux Quand Il Était Cheval; Son Amant Était Divin, Mais Il Était Très Bête; Selon Le Début, Il Était Très Accueillant Ou Elle Était Trop Accueillante; Il Était De Montmorency, Elle Était De Bretagne; Le Père C'était Lucien Le Fils C'était Sacha

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MacaulayCulkin et Brenda Song viennent d'annoncer qu'ils ont donné naissance à leur premier enfant et honnêtement, je ne me suis jamais sentie aussi vieux. J'ai l'impression que c'était hier que Maman J'ai Raté l'Avion est sorti et a conquis le monde. Je me souviens avoir vu Macaulay Culkin partout avant qu'il ne se concentre sur ses

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^{Text Notes References About the author Full text Tu as consacré toute ta vie à ton métier,T’y donnant tout fus un modèle exemplaire,N’ayant jamais connu qu’un maître le Public,Et n’ayant eu qu’un but lui à Pierrot le Sublime, in Deburau, Sacha Guitry 1Après s’être plu à dramatiser les biographies de personnages historiques, Sacha Guitry met en scène la monographie de certaines professions il débute par celle de l’acteur avec Deburau 1918 et Le Comédien 1921. Deux pièces, deux mises en abîme où Guitry s’attache à porter à la scène les coulisses du théâtre 1 Benjamin Crémieux, Comœdia, mars 1938 ; article découpé par Sacha Guitry et annoté ... 1924 est l’année des Six personnages en quête d’auteur et, sauf erreur, 1925 est celle de la Comédie du bonheur d’Evreinov. Si Sacha Guitry néglige la mode, il n’en baigne pas moins, et c’est à sa louange, dans l’air du temps1. 2 Propos de Sacha Guitry rapportés par Lucien Dubech, Le Matin, 22 janvier 1921. 3 Sacha Guitry, Deburau, in Théâtre et théâtre je t’adore, Paris, Omnibus, 2005, acte I, p. 6 ... 2Par la traversée des apparences et le redoublement de l’illusion, s’élabore une vision d’un métier magnifique et terrible »2, fait de bonheurs autant que de sacrifices. Dans la première de ces pièces, Jean-Gaspard Deburau, acteur pantomime sans passion, sans parole et presque sans visage, qui dit tout, exprime tout, se moque de tout »3 renonce à ses amours en même temps qu’à la scène en faisant un adieu pathétique à son public, une fois la vieillesse venue ; dans la seconde, le Comédien sacrifie pour le théâtre une passion amoureuse, la femme aimée n’étant pas à la hauteur de son rôle. Dans les deux cas, l’art semble un sacerdoce mais aussi un métier dont il conviendrait d’exposer la réalité aux spectateurs. C’est d’ailleurs en ces termes que Roland Dorgelès salue la première du Comédien dans La Lanterne 4 Roland Dorgelès, La Lanterne, 22 janvier 1921. Vous ne savez pas, en somme, ce que c’est que la vie d’un homme de théâtre ; vous connaissez le cœur des personnages qu’il a joués, mais pas le sien ; vous croyez connaître sa vie privée quand on ne vous a livré que sa légende ; et vous ignorez aussi ce que représente de patients efforts, de travail obstiné, d’intrigues, la mise en scène d’une pièce. Eh bien, allez au Comédien, vous saurez tout cela4. 3Le temps ayant fait son œuvre, nous connaissons désormais le sort de ces pièces qui furent le prétexte de nombreuses reprises. Deburau fut la pièce fétiche de Sacha Guitry elle fut l’occasion de la réconciliation avec son père après une brouille de treize ans, et c’est sous les traits de Deburau que Guitry fit ses adieux à la scène le 13 décembre 1953, à Bruxelles. Dès 1918, Sacha Guitry avait donc imaginé la pièce des adieux, toute son œuvre semblant le conduire à un destin préalablement fixé par l’écriture l’art conditionnerait l’existence même en la devançant. Parcours similaire pour Le Comédien, pièce créée en 1921 au théâtre Édouard VII avec Lucien Guitry dans le rôle titre, et reprise au théâtre de la Madeleine en 1938 par Sacha Guitry, l’âge imposant naturellement d’incarner, après son père, le rôle d’un artiste sur le retour. Reprises qui, tels des cycles, laissent vivre l’œuvre en transformant son sens, les époques et les interprètes ayant forcément changé. De ce tremblement, découle la séduction 5 Benjamin Crémieux, Comœdia. Lucien Guitry avait créé le rôle du Comédien. Sacha Guitry le reprend aujourd’hui et s’y impose avec autant d’autorité que son père ; l’avouerai-je ? J’y préfère Sacha à Lucien. Sacha entre sans réserve dans le personnage ; son père y montrait je ne sais quel détachement un peu supérieur, un je ne sais quoi qui semblait dire Je condescends ». À la dernière scène seulement, l’intensité de ses silences exprimait la douleur et la lutte intérieure du vieil amant sacrifiant son jeune amour à son art éternel avec une force communicative qui n’est ni dans les moyens ni dans les goûts de Sacha5. Projet de buste de Lucien Guitry, par Sacha Guitry 4Ces reprises déclenchent également des modifications d’importance, comme le signale Sacha Guitry 6 Sacha Guitry, document dactylographié enregistré par Radio-Luxembourg le samedi 16 févrie ... À sa création, Le Comédien était une comédie en quatre actes. La pièce est, aujourd’hui, précédée d’un prologue. Ce prologue est le dernier acte d’une comédie en trois actes – d’une fausse comédie, si j’ose ainsi dire. Il existait, ce prologue, mais j’avais préféré le supprimer à la représentation, car il semblait être la parodie, le pastiche d’un écrivain dramatique qui vivait encore en 1921. Cet écrivain n’est plus – et la crainte que je pouvais avoir de le désobliger jadis n’ayant plus sa raison d’être à présent, nous jouerons pour la première fois ce prologue, jeudi. […] Pourtant, un mot encore que les personnes qui, à la création, ont vu mon père dans le rôle que je vais jouer me fassent la grâce de rester sur leur impression6. 7 Le comédien et son musée », Comœdia, janvier 1921. Cf. infra, Le musée du coméd ... 5Quelles fonctions accorder à ces reprises et variantes ? Inscrivant le théâtre – art de l’éphémère – dans un continuum temporel, elles en appellent à la mémoire pour combattre l’oubli Sacha Guitry invite le spectateur à la nostalgie en lui proposant de visiter le musée dédié aux comédiens pendant les entractes de la représentation, la robe de Sarah Bernhardt dans Phèdre, la couronne de Talma dans Néron, la collection de cannes de Lucien Guitry dans ses principaux rôles étant quelques-unes des meilleures attractions7. D’où la réaction de Lucien Dubech dans Le Matin 8 Lucien Dubech, Le Matin, 1921, BnF, Fonds Guitry. La gloire des acteurs est éclatante mais elle est viagère. Quand nous voyons ces vieux acteurs se cramponner à leurs rôles et à leur culture moyenne sur les grands comédiens du passé, c’est à peine si quelques noms surnagent d’une mer aussi indifférente que le Léthé pour toute l’Antiquité Roscius, puis plus rien jusqu’aux acteurs qui eurent la chance de rencontrer Racine ou Molière […] Plus près de nous, en un siècle, trois ou quatre noms Lekain, Clairon, Lecouvreur, Favart […]. Au XIXe siècle, Talma, Rachel, Mars Lemaître, encore un ou deux, mais qui sait ce qu’ont été les comédiens illustres de la génération précédente ? […] Lucien Guitry peut bien représenter à notre époque le Comédien, comme Talma fut à la sienne le Tragédien8. 9 Le Comédien, film de 1948 ; Deburau, film de 1951. 10 Fragments notamment tirés de Si j’ai bonne mémoire », Mon Portrait », Portraits et an ... 6Notons enfin les adaptations cinématographiques des deux œuvres9, la mise en scène engendrant sa propre relativité en entrant dans un jeu de traductions en boucle. Dès les premières images du Comédien, on est frappé d’entendre des fragments tirés des notes et souvenirs de Sacha Guitry10 à la place du prologue – pastiche d’un mélodrame – prévu pour le théâtre. Au lieu de cette critique d’un théâtre de convention sensible pour les seuls amateurs de théâtre, l’action décline le portrait du père apparaissant dans ses rôles les plus célèbres, l’évocation construisant, sous des dehors légers et séduisants, une petite théorie de l’art de l’acteur 11 Sacha Guitry, Théâtre…, t. II, p. 27-28. Le métier de comédien est-il un métier comme un autre ? Les comédiens sont-ils des hommes comme les autres ? Eh bien, tout compte fait, non11. 12 Sacha Guitry, Le Comédien, acte III, p. 950. 13 C’est le cas de Lucien Guitry dans Le Comédien. 14 C’est le cas de Deburau. 7La première différence tient au fait que si les autres prennent des métiers, c’est le métier qui prend le comédien »12. La biographie de l’acteur témoigne ensuite de sa prédestination élève médiocre13 ou honte de la troupe » d’un cirque ambulant14, l’enfant montre en revanche un intérêt passionné pour la lecture ou la communication silencieuse, le travers initial se muant avec le temps en qualité incontestable. Vient ensuite le moment de la reconnaissance, la prédisposition étant révélée par un maître ou par le public, l’essentiel étant de se frotter à la scène sans refuser d’emprunter des chemins de traverse le Comédien décline une offre de la Comédie-Française et part neuf ans pour la Russie où il fait applaudir le théâtre français ; le chagrin d’enfance de Deburau se transforme en gestuelle expressive. Dans les deux cas, le refus de tout académisme renforce le talent artistique. Le comédien est d’abord un rebelle aux ordres de la famille et de la société, car il s’agit d’une vocation plus que d’un apprentissage 15 Sacha Guitry, Le Métier de comédien », in Théâtre…, p. 27-28. C’est un métier pour lequel il faut être doué ; on ne peut pas devenir un bon comédien à force de travail, d’intelligence et de volonté. On peut jouer la comédie sans aucun don, mais on la joue mal. On fait mal semblant. Or, savoir faire semblant, cela ne s’apprend pas15. 8Si Deburau, répondant ainsi à l’insistance de son fils Charles, consent finalement à lui donner une leçon de pantomime, c’est qu’il croit seulement aux vertus de l’hérédité, le fils remplaçant le père sans effacer son nom. Tous les acteurs du théâtre du Funambule veulent assister à la dernière classe du maître qui délivre les secrets de son art en ces termes il faut avoir le trac pour être artiste, jusqu’au moment de la loge ; puis masquer sa peur face au public. En scène, le comédien doit être léger, simple, charmant, jamais vulgaire, pas trop intelligent, c’est inutile. Il doit se souvenir 16 Sacha Guitry, Deburau , in Théâtre…, acte III, p. 688. que les professeurs sont tous mauvais et, quand on est doué, qu’ils sont des criminels, car ils n’enseigneront jamais, hélas ! que leurs défauts. Tous les gestes sont bons quand ils sont naturels, ceux qu’on apprend sont toujours faux16. Dans Le Métier de comédien, Sacha Guitry rajoute 17 Sacha Guitry, Le Métier de comédien », in Théâtre… Le comédien est un homme dont la fonction naturelle est d’être un autre homme pendant quatre heures, tous les jours. Jouer la comédie, c’est mentir avec l’intention de tromper, c’est créer l’illusion d’une quantité, d’une infinité de sentiments divers qu’on n’éprouve pas et qu’il convient pourtant de faire partager17. 9Dans ces textes, Sacha Guitry se réfère directement aux théories de Diderot, les techniques de jeu visant à exercer un effet sur la perception du spectateur sans identification de la part de l’acteur ni avec le caractère du personnage ni avec la logique du comportement lié à son rôle. C’est donc au spectateur qu’il revient de vivre l’action, l’acteur lui imposant, par sa technique, une relation d’identification. Car le public est l’ultime visée de l’acteur authentique qui doit se sacrifier à son attente pour lui procurer du plaisir, dût-il lui-même en souffrir. Tel est, en effet, le sens des paroles de Deburau lors de sa dernière classe 18 Sacha Guitry, Deburau, acte IV, p. 693. Adore ton métier, c’est le plus beau du monde ![…] Fais rire le public, dissipe son ennui,Et, s’il te méprise et t’oublieSitôt qu’il a passé la porte,Va, laisse-le, ça ne fait rien,On se souvientToujours si mal de ceux qui vous ont fait du bien18 ! 10C’est au docteur qu’il revient finalement de faire le panégyrique du métier, l’un reconnaissant à l’autre sa capacité à soigner le public 19 Ibid., acte III, p. 678-679. Le docteur Et je respecte volontiersCeux-là qui font métierDe distraire les autresEt de les amuser. […] Celui qui fait sourire est un grand bienfaiteur !Il peut ce que jamais n’a pu faire un a sur nous un avantageIl peut, sans le vouloir, sans être intelligent,Il peut rendre le goût de la vie à des gens19 ! 11De la même façon, le Comédien s’interroge sur le public qui donne sens à son métier. S’il a l’occasion de parler à douze cents personnes tous les soirs, comment lui rendre service » ? Faudrait-il, à l’instar des naturalistes, lui dépeindre les misères de la vie ? 20 Sacha Guitry, Le Comédien, in Théâtre…, acte I, p. 910-911. Le comédien Pas du tout, justement. […] Il ne suffit pas de montrer ce qui est laid, il faut aussi montrer ce qui est Beau ! Le Bonheur, l’Amour, la Gloire, la Santé, la Peinture… tout ce qui est beau et tout ce qui est accessible. […] Savez-vous ce qu’est le public ? […] C’est notre pays20. 12Le rôle de l’acteur n’est donc qu’un outil, sa fonction véritable étant d’instaurer un dialogue avec le public c’est ainsi qu’il doit contribuer, par-delà les masques de son personnage, à l’édification esthétique et morale des spectateurs. De la sorte, les comédies se font actes de foi. Si Guitry ne renonce à aucune des observations comiques que le thème lui offre – le directeur et l’argent, le comédien et sa vanité, la jalousie de ses partenaires –, le sujet même de ses pièces est l’analyse des raisons profondes qui font qu’un comédien est un comédien, mais aussi de ce qu’il pourrait être si l’on admettait sa mission sociale. Son amour, dirait Guitry. * * * 13Le comédien est avant tout un analyste de l’amour. Mais il existe deux sortes d’amour l’amour apparent et somme toute superficiel, celui du Comédien pour Jacqueline Maillard par exemple, jeune femme qui se trompe en croyant aimer celui qu’elle admire sur les planches du théâtre, ou de Deburau pour Marie Duplessis, la Dame au Camélia. Et l’amour véritable, inextinguible parce que désincarné et idéel celui de l’acteur pour le public. Dans les deux pièces, Deburau et le Comédien doivent renoncer aux amours trompeuses comme aux rêves narcissiques pour devenir personne, c’est-à-dire tout le monde. S’il est alors impossible de faire la part du rôle et de l’artiste, Sacha Guitry s’abîmant dans les ombres fantomatiques de Deburau ou du Comédien, c’est que le théâtre est sa vie comme sa vie est son théâtre. À ce prix seulement, le mensonge que suppose tout rôle sera parachevé car mené à ce point extrême où l’acteur s’annule pour faire vivre un autre en lui-même, pour l’amour du public. * * * 14Sacha Guitry a sans doute eu l’intuition de l’esthétique contemporaine de l’autofiction le premier, il renonce à la notion d’emploi alors en vigueur dans le théâtre de boulevard, à ces 21 Classification de Maurice Rostand pour auditions possibles, in Comœdia, 22 janvier 1921, Bn ... grands premiers comiques, grands premiers rôles, jeunes premiers et premiers rôles, amoureux et amoureuses, confidents et manteaux, raisonneurs ou duettistes21 qui occupent les scènes françaises de l’époque, pour imposer sa seule présence 22 Sacha Guitry, Le Comédien, in Théâtre…, acte II, p. 933. Le comédien Savez-vous ce qu’est un artiste ? Un artiste, c’est un comédien qui n’a pas d’emploi défini. […] Un artiste n’a pas d’âge… il joue les vieillards quand il est jeune et les éphèbes quand il est trop vieux pour jouer les hommes mûrs22. 15Si le métier de comédien est, selon les dires de Guitry, magnifique et terrible », c’est qu’il abolit définitivement la notion d’intimité. Dès lors, tout ce qui est vécu par le comédien deviendra matériau pour la scène, la vie se recyclant inévitablement dans l’art. Deburau est une part de l’enfance de Guitry, moment initiatique où se joue de façon encore inconsciente le destin du futur homme de théâtre 23 Sacha Guitry, Cinquante ans d’occupations, p. 326-327. C’est à Saint-Pétersbourg, en 1890, que j’ai joué la comédie pour la première fois. Joué n’est pas tout à fait exact. En vérité, j’ai figuré dans une pantomime en un acte que mon père avait faite en collaboration avec un grand comédien russe qui se nommait Davidof. Cette pantomime fut créée au Palais Impérial, devant Alexandre III. Mon père y jouait le rôle de Pierrot. Moi, j’étais Pierrot fils. […] Lorsque, après une interminable séparation de treize années, mon père vint me voir jouer pour la première fois, c’était au Vaudeville, et je jouais Deburau. Vingt-huit ans s’étaient écoulés depuis l’époque de mes débuts à Saint-Pétersbourg – et je puis dire, en somme, qu’il ne m’avait pas vu jouer depuis le jour où cette photographie avait été prise. Vingt-huit années, et il me retrouvait en Pierrot ! Mais, ce jour-là, c’était moi qui jouais le rôle du père23. 16De même, l’intrigue du Comédien est tout entière inspirée d’une lettre de Talma que Guitry conserve comme un document précieux Je possède une lettre de Talma des plus intéressantes. […] L’actrice qui jouait avec lui à Bruxelles ne pouvant pas l’accompagner de ville en ville, le directeur demandait à Talma d’accepter une certaine demoiselle Bellanger, propre à la remplacer dans les principaux rôles féminins de son répertoire. Mlle Bellanger n’avait pas de talent, et Talma le savait. Il aurait pu fort bien ne pas s’en soucier. Il aurait pu fort bien penser Moi seul, et c’est assez », ainsi que trop de grands acteurs le pensent et le disent. Talma n’était point de ceux-là. Il écrivit au directeur 24 Sacha Guitry, Du grand danger de ceux qui remplacent les autres », in Théâtre…, p ... Mon cher Ami,J’accepte volontiers votre proposition, et c’est avec plaisir que j’irai jouer tant à Anvers qu’à Liège et qu’à Namur, ainsi qu’à Charleroi. Mais je vais être irréductible quant au choix que vous avez fait de Mlle Bellanger. C’est une personne ravissante, mais dont le jeu, hélas ! est superficiel. Je vous prie instamment de ne pas me l’imposer pour jouer avec moi, car […] cela me fatiguerait été en effet demander à Talma d’interpréter deux rôles, ce qui n’eût point manqué de le fatiguer24. 25 Antoine, Un grand portrait d’acteur », chronique hebdomadaire de L’Information, 1921. 17Les pilotis de l’œuvre sont restitués au gré de notes fragmentaires concernant les souvenirs de Guitry ; la biographie étant constituée de scènes éminemment théâtrales, l’art sert d’abord à lire sa propre vie ; toute pièce prend alors l’allure d’une confidence personnelle », comme le disait Antoine à propos du Comédien25, la réalité de l’existence menant à l’esquisse du portrait universel de l’acteur. * * * 26 Voir, par exemple, à ce sujet, la critique de Pierre Mille, dans La Renaissance, fé ... 27 Pornographie provisoire », Comœdia, février 1921. 18On a souvent reproché à Guitry de se mettre » dans ses ouvrages26, certains allant jusqu’à parler de pornographie provisoire », le Comédien cédant aux avances d’une jeune étourdie sous le regard bienveillant de son oncle, triste représentant de notre morale finissante, de notre morale passive »27, d’autres saluant cette incorporation inédite de l’homme et de l’œuvre. Il semblerait plutôt que le prétendu narcissisme de Guitry soit un malentendu, l’artiste sacrifiant son ego dans la pratique du théâtre et se travestissant toujours pour s’engloutir et se perdre dans la multiplication des rôles. Si la thématique de la surface et des profondeurs engendre une incessante dialectique dans l’œuvre de Guitry – les coulisses enseignant plus que la scène et les masques plus que la réalité – c’est que l’acteur, forcément rebelle aux règles habituelles du monde, masque sa tristesse d’une mélancolique élégance. Sans rôle et sans amour, l’acteur n’est plus personne telle est la première leçon de Deburau et du Comédien. Mais c’est sans doute que, pour être un grand artiste, il fallait déjà n’être rien. D’où la nostalgie du Comédien après la dernière, sorte de condamnation au vide après l’illusion du masque 28 Sacha Guitry, Le Comédien », in Théâtre…, acte I, p. 908. L’habilleuseVous aimez ça, vous regarder dans la glace, hein ?Le comédienCe n’est pas moi que je regarde… ce sont les autres !L’habilleuseQuels autres ?Le comédienCeux que je joue…L’habilleuseOui, mais comme celui-là, vous ne le jouerez plus…Le comédienJustement, je lui dis Adieu28. 19En conclusion, il semblerait que la traversée des apparences, si souvent symbolisée par des scènes de vanité face au miroir dans l’œuvre de Guitry, soit l’illusion suprême à laquelle le bon acteur aurait renoncé n’étant rien que les autres, sous le masque, il s’adresse à la communauté des hommes en traitant légèrement de sujets sérieux. Avec Lucien Guitry et Yvonne Printemps Top of page Notes 1 Benjamin Crémieux, Comœdia, mars 1938 ; article découpé par Sacha Guitry et annoté par ses soins de la sorte Voilà une critique qui me paraît assez indépendante », archives Guitry, BnF. 2 Propos de Sacha Guitry rapportés par Lucien Dubech, Le Matin, 22 janvier 1921. 3 Sacha Guitry, Deburau, in Théâtre et théâtre je t’adore, Paris, Omnibus, 2005, acte I, p. 612. 4 Roland Dorgelès, La Lanterne, 22 janvier 1921. 5 Benjamin Crémieux, Comœdia. 6 Sacha Guitry, document dactylographié enregistré par Radio-Luxembourg le samedi 16 février 1938, BnF, Fonds Guitry. 7 Le comédien et son musée », Comœdia, janvier 1921. Cf. infra, Le musée du comédien ». 8 Lucien Dubech, Le Matin, 1921, BnF, Fonds Guitry. 9 Le Comédien, film de 1948 ; Deburau, film de 1951. 10 Fragments notamment tirés de Si j’ai bonne mémoire », Mon Portrait », Portraits et anecdotes », dans Cinquante ans d’occupations. 11 Sacha Guitry, Théâtre…, t. II, p. 27-28. 12 Sacha Guitry, Le Comédien, acte III, p. 950. 13 C’est le cas de Lucien Guitry dans Le Comédien. 14 C’est le cas de Deburau. 15 Sacha Guitry, Le Métier de comédien », in Théâtre…, p. 27-28. 16 Sacha Guitry, Deburau , in Théâtre…, acte III, p. 688. 17 Sacha Guitry, Le Métier de comédien », in Théâtre… 18 Sacha Guitry, Deburau, acte IV, p. 693. 19 Ibid., acte III, p. 678-679. 20 Sacha Guitry, Le Comédien, in Théâtre…, acte I, p. 910-911. 21 Classification de Maurice Rostand pour auditions possibles, in Comœdia, 22 janvier 1921, BnF, Fonds Guitry. 22 Sacha Guitry, Le Comédien, in Théâtre…, acte II, p. 933. 23 Sacha Guitry, Cinquante ans d’occupations, p. 326-327. 24 Sacha Guitry, Du grand danger de ceux qui remplacent les autres », in Théâtre…, p. 55-56. 25 Antoine, Un grand portrait d’acteur », chronique hebdomadaire de L’Information, 1921. 26 Voir, par exemple, à ce sujet, la critique de Pierre Mille, dans La Renaissance, février 1921. 27 Pornographie provisoire », Comœdia, février 1921. 28 Sacha Guitry, Le Comédien », in Théâtre…, acte I, p. of page References Bibliographical reference Sophie Lucet, “Portrait de l’artiste en rebelle Le Comédien, Deburau”, Double jeu, 3 2006, 123-134. Electronic reference Sophie Lucet, “Portrait de l’artiste en rebelle Le Comédien, Deburau”, Double jeu [Online], 3 2006, Online since 06 July 2018, connection on 27 August 2022. URL DOI of page About the author Sophie LucetMaître de conférences en Études théatrales à l’université de Caen this author Published in Double jeu, 1 2003 Entretien avec Philippe Caubère Published in Double jeu, 1 2003 Entretien avec Valérie Dréville Published in Double jeu, 1 2003 Quelqu’un va venir, de Jon Fosse Published in Double jeu, 6 2009 Top of page} Bourbe: Sang de __ : insulte dans le monde de Harry Potter; Guitry : Le père, c’était Lucien, le fils, c’était Sacha; Frémir : Presque bouillir; Grenat : Pierre fine en général rouge; Oxford : Célèbre ville universitaire britannique; Hammam : Etablissement où l’on fait des bains de vapeur; Paname : Nom argot de Paris

"La solitude c'est après, oui c'est après/Quand les soleils artificiels se sont fanés" chantait, en 1976, Claude François , personnage pas exempt de fêlures auquel rendent cette année hommage Florent Emilio Siri et Jérémie Renier à travers le film Cloclo . En 1976, quelques mois après avoir été ébranlée par le suicide de son ami et protégé Mike Brant, Dalida chantait J'attendrai et son "coeur si lourd", au faîte de sa gloire et de son rayonnement. En apparence, du moins... Car, intérieurement, la diva solaire venue d'Egypte se morfondait et devait bien se reconnaître dans la chanson de Cloclo, elle qui a aussi chanté ces rideaux qui tombent, ces projecteurs qui s'éteignent, ce sentiment d'abandon... Un mal-être intime traité irrémédiablement aux barbituriques Dalida se suicide à 54 ans dans la nuit du 2 au 3 mai 1987 dans sa maison de Montmartre, rue d'Orchampt dans le XVIIIe arrondissement. 20 ans après une première tentative qui a échoué mais l'a éloignée des mois durant de la scène. Elle qui chantait, véritable impératrice à laquelle on n'aurait rien refusé, "je veux mourir sur scène ... sans la moindre peine ... et en chantant jusqu'au bout", s'est éclipsée en douce, sans prévenir personne. Ou presque. Elle laisse une lettre à son frère Orlando, une autre à son dernier compagnon François Naudy, et, à ses fans, ce mot terrible qui appartient à la légende "La vie m'est insupportable, pardonnez-moi. Dalida." Des photos intimes et sa lettre d'adieu... "Laissez-moi pleurer", chantait-elle aussi, crépusculaire, pour la bande originale du film égyptien de Youssef Chahine Le Sixième Jour, qu'elle avait tourné en 1986 - une chanson qu'on la voit interpréter dans des images du journal d'Antenne 2 JT2 que lui consacra au lendemain de sa mort Claude Sérillon, disponibles sur le site de l'INA . Bientôt 25 ans après le suicide de Dalida, Paris-Match, dans son édition aujourd'hui en kiosques, lui rend hommage au travers de photos inédites confiées par Orlando on voit tour à tour Dalida plus glamour que jamais à 50 ans dans une robe faite d'un châle dans sa villa corse de San Giorgio, heureuse comme une fillette à dos d'âne à Porto-Vecchio à 44 ans, en pleine séance de yoga à 37 ans, sur son premier bateau au large de Cannes à 32 ans, sur la plage de Saint-Tropez avec Brigitte Bardot en 1970 ou encore à Noël 1979 en famille... Et aussi, dans des clichés de ses trois amoureux suicidés Lucien Morisse, son pygmalion devenu son mari en 1961 et qui mit fin à ses jours en 1970 alors qu'ils étaient restés en bons termes ; Luigi Tenco, dont elle trouve le corps, une balle dans la tête, après sa participation au Festival de SanRemo 1967 et alors qu'ils avaient prévu de se marier suicide qui entraînera la tentative de Dalida quelques jours plus tard pour rejoindre Luigi dans l'au-delà, mise en échec par une femme de chambre de l'hôtel Prince de Galles à Paris, inquiétée par le silence dans la chambre occupée par une certaine Iolanda Gigliotti - nom de jeune fille de Dalida ; le playboy Richard Chanfray, dit le comte de Saint-Germain, qu'elle aima et qui l'aima de 1972 à 1981, et qui se suicida à l'été 1983 avec sa compagne d'alors. Des photos inédites, enfin, dont fait partie le message de mort qu'elle laissa... "Ce sentiment d'abandon a façonné son destin" Cet album de Dalida intime, extrêmement touchant, s'accompagne de quelques confidences non moins émouvantes d'Orlando "Elle était émouvante, ma soeur, et très sincère. Sous ses dehors de femme fatale, de diva lointaine, Iolanda était un être humble, presque effacé. Elle souffrait d'un sentiment d'abandon qui a gâché sa vie amoureuse ... Ce sentiment d'abandon a façonné son destin", rappelle d'emblée le producteur de 75 ans, qui s'occupe aujourd'hui d'entretenir la mémoire de celle qu'il appelle "Dali" et se félicite de voir que les jeunes générations y sont sensibles. Il rappelle aussi combien la mort prématurée de leur père italien à la Libération, après quatre années passées dans les camps, a marqué la jeune Iolanda, alors âgée de 12 ans et qui "a reporté tout son amour sur leur mère". Racontant cette Dalida inconnue du grand public qui l'idolâtrait, celle des dimanches entre copains, "en tenue très décontractée, pas maquillée, pantalon, petit pull et ballerines", il se souvient de l'isolement dans lequel elle s'est progressivement enfermée, ces réunions conviviales se raréfiant "Vous vous occupez de ma carrière, je m'occupe de ma vie", répondait-elle aux reproches qu'on lui faisait à ce sujet. "Lucien, c'était le père de substitution. Luigi, l'amour fou et le drame. Richard, celui avec qui elle a été le plus heureuse." Interrogé sur la vie amoureuse désastreuse de sa soeur, qui avait par ailleurs dû renoncer à devenir maman après un avortement qui l'avait rendue stérile elle était tombée enceinte d'un étudiant romain, évoqué par la chanson Il venait d'avoir 18 ans, à la fin des années 1960, après sa première tentative de suicide, il analyse "Dali avait une âme de bon samaritain avec les hommes. Elle les aimait fragiles, écorchés, avec un mal-être, en écho au sien, peut-être. Elle pensait pouvoir les changer, les aider. Mais, après l'exaltation des premiers moments..." A la question de Paris-Match "Qui a-t-elle aimé le plus, selon vous ?", et alors qu'on aurait pu attendre "Luigi Tenco" comme réponse, Orlando réplique "C'est avec Richard Anfray qu'elle a été le plus heureuse ... Dali était lucide, sans illusions, dès le départ. Il l'amusait. Mais il s'est égaré et... Lucien Morisse a signé sa naissance artistique ..., il a été aussi le père de substition puis l'ami fidèle. C'est le seul homme qu'elle a regretté d'avoir quitté. Luigi Tenco, c'était l'amour fou et le drame." Cherchant un déclencheur au geste désespéré de sa soeur, Orlando a cette belle formule, digne de la tragédie de Dalida, diva irrésistible mais femme inassouvie "Les déceptions amoureuses ? Le manque d'enfants ? La peur de vieillir ? Les hommes de sa vie n'ont cessé d'aimer Dalida, alors que c'était Iolanda qui avait besoin d'amour." Hommage et photos inédites à retrouver dans le dossier exceptionnel de l'édition courante de Paris-Match.

3Le temps ayant fait son œuvre, nous connaissons désormais le sort de ces pièces qui furent le prétexte de nombreuses reprises. Deburau fut la pièce fétiche de Sacha Guitry : elle fut l’occasion de la réconciliation avec son père après une brouille de treize ans, et c’est sous les traits de Deburau que Guitry fit ses adieux à la scène le 13 décembre 1953, à Bruxelles.

RETOUR CINEMA, TÉLÉVISION, …RETOUR CINEMA, TÉLÉVISION, … ► Jean Guitry 1884 – 1920 Lucien Guitry et ses deux fils Sacha à Gauche, Jean à droite. Comédien dont le talent ne put jamais égaler celui de son père et de son frère, mais aussi journaliste, il périt dans un accident de voiture près de Trouville. D’abord inhumé au cimetière de Passy, il rejoignit la sépulture familiale de Montmartre après le décès de son père. A partir de 1932, Sacha vécut avec Jacqueline Delubac qu’il épousa en 1935. Elle joua vingt-trois pièces de son mari, dont dix créations. D'autre part, elle interprétera onze de ses films. Séparés en 1938, leur divorce fut prononcé en 1939. Associée aux réussites de Giutry, elle ne retrouva plus aucun rôle digne de son talent. A partir de 1955, elle se consacra à la peinture et surtout à la vie mondaine. Sa fin fut moins glamour un livreur de pizzas la renversa rue de Rivoli. Elle mourut des suites de cet accident. Elle repose avec son second époux, le joaillier Myran Eknayan 1892-1985. ► Geneviève de Séréville 1914 – 1963 Cimetière de Saint-Just-en-Chaussée Oise Sa carrière d’actrice décolla grâce à son mariage avec Guitry, en 1939, dont elle créa cinq pièces et fut présente dans cinq de ses films. Séparés en 1944, leur divorce fut prononcé en 1949. Séparé en 1944, le couple divorça en 1949. Privée de son mentor, elle déserta les écrans et écrivit un livre Sacha Guitry, mon mari» 1959, Emportée par un cancer de la gorge, elle fut inhumée dans sa commune de naissance. ► Lana Marconi 1917- 1990Cimetière de Montmartre, 1ère division Paris Il lui avait déclaré Les autres furent mes épouses vous serez ma veuve. Ces belles mains fermeront mes yeux et ouvriront mes tiroirs. »Vivant avec Guitry depuis 1945, elle l’épousa 1949 à Paris. Elle créa sept de ses pièces. Seul réalisateur avec lequel elle travailla, elle est présente dans la douzaine de films qu’il tourna à partir de 1948. Lana, effectivement veuve de Sacha, a l'honneur d'être la seule femme a partager l'éternité des Guitry. GUITRY Sacha 1885 – 24 juillet 1957Cimetière de Montmartre, 1ère division Paris Artiste dont le timbre et la diction étaient extraordinaires, homme d’esprit dont les bons mots envahissent les dictionnaires de citations, son style souvent léger ne fut jamais superficiel et resta ancré dans la réalité. Il voulait saisir la vie dans ce qu’elle a de capricieux, pétulant, fugace et aléatoire. A ce titre, il est une référence incontournable. Boudant le cinéma auquel il reprochait de ne pas avoir la même puissance que le théâtre, il franchit néanmoins et vraiment le pas en 1935 avec Pasteur, biographie du savant. Et il suffit de voir Le Roman d’un tricheur à l’origine une de ses pièces pour constater qu’il était bien l’un des grands réalisateurs de son époque. Elégance, désinvolture, maîtrise et innovation sont autant de ses qualités que l’on retrouve jusque dans ses génériques. Passionné d’histoire, il inventa aussi les grandes revues historiques qui font défiler des personnages illustres Remontons les Champs-Elysées 1938, Le destin fabuleux de Désiré Clary 1941, etc. A l’apogée de sa carrière pendant la seconde Guerre mondiale, il fut arrêté à la Libération de Paris par un groupe de résistants qui lui reprochait son attitude ambigüe à l'égard de l'occupant allemand. Incarcéré pendant deux mois sans inculpation, les accusations de ses détracteurs ne pouvant être prouvées, son dossier fut classé suivi d’un non lieu-lieu 1947. Cette mésaventure lui fit dire La Libération ? Je peux dire que j'en ai été le premier prévenu. » Il se justifia par la suite dans Le Diable boiteux 1948, magnifique portrait de Talleyrand. Après une disgrâce momentanée, grâce au soutien de ses amis, il devint finalement le cinéaste officiel de la IVe République avec de grosses machines comme Si Versailles m’était conté, Napoléon et Si Paris m’était conté avec toujours de fastueuses distributions servant toujours, et encore, son esprit et son ironie à défaut d’exactitude historique. Mais on peut aussi leur préférer quelques éblouissantes pochades La Poison, Adhémar, etc. Est-ce par jalousie, il fut souvent l’objet de médisances et entretint des relations difficiles avec la critique. Mais alors que Nouvelle Vague fut d’une virulence inouïe avec des réalisateurs du passé, elle réhabilita Guitry, véritable auteur complet » à ses yeux. Quand l’éternel et génial cabotin tira sa révérence, comme une ultime représentation, son public, une foule immense, se pressa sur les trottoirs et se bouscula au cimetière de Montmartre pour lui rendre un ultime hommage. Avec lui reposent Actrice, elle fut d'abord la maîtresse de Lucien Guitry qui eut la malheur de ne lui accorder qu'un petit rôle quand il dirigeait le théâtre de la Renaissance. Pour se venger, dans les coulisses, elle séduisit Sacha de sept ans son cadet. Lucien eut beau entrer dans une rage folle, Sacha l’épousa en 1907. Elle créa dix-neuf pièces de son mari et reprit Nono en 1910. Séparés en 1917, leur divorce fut prononcé en 1918. Elle mourut à Saint-Jean-Cap-Ferrat où elle fut inhumée. Les femmes de Sacha Guitry, incorrigible séducteur aux nombreuses liaisons. Vous ne pouvez pas savoir ce qu'on s'ennuie à Londres un dimanche ! Je m'y étais rendu le samedi, c'était déjà intolérable, le dimanche, c'était impossible, et le lundi je trouvai enfin quelque chose à faire je me mariai. » Il le fit cinq fois. RETOUR THÉÂTRE RETOUR THÉÂTRE ► Jacqueline Delubac 1907 – 14 octobre 1997Cimetière de Garches Hauts-de-Seine Enfant du théâtre autant par sa mère que son père, Lucien Guitry, Sacha Alexandre se lança très tôt dans l’écriture prolifique de pièces de théâtre dans lesquelles il se mit en scène. Auteur et acteur brillant, ce que ses études médiocres ne laissaient pas entrevoir, Sacha signa une œuvre colossale qui lui apporta le succès et la gloire à la mesure de son immense talent. Certaines de ses pièces sont restées comme des classiques de théâtre français. ► Dramaturge, acteur, metteur en scène, réalisateur et scénariste français ► Charlotte Lysès 1877 – 1956Cimetière de Saint-Jean-Cap-Ferrat Alpes-Maritimes TOMBES ET SEPULTURES DANS LES CIMETIERES ET AUTRES LIEUX Dernière mise à jourau 22 juin 2021 TOMBES SÉPULTURES DANS LES CIMETIÈRES ET AUTRES LIEUX par Marie-Christine Pénin Pour s'abonner à la Newsletter CLIQUER sur "Contact" en précisant bien le sujet et votre adresse LIEUX D'INHUMATIONSEN LIGNEancien cimetière révolutionnaireancien cimetière révolutionnairedisparuCimetière Ste-Catherine 75disparudisparue COPYRIGHT 2010 - 2022 - TOUS DROITS RÉSERVÉS - Ce site est propriétaire exclusif de sa structure, de son contenu textuel et des photos signées MCP. Sauf accord du propriétaire du site, toute reproduction, même partielle, à titre commercial est interdite. Les reproductions à titre privé sont soumises à l'autorisation du propriétaire du site. 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Ondit souvent que Guitry était misogyne et même si nombre de ses répliques à propos des femmes étaient aussi violentes que bien écrites, c’était un homme fou des femmes qui se maria cinq fois. C’est de tout cela qu’il est question dans ce livre mais aussi de son enfance et de la jalousie de son père, Lucien, qui fut lui-même comédien célèbre et coureur de jupons.

^{Accueil •Ajouter une définition •Dictionnaire •CODYCROSS •Contact •Anagramme Le père, c'était Lucien, le fils, c'était Sacha — Solutions pour Mots fléchés et mots croisés Recherche - Solution Recherche - Définition © 2018-2019 Politique des cookies.} Filsde l’un des comédiens les plus en vue de la Belle Epoque, Lucien Guitry, le petit Sacha a grandi entre précepteurs particuliers et avant-garde. Les amis de son père s’appelle en effet Vuillard, Monet, Courteline, Toulouse-Lautrec, Lartigue sans oublier la grande Sarah Bernhardt. On comprend dès lors que Sacha Guitry ait voulu

Sacha Guitry aimait les femmes, à sa manière. Mais ce natif de Saint-Petersbourg entretenait une relation particulière avec Paris. Françis Huster, l'un de ses plus fidèles admirateurs, le raconte au JDD. Paris était "sa maîtresse", dans la profession, ne semble mieux connaître Guitry que Francis Huster Crédit de la photo Carlos Munoz Yagüe pour le JDDC'est l'un des plus grands projets de sa carrière. "Un tournant dans ma vie", avoue-t-il, enthousiaste. Le 14 janvier prochain, Francis Huster commencera à filmer le remake de Umberto D, le chef-d'oeuvre néoréaliste de Vittorio De Sica. Un film monstre pour lequel il s'apprête à diriger plus d'une cinquantaine de comédiens. Parmi eux, Jean-Paul Belmondo, qui signera là son grand retour à l'écran. C'est peu de dire qu'Huster manque de temps. Hier en repérage, aujourd'hui en rendez-vous avec ses acteurs. Demain, caméra à la main. Il a pourtant répondu présent dès qu'il s'est agi d'évoquer Sacha Guitry 1885-1957. Ces deux-là ne se sont bien sûr jamais trouvés en présence l'un de l'autre. Et pourtant, nul, dans la profession, ne semble mieux connaître Guitry que Francis Huster. "Je l'ai rencontré trois fois, confie-t-il. A la télévision, tout d'abord où ses films ont bercé mon enfance. Et j'ai été bouleversé parla puissance de ce monstre sacré qui portait en lui une époque disparue." Arletty, avec laquelle Huster - une fois adulte - passait des après-midi entiers, lui a ensuite présenté l'homme. "Avec elle, j'ai découvert Sacha l'insolent, le libertin, le révolté, mais aussi le fils à jamais orphelin de Lucien Guitry." Enfin, François Truffaut lui a révélé le cinéaste extraordinaire qu'il était. Depuis, Francis Huster a multiplié les occasions de retrouver son héros. Il lui a consacré un ouvrage, mis en scène et joué plusieurs de ses pièces."La France était sa femme. La Ville Lumière, sa maîtresse"Aussi faut-il prendre le temps de l'écouter évoquer Guitry. Sa voix, chaude, fougueuse, si particulière, charrie toute l'histoire du théâtre pour raconter - au final - Paris dans ce que la ville a de plus beau. Ou de plus odieux. Au fil de cette balade, le comédien ravive la Belle Epoque, rallume la flamme des Années folles, se cabre pour évoquer l'épuration. "Sans Paris, il n'y a pas de Sacha ", précise-t-il. "La France était sa femme. La Ville Lumière, sa maîtresse. Ils entretenaient une relation saisonnière. Et comme toujours entre deux amants, il s'est lassé et elle a fini par le tromper. "Une liaison exceptionnellement retracée par Francis Huster, avec une force vibrante et une passion Allais et Renard au 26, place Vendôme"Né à Saint-Pétersbourg en 1885, Sacha est arrivé en France avec sa mère lorsque ses parents se sont séparés en 1889. Cela n'a pas empêché son père, Lucien, de le kidnapper pour le ramener avec lui en Russie en 1890. De retour à Paris un an plus tard, ce dernier s'installe au 26 de la place Vendôme où Sacha passe une partie de son enfance entouré d'Alphonse Allais, de Feydeau, de Jules Renard ou de Tristan Bernard, les amis de son père. Tous lui ont transmis un sens de l'humour juif, une certaine forme de distanciation face aux événements les plus durs. C'est probablement ce qui lui a permis de tenir pendant l'épuration. Si Lucien Guitry était considéré comme le plus grand acteur de son temps, Sacha n'a pas été un fils à papa pour autant. Au contraire. Lucien portait si haut le flambeau du théâtre qu'il n'a jamais osé aller sur le même territoire que lui. Du coup, il a été amputé de tous les grands rôles du classique. Cela lui a coûté dix ans de sa vie. Et lorsqu'il s'est brouillé avec son père, il a dû repartir de zéro. Mais c'est probablement ce qui lui a sauvé la vie."Le 26 de la place Vendôme est aujourd'hui occupé par des mariage à la mairie du 16e"Sacha a épousé Yvonne Printemps à la mairie du 16e. Cette dernière a beaucoup fait pour le rabibocher avec son père. Les deux hommes s'étaient fâchés à cause d'une femme Charlotte Lysès, qui avait d'abord eu Lucien pour amant, avant d'épouser Sacha. Et avec quelle insolence ! Non content de convoler avec la maîtresse de son père, ce dernier prenait en plus Sarah Bernhardt - le témoin du mariage de ses parents -, et Feydeau - l'ami de Lucien -, pour témoins. Avec Charlotte, Sacha a épousé une mère ; avec Yvonne Printemps, une femme ; avec Jacqueline Delubac, une amie ; avec Geneviève de Séréville, une petite fille ; avec Lana Marconi, une épouse. Mais il n'a jamais trouvé la femme de sa vie. Je crois que c'était Arletty. Elle était probablement celle à laquelle il était le plus attaché. ?J'allais pas épouser Sacha Guitry, il s'était épousé lui-même?, me disait-elle. C'est pourtant elle qui correspondait le mieux à son insolence. Leur couple a manqué à l'histoire du théâtre. On dit souvent que Guitry est misogyne. C'est n'importe quoi. Dans ses pièces, c'est l'homme qui trompe, pas la femme. Il était fou des femmes. Elles n'ont malheureusement jamais été folles de lui. Peut-être parce qu'il n'a jamais su les entendre, même s'il savait leur parler."71, avenue Henri-Martin, insolence dans les théâtres privés"Sacha a débuté au Théâtre Antoine. Il était à l'Edouard-VII comme chez lui. A la Madeleine, il a été trahi par Yvonne Printemps. Le Théâtre des Mathurins a, un temps, porté son nom. Les Variétés ont été sa dernière maison. La vraie demeure de Sacha Guitry se trouvait sur ces scènes privées parisiennes où il a inventé le théâtre moderne. Avec lui c'en est terminé des longues tirades et des textes ampoulés. Place à un théâtre neuf, frais, avec de vraies répliques portées par une révolte à la Molière, une insolence à la Beaumarchais, une audace à la Feydeau. Ses pièces décortiquent et attaquent le Paris bourgeois de son époque. Dans cent ans, je suis sûr qu'on les mettra en scène de façon plus âpre, plus sèche, plus proche de la cruauté. Jouer du Guitry est bien plus difficile qu'on ne le croit car il est impossible de tricher. Certes, les acteurs sont rois chez lui. Et il leur offre des rôles sublimes. Mais ce ne sont pas forcément des personnages. D'où l'importance de ne pas imiter Guitry. Encore moins de s'imiter soi-même. Les Brasseur père et fils y parviennent à merveille aujourd'hui sur la scène du Théâtre Edouard-VII. Tout comme Jean Piat ou Pierre Arditi."Le Théâtre Edouard-VII, 10, place Edouard-VII, 9e, présente "Mon père avait raison", de Sacha Guitry. Mise en scène de Bernard Théâtre Antoine, 218, bd de Strasbourg, Paris 10e, présentera, à compter du 25 janvier, "Le dieu du carnage", de Yasmina consécration au cinéma Le Marignan"La première du Roman d'un tricheur a eu lieu au Marignan en septembre 1936. Un triomphe. Le cinéma représente pour Guitry la vengeance du cancre. Plutôt que de se plier aux règles du 7e art, il les a réinventées, en inaugurant la voix off, le flash-back, la prédominance de l'auteur. Il imagine des génériques inédits, tourne en extérieur bien avant la nouvelle vague, réussit des cadrages époustouflants et parvient à nous faire croire à l'impossible. Quant à sa direction d'acteurs, elle est magistrale. Beaucoup ont tourné avec lui. Mais Michel Simon est à mes yeux celui qui a le mieux compris son univers. Tous deux partagent une même insolence farouche. Et une même perversité. Il y a chez l'un comme chez l'autre un côté ?je ne suis pas ce que vous croyez?. Autant le théâtre de Guitry est profondément ancré dans les Années folles, autant son cinéma est fondé sur l'universel. Il est même politique. La poison est un film génial contre la peine de mort."Cinéma Gaumont Champs-Elysées, 27, avenue des Champs-Elysées, Paris mains des résistants, rue de Grenelle"Le 23 août 1944, des ?résistants? sont venus chercher Sacha Guitry chez lui pour l'interroger à la mairie du 7e avant de l'envoyer à la prison de Fresnes. Tout était parti d'un article du magazine Life dénonçant des collaborateurs auxquels il avait été inclus. Son chemin de croix s'est achevé en octobre par un non-lieu. Guitry était alors le plus grand. Comme Zidane aujourd'hui. Si la guerre éclatait et que Zidane n'entrait pas en Résistance, on le lui ferait payer de la même manière. Guitry avait pourtant été le seul à refuser d'être joué en Allemagne. Avec Arletty, il a tout fait pour sauver Tristan Bernard et bien d'autres de la déportation avant d'être trahi par certains qu'il avait aidés. Certes, Jean Gabin, Claude Dauphin ou Jean Marais se sont engagés. Guitry, pour qui j'ai un profond respect, n'est pas un héros. Juste un homme. Et il a pensé que le meilleur moyen de résister, c'était de continuer son art. Molière, Racine et Corneille n'avaient pas fait autre chose en leur temps."Mairie du 7e, 116, rue de Grenelle, rôle au 18, avenue Elysée-Reclus"Cet hôtel particulier avait été construit en 1910 pour Lucien Guitry. Il y a habité jusqu'à sa mort en 1925, date à laquelle Sacha s'y est installé. A compter de ce jour, il a joué le rôle de son père, endossant le personnage de Lucien jusqu'à la fin de sa vie. C'est ce dernier qui collectionnait les ?uvres d'art comme les maîtresses. C'est encore lui qui couchait avec ses partenaires, dépensait un fric considérable quitte à se couvrir de dettes. Jouant ce rôle-là, Sacha ne pouvait être père lui-même. C'est pour cela qu'il n'a jamais eu d'enfants. A mes yeux, sa vraie maison n'est pas là mais dans les théâtres privés parisiens. Ce sont des lieux sacrés."L'hôtel particulier de Sacha Guitry a été détruit et remplacé par un JDD papier

Π αψашепեщըз гኺሒохωጽեзε
Кижεδω ዓγኚφዓщ
ካμаж δωйипեзէժа υчαዷ
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Ilétait fils d'un être d'exception, adulé, autour de qui l'on avait créé une cour, et cette cour s'était reportée sur lui, en pire et par flatterie pour le père ! Il vivait dans un autre monde et, le jour où il s'est trouvé en face de la vie réelle — c'était malheureusement l'aspect méchant de la vie qui se présentait à lui ! —, il en a été profondément marqué.

^{Il y a 80 ans aujourd’hui, c’était au tour d’un pionnier du cinéma parlant de nous quitter dans la misère, comme beaucoup d’autres l’on songe à Georges Méliès et Emile Cohl disparus la même année Auguste Baron. * Nous vous proposons donc d’abord l’article paru dans Pour Vous “Une visite au “père” français du parlant” par Jean Portail en 1931 à une époque où Baron, oublié, venait d’être redécouvert. Puis, nous vous proposons plusieurs articles nécrologiques paru dans Paris Soir et Le Figaro. à la suite de la mort d’Auguste Baron le 31 mai 1938. * Finalement, pour mieux vous aider à cerner qui était Auguste Baron, nous vous proposons l’article “Auguste Baron, le 3 avril 1896, inventait le graphonoscope »” paru dans Le Petit Journal en 1938, suivi de “Auguste Baron, précurseur du film parlant” paru dans Le Figaro en 1937, et pour finir “L’inventeur du cinéma parlé, M, Auguste Baron, aveugle et âgé de 78 ans, a-t-il trouvé le cinéma en relief ?” paru en 1933 dans l’Intransigeant. * Pour clore cet hommage, nous aimerions signaler que Auguste Baron fût également honoré dans un article de Cinémagazine, datant de juin 1933 “Le Cinéma parlant est né avec ce siècle” et dont nous aimerions citer le dernier paragraphe Bien sûr, nous ne prétendons pas que Baron ait créé de toutes pièces le cinéma parlant de nos jours. D’autres sont venus après lui qui, s’inspirant de ses travaux et s’aidant des découvertes incessantes du progrès, ont peu à peu créé cet enregistrement du son sur film dont la perfection technique tient aujourd’hui du prodige. Mais n’est-il pas écrit quelque part qu’il est nécessaire de dissocier pour inventer ? C’est pourquoi il était juste de fouiller le passé afin de rendre hommage à l’innovateur, au précurseur véritable du cinéma parlant que demeure Auguste Baron, et de lui apporter publiquement l’assurance de notre souvenir ému et de notre admiration reconnaissante. » Celui qui a écrit ces lignes était… Marcel Carné. * Bonne lecture ! Une visite au “père” français du parlant paru dans Pour Vous du 14 avril 1931 Pour Vous du 14 avril 1931 On ne dispute plus à M. Auguste Baron la paternité du premier film parlant. Son brevet, qui date du 3 avril 1896, est antérieur de plus d’un lustre à tout autre. Mais la science n’enrichit pas toujours son homme. Du moins, si M. Auguste Baron a gagné beaucoup d’argent, sa façon poétique de comprendre la vie ne lui a-t-elle pas permis d’amasser, pour le moment de la retraite, ces fonds sans lesquels il n’est pas de véritable indépendance. M. Auguste Baron est pensionnaire de l’Institution Gaglignani, à Neuilly-sur-seine. C’est là que j’ai été le voir un de ces derniers jours de printemps qui faisaient de la belle demeure à pelouses et à larges allées de gravier, une manière de gai château. Après un escalier… puis un couloir… et un autre couloir cirés à éblouir, et ailés, ça et là, d’une blanche cornette de religieuse de Saint-Vincent-de-Paul, j’arrive au petit appartement que le savant occupe avec sa femme. Il est seul. Mme Baron est prise au dehors, quotidiennement, jusqu’au soir, par ses leçons de piano. L’inventeur — qui a juste, ce jour-là, soixante-seize ans — est aux trois-quarts aveugle un œil complètement éteint, l’autre si affaibli qu’il ne distingue pas si un nouveau venu, chez lui, est homme ou femme. Mais l’esprit a gardé toute sa vive souplesse. — Ah ! ah ! vous venez pour le parlant… Mon Dieu oui ! J’en suis le père. Ce fut à la suite d’un pari. Un de mes amis, le professeur Marey, de l’Institut, m’avait mis au défi. Je m’occupais déjà de cinéma. Il y a une chose à laquelle vous n’arriverez jamais, me dit M. Marey, c’est à synchroniser l’image et le son… ». J’affirmai que si, et je poussai mes recherches dans cette voie. Il me fallut tout inventer la perforeuse servant au repérage, une caméra — comme on dit maintenant — une caméra spéciale, un phonographe tout aussi spécial — et il me fallut aller chercher en Angleterre, à la maison Blair, des pellicules d’une longueur suffisante… Enfin, après un labeur de sept ans, en 1899, je fis, au professeur Marey et à quelques autres personnalités, la présentation du premier film parlant avec synchronisme parfait de l’image et du son. — Pourquoi n’avoir pas industrialisé votre découverte ? — A cette époque, on ne connaissait pas le disque. J’employais le rouleau de cire qui ne permettait pas les duplicata… A chaque fois que j’eusse vendu le même film, il m’eût fallu faire revenir les acteurs… — Tout de même… un nabab commanditaire n’eût-il pu vous fournir les moyens de poursuivre vos recherches jusqu’au point où il vous serait devenu possible d’en tirer un profit commercial ? — J’ai trouvé ce nabab, me dit M. Baron. M. X… me proposa de monter pour moi une usine en Angleterre. II devait m’envoyer un ingénieur — un ingénieur anglais de tout repos — auquel j’exposerais sans restrictions mes résultats. Vous comprenez il s’agissait de dévoiler tous mes secrets. Mais il était juste d’offrir à M. X… toutes certitudes scientifiques. Donc, un jour, on vint me prévenir, dans les ateliers de mon usine d’Asnières, qu’un monsieur, envoyé par M. X…, m’attendait au salon. Je pensai à l’ingénieur anglais. Quelle stupéfaction de reconnaître — en mon visiteur — un de mes concurrents ! Par chance, je l’avais vu, à une réunion. Mais… mais… m’écriai-je… vous êtes M. Z…? » Il bredouilla une explication. Sur ces entrefaites arriva M. X… — mon nabab ! — qui crut que j’avais donné dans le piège. Je les mis tous deux à la porte. Je l’avais échappé belle ! Pour Vous du 14 avril 1931 — Il paraît que l’on vous doit une quantité d’autres inventions? — Quelques-unes, en effet, répond avec un sourire mon interlocuteur. Et, ses mains d’aveugle ayant atteint des feuilles dactylographiées, il les pousse vers moi. — Tenez ! voici une petite liste ! Et je parcours cet alignement de brevets ! Ce magazine suffirait juste à l’énumération ! Appareils pour les techniciens… appareils d’usage courant comme la machine à trancher, peser et marquer automatiquement le poids et le prix de chaque produit découpé en tranches variables suivant l’épaisseur demandée… Auguste Baron a quasi tout inventé ! Rien que pendant la période de guerre, il a pris soixantequatre brevets… et les dieux du carnage seuls savent combien nous sommes redevables à son lance-projectile pour obus, par exemple… Mon regard tombe sur la boutonnière du vieux savant aveugle. Il a la rosette de l’Instruction publique. Il n’a pas la légion d’honneur ! — Je suis proposé depuis 1900, me dit-il doucement. Jean Portail * Auguste BARON avait inventé en 1897 le cinéma parlant IL VIENT DE MOURIR AVEUGLE ET PAUVRE paru dans Paris-Soir du 05 juin 1938 Paris-Soir du 05 juin 1938 Ruiné par ses inventions, il vivait retiré à Neuilly et pour lui permettre de continuer ses recherches, sa femme donna longtemps des leçons de piano. Auguste Baron, l’inventeur du cinéma parlant, vient de mourir. Le savant a rendu le dernier soupir dans la très modeste chambre de l’Institut Galignani, à Neuilly, où il vivait depuis dix ans, d’une demi-charité. Il venait d’entrer dans sa 83e année, et sa compagne, presque aussi âgée que lui, sa fille, l’entourèrent de soins affectueux jusqu’à sa dernière minute. Mais si dure avait été la vie de l’inventeur, si affreuses ses dernières déconvenues, que les efforts des deux femmes eurent peine à adoucir l’amertume de ses derniers jours. Le graphophonoscope C’est le 3 avril 1896 qu’Auguste Baron prenait un premier brevet concernant une prise de vue et une prise de son simultanées. Il avait créé les appareils de toutes pièces. Il gardait précieusement le secret de ses cylindres de cire vierge, où il inscrivait les sons et qui se déroulaient en même temps que le film. Il espérait industrialiser sa découverte qui, dès les premières présentations, eut un succès considérable. Il avait nommé son invention le graphophonoscope. Le professeur Marey, de l’Institut, fut le premier à s’émerveiller lorsqu’Auguste Baron lui présenta Le Songe d’Athalie » où brillait l’acteur Lagrange. Les recherches avaient coûté francs d’avant guerre. Mais les résultats, par un de ces tours de passe-passe fréquents dans la vie des inventeurs, furent, pour Auguste Baron, désastreux. Si l’industrie s’empara de son invention, lui ne toucha jamais un franc de bénéfice. La photographie aérienne automatique Cependant, la passion de la science l’emportait à tel point que le savant continua ses recherches. Il avait rencontré une admirable compagne, qui l’aidait de toutes ses forces, s’associant même à ses travaux. Il trouva diverses applications mécaniques et optiques, pendant la guerre, il risqua maintes fois sa vie pour mettre au point le multirama » un appareil photographique qui, placé à bord d’un avion, prend les reliefs d’un terrain par une suite de clichés. Il inventa le graphorama, ou appareil photographique automatique aérien qui peut reproduire sans changer de pellicule jusqu’à 100 kilomètres de terrain. Enfin, un appareil de son invention, placé au centre de la Concorde put prendre sur une seule photo une vue circulaire de la place. Auguste Baron avait travaillé de tout son cœur, dépensant sa patience et ses forces. Lorsque la guerre fut terminée, il demanda, bien timidement, si l’on ne pourrait pas rémunérer ses services. Vous avez eu l’honneur de servir le pays », lui fut-il répondu. Et Auguste Baron n’insista pas, il se retira sous sa tente, pauvre, les yeux usés par les lumières expérimentales. Il n’avait même pas pu obtenir, alors qu’il grimpait dans les zincs » de la guerre pour mettre au point ses appareils, que sa femme et ses enfants fussent assurés de l’avenir en cas d’accident. Paris-Soir du 05 juin 1938 Aveugle ! En 1920, le malheureux savant est las de lutter. Le labeur incessant, la lumière primitive des studios affaiblissent sa vue. Et puis son moral est atteint tout un drame encore difficile à évoquer se noue autour de ses inventions, que l’on copie, que l’on exploite. Il a enfanté, d’autres réalisent sans aucun profit pour lui. Il réclame, proteste, mais il est ruiné ; il lui faudrait entamer des procès, mais il n’a pas d’argent. A la fin de l’année, Auguste Baron commence à ne plus voir ; bientôt il est complètement aveugle. Finis les travaux, les recherches ; l’usine, le laboratoire doivent fermer leurs portes. L’argent des inventions qui servait à payer les études d’une autre idée ne rentre plus. C’est la gêne qui devient vite voisine de la misère. Il faut abandonner la vie indépendante, la maison de retraite pour vieux savants de Neuilly, œuvre philanthropique, lui ouvre grandes ses portes. L’Académie des Sciences accorde à Auguste Baron la pension la plus forte francs par an. Il a vécu dans ce coin paisible de Neuilly jusqu’au 1er juin 1938. Sa femme donna longtemps des leçons de piano pour apporter quelques douceurs à l’homme qui terminait sa vie dans les ténèbres. Gloire tardive Documents en main, il y a 7 ans, persuadé de servir une cause juste, j’ai déclenché, aidé de M. Maurice d’Occagne et de Jean-José Frappa, une campagne de presse pour rendre à Baron la place qui lui revenait dans la création du cinéma parlant. Hommages tardifs, M. Mario Roustan, alors ministre de l’Instruction publique, fit décerner la Légion d’honneur au vieux savant de 77 ans. Des fêtes furent organisées et le roi des Belges lui accorda la croix de Léopold. La figure aux yeux vides de l’inventeur rayonnait d’un beau sourire retrouvé. On ouvrit une souscription en son honneur. On recueillit francs… Et M et Mme Baron durent demeurer à l’Institut Galignani de Neuilly. Ce regain d’actualité avait donné un coup de fouet au courage du vieil inventeur ; la reconnaissance un peu tardive du monde avait provoqué un vif réveil de son esprit. Il voulut inventer à nouveau, bien qu’il fût aveugle. Sa fille, Mme Gaudin, sous sa dictée, traça des plans, clarifia les explications de son père ; Baron tenta de créer un appareil pour prendre directement les films en relief qu’il projetait sans le secours d’aucune lunette intermédiaire. Mourir pour la science Les pauvres billets de mille recueillis devaient servir, comme me disait Mme Baron pour assurer notre dernière demeure ». La passion de l’inventeur reprit le dessus ; l’argent, de la souscription fut englouti pour prendre à nouveau des brevets pour construire l’appareil qui devait être le couronnement de sa vie. Hélas, il ne voyait plus, les détails lui échappaient ; il ne trouva pas le technicien qui aurait pu remplacer sa vue. Il s’énerva, les idées sombres envahirent à nouveau son cerveau et le calvaire du savant incompris reprit. Il est mort sans avoir pu mettre la main définitive à cette invention à laquelle il donna ses dernières forces. Il est mort de la science, comme il a vécu pour elle. Pierre Fontaine * Auguste Baron, précurseur du film parlant, est mort paru dans Le Figaro du 4 juin 1938 paru dans Le Figaro du 4 juin 1938 Après Emile Cohl, inventeur du dessin animé, après Georges Meliès, fondateur de l’industrie et du spectacle cinématographiques, voici que disparaît Auguste Baron précurseur incontesté du cinéma parlant. C’est à Neuilly, dans une maison de retraite gérée par l’Assistance publique, où sa vaillante compagne, âgée elle-même de soixante-quinze ans, venait le voir chaque jour, que s’est éteint le grand savant. Il s’y trouvait hospitalisé depuis 1935, après avoir été terrassé par une congestion cérébrale qui l’avait rendu aveugle et paralysé. Il avait conservé toute sa lucidité, mais seul son esprit continuait à vivre. Fils d’un professeur de phrenologie, Auguste Baron s’est attaché, il y a plus de quarante ans, peu de temps après l’invention du cinéma, à l’étude d’un appareil dit graphonoscope », qui n’est autre que l’ancêtre du cinéma parlant actuel. Mais le septième art n’est pas le seul domaine qui lui soit redevable de son perfectionnement technique. La marine, l’aviation, l’armée en général, furent dotées par Auguste Baron de maints et précieux appareils photographiques ou autres. Comme tous les savants, il eut à lutter pour mener à bien son œuvre. Comme d’autres, il fut pillé et comme d’autres aussi, il vit ses inventions profiter à ceux qui les industrialisaient, tandis qu’il demeurait l’humble et infatigable chercheur. Auguste Baron meurt à quatre-vingt-deux ans, léguant à sa veuve, dont le dévouement ne s’est jamais relâché, des parchemins qui attestent qu’il fut l’un des piliers du magistral édifice cinématographique, un nom qui restera peut-être ignoré des millions de spectateurs de l’écran, et, dans un écrin, une croix de la Légion d’honneur. Julien-J. London paru dans Le Figaro du 4 juin 1938 Auguste Baron, le 3 avril 1896, inventait le graphonoscope ». LE CINEMA PARLANT paru dans Le Petit Journal du 21 juin 1938 paru dans Le Petit Journal du 21 juin 1938 Dans ce bureau encombré de plans et photos d’appareils radiologiques, l’ingénieur Camille Baron me tend quatre feuillets dactylographiques qui portent comme titre TRAVAUX DE L’INGENIEUR AUGUSTE BARON, CHEVALIER DE LA LEGION D’HONNEUR, CHEVALIER DE L’ORDRE DE LEOPOLD 1er. » Une centaine d’inventions des plus diverses, les unes brevetées, les autres brevetées et exposées au Conservatoire des Arts et Métiers, figurent sur ces quatre petites feuilles de papier léger qui relatent l’aventure, l’effort et la puissance imaginative d’un grand savant qui a sacrifié son bien-être et sa vie à la science. C’est Auguste Baron, l’inventeur du cinéma parlant… — Mon père est mort il y a quelques jours, à l’Institut Galiniani, à Neuilly, une maison de retraite pour vieillards, où l’avaient fait entrer M. Louis Lumière et la Société Amis de la Science. Après soixante années de lutte, il est mort là, 84 ans, aveugle, pauvre, tragiquement blessé par l’incompréhension et la mauvaise volonté des hommes. Chasseur d’Afrique et cinéaste ! — A la fin du siècle dernier, l’idée du cinéma était dans l’air », Mon père, élève aux Arts et Métiers d’Angers, n’ayant pu continuer ses études pour des raisons de famille, s’engage à 19 ans, en 1872, dans les chasseurs d’Afrique, pour cinq ans. Son service terminé, il vient à Paris, s’adonne à la musique et, pour gagner sa vie, devint dessinateur-graveur. C’est l’époque où la photogravure fait son apparition ; il s’en occupe. C’est l’époque où Etienne-Jules Marey, professeur au Collège de France, obtient un grand succès avec son étude sur le Mouvement et ses images mouvantes, obtenues grâce à une boite munie de fentes ». C’est le fusil » photographique avec lequel Marey photographie les bonds des biches. » Mon père connait les travaux de Marey et après une longue conversation avec un ami, Auguste Baron se demande tout à coup Pourquoi ne travaillerais-je pas cette question des images mouvantes ? » » Ainsi, par un enchaînement logique, l’ancien élève des Arts et Métiers d’Angers, l’ancien chasseur d’Afrique se lance à corps perdu dans le cinéma. » Mais il ignore si d’autres se sont attaqués aux mêmes recherches, et, les premiers, les frères Lumière déposent le brevet français du cinéma muet. Déjà, on projette de courtes bandes dans la cave du Grand Café, sur les Boulevards. La lumière et le son » Cependant, Edison vient d’inventer son phonographe à rouleau. Après une nouvelle conversation et discussion avec un ami, Auguste Baron pense aussitôt à la jonction lumière et son. Il commence ses recherches, et bientôt, le 3 avril 1896 exactement, il prend le premier brevet sur le GRAPHONOSCOPE, synchronisme entre le son et le mouvement. » Auguste Baron réalise cette invention à l’aide de la cellule photoélectrique déjà découverte ; » En 1898 enfin, Baron prend le brevet définitif, allemand et américain, qui protège son importante découverte. — Et le cinéma parlant n’est apparu que trente ans après ? — Parce que les brevets allemand et américain couvraient le graphonoscope pendant 20 ans, au bout desquels, d’ailleurs, mon père a fait renouveler les brevets pour dix ans. Mais il était trop pauvre pour les renouveler une seconde fois, et à la date exacte de l’expiration des brevets, le cinéma parlant fait son entrée dans le monde. » » Néanmoins, Auguste Baron, poursuit ses travaux sur le cinéma jusqu’en 1900. Dans les années 1904 -1905, il installe même un cinéma dans une des salles du Petit Journal. En 1905, il équipe encore un camion sonore brevet anglais pour ciné et publicité » à la campagne. La voiture effectue des tournées, puis disparaît… Raison finances ! Elles, toujours elles, qui harcèlent cet homme de laboratoire qu’était Auguste Baron. homme de laboratoire — Quelle fut la réaction de votre père, lors de l’avènement du film parlant ? — Il était à moitié aveugle, les yeux brûlés par les lampes à arc et les lampes radio-electriques. Il avança sa main devant ses yeux mourants comme pour les protéger Ça y est, dit-il, ils ont utilisé mes travaux. » Et il n’en parla plus jamais. — votre père n’était soutenu par personne ? — Au temps de ses recherches, les instituts, les laboratoires officiels étaient encore en majeure partie, à créer, et les chercheurs n’avaient le loisir que de travailler à leurs frais. » Un premier commanditaire, un petit héritage et la dot de ma mère permettent à Auguste Baron d’inventer le graphonoscope. Un deuxième commanditaire subvient aux frais des brevets. C’est tout. “Pour moi, une chose inventée est finie” avait coutume de dire Baron. » Néanmoins, désireux d’assurer l’avenir de sa compagne et de ses deux enfants, le savant se laissait à nouveau entraîner dans des échafaudages commerciaux qui tous, tour à tour, s’écroulèrent. — Le graphonoscope est son invention la plus importante ? Servir le pays — Oui, écoeuré par le cinéma, mon père se tourna vers l’aviation. C’est l’époque des frères Wright. Baron réalise toute une série de perfectionnements et d’inventions dans ce domaine aero-cinema, planeur, appareil indiquant automatiquement le sens de direction de l’avion 1910, etc. » Puis, c’est la guerre. Baron se dévoue corps et âme à la France. » Sexagénaire, il n’hésite pas à grimper dans les avions pour mettre au point sa nouvelle invention, le “multirama”, un appareil photographique, qui, placé à bord d’un avion, prend les reliefs d’un terrain, par une suite de clichés, sans déformation. Puis, le “graphorama”, encore un appareil photographique, mais automatique, qui permettait de photographier des bandes de terrain d’une longueur approchant les 100 kilomètres. Plus besoin de photographe à bord. Le pilote déclenchait l’appareil et se contentait de voler en direction. » A la même époque, Auguste Baron trouve un système permettant de photographier selon un angle de 360 degrés, c’est-à-dire réalisant la prise de vue circulaire. Un tel appareil, placé sur la colonne Vendôme, photographierait toute la place, en une seule opération. » N’ayant pas d’argent, ces inventions n’entrèrent jamais dans le commerce. Après la guerre, Auguste Baron s’adressa aux pouvoirs publics, demandant une aide pour les services rendus. Vous ayez eu l’honneur de servir le pays », lui fut-il répondu. Et Baron avait perfectionné les armes automatiques, trouvé la mitrailleuse à canons multiples, un appareil de visée pour avions, etc., etc. paru dans Le Petit Journal du 21 juin 1938 Mais Auguste Baron a trop lutté. Il a donné trop de ses forces aux autres. En 1922, sa vue commence à décroître. Ses yeux sont brûlés par les lampes violentes du laboratoire. L’inventeur prend peur. Il craint pour son travail, pour sa famille. Il est las. Il a perdu sa belle confiance dans l’humanité. L’année suivante, il est terrassé par une attaque d’apoplexie. Madame Baron, à peine moins âgée que lui, subvient alors aux frais du ménage. L’admirable et dévoué compagne du savant donnera des leçons de piano jusqu’en 1935. C’est elle qui fait vire la famille. Auguste Baron est maintenant à moitié aveugle et ne voit plus que la différence entre le jour et la nuit. Il souffre moralement, atrocement. Plus jamais il ne prononce les mots de “recherche, invention”. Je ne vois plus » En 1929, il entre à la maison de retraite pour services rendus à la science. Enfin, on veut bien le reconnaitre ! L’Inventeur du cinéma parlant est maintenant âgé de 77 ans. Des amis font une campagne de presse en sa faveur, et ce n’est qu’en 1931 que ce grand Français est décoré de la Légion d’honneur et de l’Ordre de Léopold 1er. Bruxelles le fête comme il n’a jamais été fêté en France. Cette distinction éclaire sa vieillesse… Auguste Baron a retrouvé son beau courage. Encore une fois, il se met au travail, reprend une idée qui lui est chère le cinéma en relief, visible à l’œil nu, sans ces accessoires dont on munit les spectateurs du relief, les lunettes. Il raconte ses idées à son fils et à sa fille, Mme Gaudin. Mme Gaudin dessine inlassablement, sous la direction de son père. Mais lui, le grand aveugle, ne peut plus voir les plans qui s’élaborent, ne peut plus rectifier une erreur de tracé. Désespéré, il abandonne. Je ne vois plus », dit-il, pour exprimer sa douleur. Le projet reste à l’état embryonnaire. Quelques mois plus tard, Auguste Baron, l’Inventeur du cinéma parlant, l’homme dont une grande partie des œuvres est exposée au Conservatoire des Arts et Métiers, le constructeur d’une centaine d’appareils inédits, est mort du sacrifice qu’il avait fait à la science, à son idéal. — Mon père est mort comme Forest, me dit l’Ingénieur Camille Baron, son fils. Comme Forest, l’inventeur du moteur à explosion, il est mort dans le plus complet dénouement. » Hugues Nonn Auguste Baron, précurseur du film parlant paru dans Le Figaro du 26 novembre 1937 paru dans Le Figaro du 26 novembre 1937 Brevet 3 avril 1896 Auguste Baron et Bruneau ” Système d’appareil servant, à enregistrer et à reproduire, simultanément les scènes animées et les sons. » Brevet 4 avril 1898 Auguste Baron Système d’appareil perfectionné pour enregistrer et reproduire simultanément les scènes animées et les sons qui les accompagnent. » Brevet 16 novembre 1899 Auguste Baron Système d’appareil pour projections panoramiques circulaires animées en couleurs et parlantes, dit “cinématorama parlant”. Neuilly, boulevard Bineau. La Maison de retraite Galignani, administrée par l’Assistance publique, dernier refuge d’artistes, de poètes, d’inventeurs et d’un grand savant Auguste Baron, le plus méconnu, le plus oublié peut-être de tous les pionniers du cinéma. Complètement aveugle, à demi-sourd, impotent, Baron a 82 ans. Mais est-il aveu plus pénible que celui d’une épouse admirable Mon mari est mort en 1935, d’une congestion cérébrale. » Quoi de plus émouvant, sinon ces yeux qui vivent encore, qui vous fixent irrésistiblement, implacablement, et qui ne voient plus. L’histoire du cinéma devient l’histoire de la détresse humaine. Cohl dans un asile, Méliès à Orly, Méliès, gravement malade depuis quelques jours et contre lequel on veut commettre un geste inqualifiable, en réduisant à cinq cents francs une mensualité avec laquelle trois êtres doivent vivre et se nourrir, tant de misère, tant d’ingratitude ne suffisaient pas, voici maintenant Auguste Baron. Fils d’un professeur de phrénologie au Muséum, dont les disciples furent Chevreul et Charcot, Auguste Baron vit ses études interrompues par la guerre de 1870 et obtint de son père qui lui révéla la photographie l’autorisation de s’engager au premier régiment de chasseurs d’Afrique. Et déjà l’adversité, il ne revient que pour voir mourir son père et trouver les collections, la bibliothèque, les travaux de celui-ci dispersés. L’inventeur se révèle avec les années. Il installe un laboratoire dans son pavillon de Courbevoie, étudie les propriétés, récemment découvertes, du sélénium, met au point le procédé photographique au collodion, est chargé de l’installation électrique au Casino de Paris, des premiers kinetoscopes d’Edison. Alors naît dans son esprit l’idée d’un appareil qu’il baptise graphonoscope, capable de projeter devant toute une salle, sur un écran visible de chacun des spectateurs, des scènes animées accompagnées de sons, paroles, bruits, etc., avec entre eux un synchronisme absolu, de façon à obtenir une représentation fidèle de la vie. Il voit le professeur Marey, de l’Institut, initiateur de la photographie du mouvement, qui ne lui cache pas les difficultés à vaincre. Qu’importe Baron tient le pari. — C’est ainsi, nous dit-il, que j’installai, à Asnières, une usine spécialement équipée où, pendant sept ans, je travaillai à la réussite du problème du synchronisme. Je me procurai, en Angleterre, auprès de la maison Blair, les bandes pelliculaires négatives d’une longueur de 100 ou 200 mètres que la France ne fabriquait pas encore. Entre temps, comme la lumière électrique n’existait pas en banlieue, je perfectionnai, pour mes propres besoins, l’éclairage à l’acétylène. Je prends mon premier brevet en 1896, le perfectionne deux ans plus tard et, après avoir vu échouer les conversations engagées avec Dufayel pour l’exploitation commerciale de mes procédés à la veille de l’Exposition, je présente le résultat de mes efforts devant Marey et de nombreuses personnalités scientifiques. Le programme comprenait plusieurs films Mme Baron commentant le film parlant cent pour cent, Lagrange, des Théâtres Parisiens, dans Le Songe d’Athalie, film parlant 100 pour cent ; Guillier, piston-solo de Lamoureux, dans un air varié, film sonore musical ; Mlle Duval, danseuse étoile de la Gaîté-Lyrique, dans une de ses variations ; Mlle Robin et M. Férouelle, de l’Opéra ; Ouvrard père, enfin, en pantalon rouge. Chaque audition durait dix minutes environ. Lorsque je voulus rendre mon invention exploitable, je me heurtai à des difficultés insurmontables pour l’époque. En effet, mon phono ne pouvait employer que des rouleaux de cire vierge de 30 cm de diamètre et d’une longueur double, dont il était impossible de tirer des duplicata, ce qui forçait à recommencer entièrement film et inscription. Dès lors, je renonçai pour me consacrer à la direction d’une usine de films muets. — Quel était exactement votre procédé ? Il se composait de deux parties bien distinctes un cinématographe enregistreur et reproducteur du mouvement, et un phonographe enregistreur et reproducteur des sons réunis par un moteur à courant continu de mon invention qui les rendait solidaires et synchrones. Il y a de cela près de quarante ans ! Le génie inventif de Baron devait continuer à faire merveille. Tour à tour naissent, en 1910, l’anémo-boussole, appareil de direction à bord des avions, en 1911, le graphorama », pour la photographie automatique aérienne à bande pelliculaire de longueur indéterminée, en 1912, le multirama », qui rendit de précieux services pendant la guerre. En 1917, il invente le revolver de poitrine ». Celui-ci est volé dans des conditions restées jusqu’ici mystérieuses, en dépit des recherches. Qu’il nous suffise de dire que l’on devait en trouver plusieurs modèles sur des cadavres allemands au Chemin des Dames. En 1930, aveugle, se consacrant néanmoins à l’étude du cinéma en relief, Baron entre à la Maison Galignani. Il reçoit, l’année suivante, la croix de la Légion d’honneur. Cette croix fut plus qu’une récompense elle marque la date à laquelle Auguste Baron, précurseur du film parlant, disparut du nombre des vivants. André Robert * Une révolution au cinéma ? L’inventeur du cinéma parlé, M, Auguste Baron, aveugle et âgé de 78 ans, a-t-il trouvé le cinéma en relief ? paru dans l’Intransigeant du 12 octobre 1933 paru dans l’Intransigeant du 12 octobre 1933 Telle est la nouvelle qui va, parait-il, tout comme la venue du cinéma parlant, bouleverser l’industrie cinématographique. Cette recherche, sur laquelle se penchent depuis bien longtemps des savants sans y trouver de solution pratique, est désormais brevetée au nom du vieil inventeur, aveugle et âgé de 78 ans. Tout comme le cinéma muet de Lumière, tout comme le cinéma parlant de Baron, c’est une nouvelle invention française qui pourrait donner un autre aspect à l’industrie du film ; on en verra une réalisation prochaine. Cette trouvaille, qui couronnera, la carrière du vieil inventeur, est presque une réalisation dramatique. Songez un peu ; un inventeur aveugle a pu réaliser, malgré sa terrible infirmité, un chef d’œuvre de précision… justement relatif à la vue ! Auguste Baron, inconnu du public, fut révélé pour la première fois par l’Intransigeant il n’est pas inutile d’en rappeler les circonstances pour comprendre comment l’invention du film en relief fut réalisée. Au hasard d’une enquête, j’appris l’existence de l’inventeur, ruiné par ses inventions, âgé, recueilli par la maison Galignani pour savants pauvres à Neuilly. Il me fit voir ses brevets, son fameux parchemin américain datant de 1896 ; il n’y avait pas de doute, j’étais, en face du précurseur du cinéma parlant. Ce n’était pas un inventeur » comme il en existe beaucoup ; plus de 40 brevets à son actif dans tous les domaines scientifiques et industriels dont la photographie automatique panoramique, terrestre et aérienne et la cinématographie parlante et sonore n’avaient pas enrichi leur père », un inventeur n’étant pas nécessairement, un commerçant. L’article de l’Intransigeant vint comme une bombe. Les reporters et les photographes de tous pays accoururent à Neuilly ; une tardive Légion d’Honneur lui fut remise par Jean José Frappa. Auguste Baron, fêté, invité, conduit son admirable épouse à cheveux blancs, reprit goût au cinéma pour -lequel il s’était ruiné sans aucun profit. En décembre dernier, invité à Bruxelles par le Comité de la Presse cinématographique belge, beaucoup de gens vinrent l’entretenir des choses de la cinématographie. L’un d’entre eux lui expliqua que l’on pourrait photographier en relief grâce à l’emploi de deux clichés pris à une certaine distance, loin de l’autre ; chaque spectateur devait, pour obtenir le relief, regarder l’écran avec des lunettes à verres colorés. C’était peut-être le dixième inventeur qui venait l’entretenir d’un appareil basé sur la théorie du stéréoscope. Devant ce dispositif peu pratique et non commercial, donc non viable, Auguste Baron songea au relief en partant, d’une base différent. Certes, il n’était pas le premier qui s’attaquait au problème ; jusqu’à ce jour, le principe admis était le double cliché pris sous des angles différents et l’utilisation par les spectateurs de lunettes, Le dispositif trouvé par l’inventeur est loin de toutes ces théories et s’appelle helio-glyptographe » ou plus simplement Glyptographe » ; Il n’emploie qu’un seul cliché et réussit à obtenir, pour la projection cinématographique ou pour la photographie ordinaire, des épreuves donnant d’une façon scientifique la sensation du relief des personnes et des objets, sans exagération suivant la stricte réalité, par un procédé inconnu à ce jour. Ce dispositif, breveté depuis peu de temps — 7 septembre 1933 — aurait un autre avantage ; en plus du relief donné par lui, il ne nécessiterait que relativement peu de changement aux appareils de prise de vues cinématographiques de n’importe quel constructeur et aucune modification aux machines à tirer, à développer, à la prise de son, etc. Cette invention renouvellera l’art photographique et enlèvera aux photographies actuelles l’aspect de planitude qu’elles avaient jusqu’à présent. Le côté dramatique de l’invention réside en la cécité de l’inventeur. Lorsque l’idée germa en son cerveau, il se souvint du résultat photographique obtenu par son appareil Graphorama” breveté en 1912, et dans lequel il se servait d’un dispositif alors non employé. Son cerveau construisit la machine ; pour la réaliser, sa fille, ancienne élève des Arts Décoratifs mais n’ayant jamais fait de dessin industriel, lui vint en aide. Travail de patience, mais grâce à une vive compréhension de “l’aide » et de Mme Baron qui rédigea le mémoire en six semaines, tout était au point et breveté. Les ingénieurs consultés furent émerveillés de cette conception de machine nouvelle et pratique. Le cinéma et la photographie “plats » auraient vécu grâce au génie d’un Français qui, après le cinéma parlant, donnait le jour, en France, à la solution d’un problème depuis longtemps cherché. Sans en montrer aucune vanité, on peut dire qu l’Intransigeant, en tirant de l’oubli l’inventeur, a sa petite part dans le retour à l’activité cinématographique d’Auguste Baron, chercheur infatigable, auteur de nombreuses inventions dont plusieurs sont exposées aux Arts et Métiers, aveugle et âgé de 78 ans. Pierre Fontaine * paru dans Le Petit Journal du 15 octobre 1933 Source / Bibliothèque nationale de France Sauf Pour Vous Bibliothèque numérique de la Cinémathèque de Toulouse Pour en savoir plus Sur le blog Plateau hassard, la page concernant Gaumont, le cinéma parlant et Auguste Baron. Sur le site de la revue 1895 “Le centenaire d’une rencontre Auguste Baron et la synchronisation du son et de l’image animée“} 162Likes, 8 Comments - malo (@malaurymlg) on Instagram: “C'était écrit ️ Tu vas être le père de mon fils et j'en suis tellement fière. Je t'aime du plus” Dans ta peau Sybille a perdu son amour et le leader de son groupe de musique. Perdu au sens littéral il s’est évaporé sans laisser de trace, comme le chanteur Alain Kan en 1990. Face à cette disparition, Sybille loue un appartement pour s’y enfermer. Ce lieu va agir comme un révélateur depuis qu’elle est enfant, elle entend une voix au fond d’elle qu’elle a toujours cherché à faire taire. Cette voix va prendre les commandes de sa vie. Conte fantastique écrit avec l’auteur-compositeur Romain Tiriakian, Dans ta peau aborde la longue quête pour trouver sa voix/e. Celle au fond de sa gorge et celle dans laquelle on s’embarque. Cette pièce charrie aussi l’histoire des créatrices qui se sont fait passer pour un autre quand il était impossible de signer de leur nom. C’est l’histoire d’un travestissement, des masques que l’on doit mettre pour se révéler. NOTE D’INTENTION À l’heure où les artistes sont encouragés à nous ouvrir une fenêtre sur leur intimité, souvent factice et bâtie de toutes pièces par des agences de com, on peut questionner le pouvoir d’attraction de l’anonymat, du sans visage qui finalement en devient mille. Comme dans Dorian Gray, le roman fantastique d’Oscar Wilde, il y a dans cette histoire un prix à payer pour entrer dans la lumière. Sybille fait une sorte de pacte, une nuit. Elle laisse la place à son autre elle » sans savoir si elle pourra le contrôler. Et immanquablement elle se laissera dépasser et devra ôter son masque pour ne pas être aspirée. » – Julie Ménard EXTRAIT Aveugle, j’ écoute pour la première fois ma respiration Et suis frappée par une conviction Implacable Quelque chose doit se passer Ou cesser Et tout m’ apparaît clair soudain dans le noir Mille possibilités en un instant Et pourtant je n’en vois que deux En finir pour de bon Ou continuer Mais sans moi M’en sortir de moi Changer d’enveloppe Avec le soutien de la Région Île-de-France pour l’ÉPAT. Durée estimée 1h30 Grande Salle Carte TO Plein tarif 6€ Entrée libre Tarif réduit 4€ Entrée libre Universités, lycées, collègesgratuité pour les accompagnateurs 4€ Associations, groupesà partir de 6 personnes 4€ Comité d'entreprise, adhérents Ticket-Théâtres 4€ Ahouvi Vendredi 16 décembre à 19h30 À la suite d’une relation intense, à la fois paradis sensuel et tombeau ténébreux, IL est à bout, il ne peut plus, il coule, il cherche une nouvelle forme de vie en quête de liberté. ELLE nous raconte leur histoire, depuis le premier jour, comme si le pouvoir de celle-ci lui permettait de la garder à l’abri d’une nouvelle tant redoutée. Au centre de leur vie conjugale, il y a le fruit de la récolte – le chien, le déni. C’est par cette présence animale que la tragédie nous engloutit, que l’histoire se fond. Ahouvi, en hébreu, veut dire mon amour ». Ahouvi est une histoire d’amour entre un Français et une Iraélienne, la séparation d’un couple face à la violence et la destruction, mais aussi face à la beauté d’un champ de bataille. Ce texte est un hommage, un hymne à la vie et un oratorio de la douleur. NOTE D’INTENTION À l’âge de 18 ans, 4 mois avant de commencer mon service militaire comme soldat israélien à Gaza, j’ai créé ma première pièce, Sous le ciel bleu et des nuages blancs. 24 mois plus tard, j’ai déserté le service militaire, et entaché à jamais ma citoyenneté israélienne. C’était le début d’une recherche, d’un voyage, d’un questionnement autour de mon rôle comme occupant, comme un juif israélien conscient de sa responsabilité. Je ne suis pas là-bas. Mais l’espace est toujours vivant dans mon corps. J’habite en France depuis presque 9 ans quand je commence à écrire Ahouvi au début de l’été 2021. J’ai en tête mon projet d’écriture Adesh, nouveau volet du travail artistique que je mène autour de mon identité israélienne et de la relation avec mon pays. Dans cet opus j’aborde le conflit israéloarabe vu depuis là-haut, vu par les oiseaux de la Cisjordanie où j’ai séjourné pendant 2 mois en résidence de recherche. Mais pendant ce travail d’écriture, pendant ce dialogue intime et intérieur, alimenté par l’inquiétude que je ressens face à la montée du nationalisme en France, les choses ont radicalement changé pour moi en tant qu’auteur je veux rester en France, je veux parler d’amour, de l’amour que j’ai pour la France et de l’inquiétude que je ressens pour l’avenir de ce pays. C’est ici que je me sens plus libre, plus fragile, plus vivant. Ce pays est mon refuge mais j’ai peur de ne plus pouvoir rester ici. Je ne vois plus la France avec les mêmes yeux, avec le même regard, que quand je suis arrivé. Je ne sais pas où elle est. Je la cherche. J’ai besoin de parler d’amour parce que je suis encore ici. J’ai besoin de parler d’amour pour me préparer au moment où l’on se séparera, au moment où rien ne sera plus pareil. C’est le temps du mythe qui rejoint la réalité. Cet été j’ai décidé de m’écouter, j’ai écrit et terminé le texte de Ahouvi d’un seul geste, même si, au début, ce changement de projet m’a perturbé. Il est sorti de mon corps, en urgence, comme si je l’avais vomi ». C’était douloureux et merveilleux en même temps. Je l’ai terminé fin août 2021, ce n’est plus Adesh, mais Ahouvi. Le titre a changé et l’histoire a pris sa liberté. Bien évidemment, la toile de fond est toujours la relation avec mon pays, Israël. Mais cette fois-ci je veux en parler comme une relation plus intime, amoureuse, sentimentale. Et j’ai décidé de reporter à plus tard la création de Adesh. Je suis un voleur, je vole la vie, la mienne et celle des autres et je les mélange avec la fiction. La fiction c’est ma libération. En utilisant le trouble, l’humour et l’autodérision, mon nouveau récit prend la forme féroce d’une histoire d’amour et relate la rupture d’un couple, France-Israël en quelque sorte. Une histoire d’amour que j’ai vécu avec la France et en France depuis mon arrivée, depuis neuf ans. Une histoire qui raconte, de façon clandestine, ce que c’est que d’être étranger dans un pays, et les répercussions que cela peut avoir dans les relations ambiguës et irrégulières avec son pays natal. Il s’agit d’affronter la violence quotidienne, cachée et discrète, jusqu’au moment où l’on devient notre propre ennemi. Il s’agit de vivre l’échec de cette histoire d’amour, d’un point de vue personnel et politique vivre l’écrasement de l’utopie et le désintéressement puis l’abandon de la France depuis le processus de paix d’Oslo commencé en 1993. Sur le plan diplomatique, le gouvernement français était partagé entre une amitié bienveillante et une franche hostilité. Les relations franco-israéliennes ont toujours été marquées par l’opposition entre le besoin pour la France d’avoir de bons contacts avec un partenaire important au Moyen-Orient et celui de maintenir des relations correctes, voire même privilégiées, avec le monde arabe. Cette théorie permet de démêler les apparentes contradictions de la politique française à l’égard d’Israël. C’est la contradiction intérieure et la complexité dans la vie de ce couple qui m’intéresse. Je ne suis pas là-bas. Mais l’espace est toujours vivant dans mon corps. Ahouvi devient donc le troisième volet de la Quadrilogie de ma Terre. C’est le volet de l’amour, Ahouvi est une histoire d’amour. Le premier volet TBM – Tunnel Boring Machine traitait le conflit israélo-palestinien sous l’angle politique, le deuxième The Jewish Hour l’abordait sous l’angle de la réligion. Enfin, le quatrième, Adesh, nous parlera de l’aspect économique de ce conflit et clôturera la quadrilogie depuis là-haut, depuis le ciel de la Cisjordanie. Ce sont quatre objets, quatre éléments utilisant le trouble, l’humour et l’autodérision, mon nouveau récit prend la forme féroce de la rupture d’un couple. Une histoire d’amour que j’ai vécu avec la France et en France depuis mon arrivée, depuis neuf ans. Une histoire qui raconte, de façon clandestine, ce que c’est que d’être étranger dans un pays, et les répercussions que cela peut avoir dans les relations ambiguës et irrégulières avec son pays natal. Il s’agit d’affronter la violence quotidienne, cachée et discrète dans le couple, jusqu’au moment où l’on devient notre propre ennemi. » – Yuval Rozman EXTRAIT Mais c’est ça l’amour tu comprends pas ?! Ça devient pas mieux, ça c’est l’amour, je te dis, on pète ensemble sous la couette, on fait l’amour follement, je te prépare ton boudin blanc et tu appelles ma mère quand j’en peux plus, ça c’est l’amour. » ©DR Avec le soutien de la Région Île-de-France pour l’ÉPAT. Carte TO Plein tarif € Entrée libre Tarif réduit € Entrée libre Universités, lycées, collègesgratuité pour les accompagnateurs € Associations, groupesà partir de 6 personnes € Comité d'entreprise, adhérents Ticket-Théâtres € TRIGGER WARNING lingua ignota Jeudi 24 et vendredi 25 novembre à 20h 3h58. Une chambre mansardée. Murs en briques grises. Une fenêtre. Zed s’affale dans son lit, plaque son visage dans un coussin, puis relève la tête. Des écouteurs à ses oreilles, des cheveux en pétard, roses, verts ou bleus, du fard à paupières rose, vert ou bleu, un gros trait d’eyeliner, de longs faux-ongles noirs. Zed scrolle sur son smartphone. Le trigger warning, pratique répandue dans les réseaux sociaux et les médias féministes, consiste en un avertissement écrit prévenant qu’un contenu œuvre, article, post, vidéo peut contenir des éléments susceptibles de déclencher ou réactiver un traumatisme psychologique à une personne. NOTE D’INTENTION Une partition sensorielle, plastique, qui suit la mécanique des réseaux sociaux en faisant descendre sur la page et prononcer à l’oral chacun des éléments apparaissant sur l’écran allumé, comme autant de fictions contenues entre les mains de Zed. Une partition qui utilise aussi, au sein du texte, de la musique contemporaine préexistante pour saisir un endroit de l’espace mental du personnage. Une partition pour différentes voix mais un seul corps et un seul objet, un seul corps qui se confond dans l’objet, qui tombe lorsque l’objet tombe, rayonne lorsqu’il s’éclaire. Car sous la matière épaisse du bloc qui forme la langue, il y a le personnage de Zed, et la fiction dont elle est le cœur, et qui se joue entièrement dans ses doigts, dans les gestes de swipe, clique et verrouillage. Ce n’est pas simplement une expérimentation formelle, mais aussi le déploiement d’un personnage et de son corps, son récit – une tentative de travailler à la fois l’expérience poétique d’un côté, mais aussi l’incarnation, la pure fiction situationnelle, en temps réel, de 3h58 à 5h03 du matin. La fable qui apparaît très progressivement, en soubassement, est celle d’une cavale tragique sur un smartphone, au cœur de la nuit. L’histoire d’une tentative de fuite fuite d’une image qui court les réseaux, d’un raid de harcèlement qui rôde, sous-jacent, dans les mains de Zed, fuite d’une relation toxique, d’une amitié consolatrice. Une fuite de soi, aussi, de ses assignations identitaires. Un élan pour s’éloigner du spectacle de la destruction de sa propre image, puis de son être, dans l’assaillement et le sacrifice. TRIGGER WARNING, c’est l’histoire d’un corps traqué qui scrolle pour passer à l’image suivante, espérant, par ce geste répété, passer à autre chose. » – Marcos Caramés-Blanco EXTRAIT En haut de l’écran, la croix est à droite pour fermer l’appareil photo, un écrou sur la gauche pour les réglages, l’éclair du flash est au centre, barré, un ensemble de pictogrammes orne le côté gauche, et sur tout le reste de l’image, le visage, qui comble l’espace du plan, desserré, laissant désormais apparaître le cou et les épaules, au-dessus du rond central blanc cerclé de blanc clic long rond central le rond central s’emplit progressivement de rouge. Long silence. Wesh c’est Zed. Zed soupire. J’arrive pas à dormir. Silence. Vous aussi quand vous arrivez pas à dormir vous savez plus qui vous êtes ? Silence. Je sais pas. Zed marche dans la chambre. Découvrez la playlist du spectacle accessible ici Durée 1h20 Grande Salle Carte TO Plein tarif 6€ Entrée libre Tarif réduit 4€ Entrée libre Universités, lycées, collègesgratuité pour les accompagnateurs 4€ Associations, groupesà partir de 6 personnes 4€ Comité d'entreprise, adhérents Ticket-Théâtres 4€ Les Enchantements Au cours de trois journées de canicule où le temps s’étire, six personnages, trois hommes et trois femmes, décident progressivement de ne plus subir la chaleur et de prendre les choses en main pour améliorer leur quotidien, et si possible en parallèle, faire de l’argent. Explorant une langue qui prend sa source dans le béton et les barres d’immeuble, Les Enchantements raconte l’histoire d’une jeunesse qui se réinvente face à l’adversité. Elle parle de rires, d’embrouilles, mais surtout de débrouillardise, de solidarité et de la force surpuissante du collectif. EXTRAITS MAÏ – Ouais mais attends sur l’eau y a des moustiques de ouf SO – Les moustiques c’est les eaux stagnantes frère tu racontes quoi MAÏ – Forcément y a des flaques CHA – En vrai j’ai un truc bizarre avec les moustiques moi SO – Elle veut quoi elle encore CHA – Bah chkiffe les piqures de moustique chais pas MAÏ – Attends t’es en train dme dire tu kiffes qu’on tpompe le sang SO – Mais t’es tarée ma parole MAÏ – La go kiffe s’gratter toute la night MO – Ah ouais j’voulais savoir c’est vous qui avez défoncé la balançoire l’aut’fois nan ? LU – La rouge là ah ouais ouais mais attends chte raconte c’est quand on était avec les autres là ils cherchaient les histoires de ouf moi tu m’connais j’veux pas d’problèmes mais jamais il s’approche ça y est c’est bon il fait quoi alors c’est pas j’marche vers lui genre j’vais t’enculer MO – C’est pas ça qu’chte d’mande l’histoire j’la connais juste va réparer LU – Chuis quoi moi réparateur de balançoires MO – Tu casses tu répares LU – Mais t’as fumé toi j’ai autre chose à foutre MO – Tu casses tu répares Avec le soutien de la Région Île-de-France pour l’ÉPAT. © tennysan_ Durée estimée 1h30 Petite Salle Carte TO Plein tarif 6€ Entrée libre Tarif réduit 4€ Entrée libre Universités, lycées, collègesgratuité pour les accompagnateurs 4€ Associations, groupesà partir de 6 personnes 4€ Comité d'entreprise, adhérents Ticket-Théâtres 4€ Grand-duc Parlons d’amour. Parlons par la même occasion de la mort, deux thèmes intimement liés. En l’occurrence, c’est à travers la mort que l’on parlera d’amour. Un homme est retrouvé mort dans sa baignoire. Ce mort parle mais est-il entendu ? à l’inspecteur chargé d’enquêter. Une enquête donc, et des entretiens avec cellesceux qui l’ont connu. Entretiens sur les rapports qu’ilelles avaient et sur l’amour qu’ilelles se donnaient. Et à travers ces entretiens, deviner le manque d’amour, le besoin de connexion, le besoin de sens ou de transcendance, deviner la solitude. À travers ces entretiens, chercher une vérité, s’il y en a une. NOTE D’INTENTION Alexandre Horréard, sur son processus d’écriture Pour parler des rapports entre les gens, l’idée s’est imposée qu’il fallait jouer avec la narration. J’ai donc voulu un récit porté par un acteur seul, qui parle d’un endroit insolite, la mort, et qui navigue entre les regards croisés des personnages. Paroles rapportées, paroles rapportées à l’intérieur de paroles rapportées, paroles récitatives, paroles injonctives, paroles performatives. Qui navigue également entre les tons, entre le désespéré et l’ironique, entre l’intime et le lyrique, entre la fraternité et la méchanceté. J’ai voulu suivre l’inspecteur pas à pas, de près, précisément, dans les gestes anodins et les pensées intimes et les attitudes banales. Jouer avec cette précision, jouer avec cette banalité, puis tomber peu à peu dans les abîmes de l’angoisse. » – Alexandre Horréard Laurent Charpentier, sur sa rencontre avec Alexandre Horréard En 2016, je rencontre Alexandre Horréard dans un cours de théâtre où il est mon élève. Nous nous lions d’amitié, lors de conversations souvent littéraires Thomas Mann, Peter Handke, Georges Pérec. Je le découvre très attiré par le théâtrerécit » et des formes théâtrales narratives innovantes auxquelles je travaille. Je lui conseille Crimp, Viripaev, Minyana. Quelques années plus tard, je découvre la première pièce qu’il a écrite Une grande étendue d’eau et j’y distingue une audace formelle, une maîtrise de la langue et un sens de la capture des détails, des symptômes de l’existence. Plus tard encore, c’est le confinement, je lui suggère en passant d’écrire une pièce que j’interprèterais. J’évoque mon goût pour Simenon ou Manchette, la littérature noire… Fin du confinement. Alexandre passe me voir avec en main le texte Grand-duc, qui met en scène un inspecteur de police sur une scène de crime. […] Mettre en scène ce texte écrit sur-mesure » m’a paru évident dès la lecture, tant il répond à mes recherches d’acteur et à mes préoccupations théâtrales depuis plusieurs années l’exploration du spectre entre l’incarnation et la narration, le dialogue de ces registres et, dans la variation des jeux, des rythmes et des corps du récit, la création d’une théâtralité qui laisse du champ au regard du spectateur et à son imaginaire. » – Laurent Charpentier Grand-duc a fait l’objet en juin 2021, d’une résidence au Studio des auteurs, grâce au soutien de Théâtre Ouvert – Centre National des Dramaturgies Contemporaines et de la SACD. Texte Alexandre Horréard Mise en scène et interprétation Laurent Charpentier, assisté de Jérémy Flaum Dispositif scénographique Gaspard Pinta Conception lumières Laïs Foulc Conception sonore en cours Conseil chorégraphique Alexandre Nadra Production En Votre Compagnie / Olivier Talpaert Carte TO Plein tarif 20€ 10€ Tarif réduit 14€ 8€ Universités, lycées, collègesgratuité pour les accompagnateurs 8€ Associations, groupesà partir de 6 personnes 8€ Comité d'entreprise, adhérents Ticket-Théâtres 12€ L’Âge de détruire Vendredi 18 et samedi 19 novembre à 20h Au début des années 1990, Elsa et sa mère emménage dans un nouvel appartement. Pour Elsa, sept ans, c’est la découverte d’un autre décor d’enfance. Pour la mère, jusqu’alors locataire, c’est un changement de statut social auquel elle ne parvient pas à s’adapter. Entre les murs de l’appartement, c’est la violence silencieuse, l’emprise, puis l’abus qui se déchaînent. Vingt ans plus tard, quand sonne l’heure de quitter les lieux, vient aussi le moment de régler ses comptes. Depuis sept ans, Justine Berthillot et Pauline Peyrade explorent les territoires de rencontre entre le mouvement et l’écriture littéraire. L’Âge de détruire se construit en deux parties. La première âge un est une performance acrobatique, le portrait en mouvement d’une femme qui ne parvient pas à occuper son lieu de vie. À Théâtre Ouvert, Justine et Pauline proposent une lecture de la deuxième partie âge deux, le récit d’une jeune femme confrontée à la vente de l’appartement dans lequel elle a grandi. EXTRAIT Nous avons des mains identiques. Seule l’épreuve du temps permet de les distinguer. Elles prennent chacune leur caractère, se blessent à différents endroits. Nos articulations sont marquées, l’index et l’annulaire courbés vers l’intérieur, ils semblent vouloir se rejoindre. Sa paume est charnue, la mienne creusée, ses doigts sont plus épais, plus solides que les miens, frêles encore et espacés, trop fins pour se toucher quand je les rassemble. Elle ne quitte plus les bagues qui lui viennent de ma grand-mère, elles ont pris chair dans sa chair, comme si les pierres précieuses avaient poussé sur ses phalanges, le métal coulé de sa peau. Elles seront à toi, un jour. Je ne la crois pas quand elle dit ça. Il faudrait les scier, désincruster le métal d’elle. Ce serait un carnage. L’Âge de détruire est une adaptation du premier roman de Pauline Peyrade, à paraître aux Éditions de Minuit. Avec le soutien de la Région Île-de-France pour l’ÉPAT. Durée estimée 50 minutes Petite Salle Carte TO Plein tarif 6€ Entrée libre Tarif réduit 4€ Entrée libre Universités, lycées, collègesgratuité pour les accompagnateurs 4€ Associations, groupesà partir de 6 personnes 4€ Comité d'entreprise, adhérents Ticket-Théâtres 4€ Zoé et maintenant les vivants Lundi 14 et mardi 15 novembre à 20h titre provisoire L’écriture de Théo Askolovitch évolue entre humour et tragique. Il décrit la vie telle qu’il la connaît, avec un sourire. Après 66 jours, monologue sur le combat d’un jeune homme face au cancer créé à Théâtre Ouvert, Théo Askolovitch poursuit son travail sur le thème de la réparation. Zoé et maintenant les vivants aborde le sujet du deuil, de la relation que l’on entretient avec les mortes, et avec cellesceux qui restent. Dix ans après la perte d’un être cher, le père, la fille et le fils nous racontent avec délicatesse les étapes de leur reconstruction. Ilelles se rappellent l’annonce, l’enterrement, les rites religieux, puis la vie d’après et dressent le portrait intime d’une famille qui résonne en chacune de nous. EXTRAIT Au loin la voiture se gare et en sortent les personnes en charge de transporter le cercueil. Nola – Papa je crois qu’il y a un problème. Lucien – Quoi ? Nola – Regarde la tombe, c’est normal qu’il y ait une énorme croix dessus ? Temps, les trois se regardent. Lucien – Putain ils se sont trompés ces cons. Sacha – Mais attends on fait comment là, parce que si mamie elle voit ça elle va mourir elle aussi ! Nola – Faut la faire enlever. Sacha – Ouais mais on va pas ramener un pied de biche au milieu de toutes ces familles en deuil quand même ! Lucien – Si on met un grand drap sur le cercueil peut-être que la famille de maman le verra pas. Sacha – T’es sérieux là papa ? Lucien – Mais non… un peu. Nola – Ah mais regardez, il y a une famille qui va vers le cercueil. Sacha – Oh putain c’est pas le nôtre. NOTE D’INTENTION Zoé et maintenant les vivants – titre provisoire, est mon deuxième projet d’écriture. Après 66 jours – monologue et seul en scène sur le combat d’un jeune homme face au cancer – c’était logique de continuer à écrire sur le thème de la réparation, c’était une évidence. Cette fois-ci, j’ai voulu parler du deuil. De la résurrection. J’ai décidé d’axer l’écriture sur trois personnages le père, la fille et le fils. Dix ans après la perte d’un proche, une famille nous raconte les étapes de leur reconstruction. Ils retracent leur passé et racontent leur présent. Ils se rappellent l’annonce, l’enterrement, les rites religieux, puis la vie d’après. Ils se rappellent avec bonheur les souvenirs de celle qui leur a été enlevée. Ils racontent. À quel point passer de l’enfance à l’âge adulte peut-être brutal ? Les trois personnages sont liés par leur histoire, mais chacun se répare différemment avec ses souvenirs. Le deuil est une période de cicatrisation, de guérison, d’un retour à la vie. J’ai voulu travailler autour du prisme de chaque personnage, comment une même situation peut être vécue de différentes manières, comment la réalité de chacun peut être dissemblable ? Ce récit est un puzzle. Dans cette pièce, il n’y aura pas de chronologie entre les scènes. Ce seront des moments de vie, qui bout à bout formeront une histoire. Le texte alternera des monologues intimes de chaque personnage, des scènes de vie entre les trois protagonistes, qui confrontent des idées et des scènes de flashbacks qui retracent des moments de leur passé. J’ai pour habitude d’alterner dans l’écriture l’humour et le tragique ». Raconter la vie comme je la connais, avec un sourire. C’est comme cela, je pense, que ces histoires peuvent résonner en chacun. Depuis quelques années, je crois qu’inconsciemment je me dirige vers des projets qui parlent de la famille. La famille. C’est peut-être ce qu’il y a de plus important pour moi. Ce texte est une suite logique. J’ai poussé le curseur un peu plus loin. Zoé et maintenant les vivants – titre provisoire est mon deuxième texte mais aussi ma quatrième mise en scène. Après Deux Frères, La Maladie de la famille M textes de Fausto Paravidino et 66 jours., je souhaite aussi me recentrer sur la mise en scène, proposer une scénographie plus léchée après le plateau nu de 66 jours, tout en gardant le texte et les acteurs au centre. Ce texte parlera de la relation qu’on entretient avec nos morts, et avec ceux qui restent. » – Théo Askolovitch Avec le soutien de la Région Île-de-France pour l’ÉPAT. Texte et mise en espace Théo Askolovitch Avec Marilou Aussilloux, Stéphane Crépon, Olivier Sitruk À partir de 12 ans Durée 1h20 Grande Salle Carte TO Plein tarif 6€ Entrée libre Tarif réduit 4€ Entrée libre Universités, lycées, collègesgratuité pour les accompagnateurs 4€ Associations, groupesà partir de 6 personnes 4€ Comité d'entreprise, adhérents Ticket-Théâtres 4€ Surface de réparation 🖤 Samedi 27 à 19h et dimanche 28 août à 17h Surface de réparation 🖤 CHANTIER DES AUTEURRICES DU 20 AU 28 AOÛT Avec Antoine Aresu, Timothée Israël, Tatiana Gusmerini, Sarah Hassenforder, Mahaut Leconte, Azilys Tanneau Surface de réparation 🖤 propose un espace de recherche sur l’art du montage, une technique d’écriture à l’œuvre dans la pratique d’autrice/performeuse de théâtre de Sonia Chiambretto. Pendant huit jours à Théâtre Ouvert, de jeunes auteurrices ont partagé leur expérience de l’écriture et se sont confrontées à la dramaturgie des unes et des autres. À partir de textes en cours qu’ilelles ont apporté pour ce chantier collectif, ilelles ont élaboré ensemble un récit commun, grâce au montage poétique de la forme. Suvi de Lettre à une jeune poétesse LECTURE PERFORMANCE de et par Sonia Chiambretto L’autrice présente une lecture performance de sa lettre issue du recueil Lettres aux jeunes poétesses, paru aux Éditions de l’Arche en 2021. Le texte est paru aux Éditions de l’Arche, dans la collection Des écrits pour la parole ». Sonia Chiambretto est représentée par L’Arche, agence théâtrale. _____________ ENTRÉE LIBRE SUR RÉSERVATION Billetterie en ligne 01 42 55 74 40 resa Durée estimée 1h Grande Salle Carte TO Plein tarif € Entrée libre Tarif réduit € Entrée libre Universités, lycées, collègesgratuité pour les accompagnateurs € Associations, groupesà partir de 6 personnes € Comité d'entreprise, adhérents Ticket-Théâtres € JUILLET 1961 Été 1961. Chloé et Clarisse vivent dans le même quartier à la porte du centre-ville. Chloé se prostitue pour boucler ses fins de mois et ce jour-là, son client s’avère être un inspecteur de police à la recherche de son père. Clarisse, elle, rythme sa journée en naviguant entre son emploi du matin et celui du soir. Pendant ce temps, leurs filles Mary et Dani, explorent la ville jusqu’à assister à d’inévitables violences, des soulèvements qui remontent jusqu’à leur quartier dans un implacable tempo. NOTE D’INTENTION En 2017, je tombe sur un cliché pris par le photographe américain Garry Winogrand. Hantée par cette image, je plonge dans sa série de photographies prises durant les années 60. Un texte gonflait dans mon ventre nourrit par l’énergie, le mouvement, l’improvisation imposée par ces photos. C’est JUILLET 1961. Mais pourquoi 1961? Pourquoi pas 1963, 1964, 1968 ? Ces années frappantes, saillantes, socialement aux Etats-Unis. Je choisis 1961 parce que c’est une année qui semble plane, une année moins visibilisée. Le but est que l’époque ne prenne pas le dessus sur le texte, mais qu’on reste en conscience du contexte de la Grande Histoire dans le lieu que j’ai choisi Chicago. Cette ville est un personnage de JUILLET 1961. Elle cristallise les tensions sociales et ethniques, puisque c’est de cela qu’il s’agit, de même que les ambitions de consommation, de liberté, de rencontres par le jazz. À travers le regard de deux femmes, je veux interroger les mécanismes de l’immobilisme et du changement. Elles vivent sur le même territoire mais dans deux réalités parallèles. Écrasée par leurs besoins de travailler, elles déambulent dans la ville jusqu’à en devenir l’objet. Leurs enfants les confrontent à la réalité de leur condition sociale. Une génération qui dit non à la violence, et qui pour ce faire l’embrasse peut-être, cette violence. Jusqu’où serait-on prêt à aller pour s’émanciper de sa condition sociale ? De sa dite “assignation”? Le jazz sera au cœur du projet grâce à mes partenaires le pianiste Roberto Negro et le batteur Sylvain Darrifourcq. Sur le plateau, Ecriture et Musique ne feront plus qu’un. L’axe musical sera travaillé à partir du texte sans en appuyer la narration. Modeler ensemble la prose et le son pour aboutir à une forme adaptable des grands théâtres au petit club, où l’on ne saurait plus dire si on assiste à un concert ou à une pièce de théâtre. En 2021, soixante ans se seront écoulés depuis 1961, une nouvelle génération se confronte à l’héritage historique de leurs parents. Ce spectacle pourrait être accompagné de témoignages, conférences et expositions. » – Françoise Dô Création le 10 janvier 2022 au Théâtre de Vanves AVEC LE SOUTIEN de la Direction des Affaires Culturelles de la Martinique, du ministère des Outre-mer, des Fonds d’aide aux échanges artistiques et culturels pour les Outre-mer FEAC, de La Comédie de Saint-Étienne – CDN, du Théâtre de Vanves – scène conventionnée d’intérêt national Art et création pour la danse et les écritures contemporaines à travers les arts, de Théâtre Ouvert – Centre National des Dramaturgies Contemporaines, du Printemps des comédiennes dans le cadre du Warm up, de la Cité internationale des arts de Paris, de Tropiques Atrium – Scène Nationale de Martinique, de la Chartreuse de Villeneuve-lez-Avignon – Centre national des écritures du spectacle, de ETC_Caraïbes, des Francophonies – Des écritures à la scène, de L’Odyssée – L’autre rive – ville d’Eybens, de la fondation FACE, et des services culturels de l’ambassade de France à New-York pour la traduction en anglais par Nathanaël. Remerciements à Adrien Chiquet, Alfred Alexandre et son équipe d’ETC_Caraïbe. Durée 1h10 Grande Salle Carte TO Plein tarif 20€ 10€ Tarif réduit 14€ 8€ Universités, lycées, collègesgratuité pour les accompagnateurs 8€ Associations, groupesà partir de 6 personnes 8€ Comité d'entreprise, adhérents Ticket-Théâtres 12€ Salle des fêtes Pour épargner à son frère Samuel une énième hospitalisation psychiatrique, Marion décide avec sa compagne Lyn de l’associer à leur nouveau projet de vie racheter le site d’une ancienne usine dans un petit village à la campagne pour le rénover et l’habiter. En s’installant, le trio devient également propriétaire des trois écluses rattachées au domaine. Mais leur rêve de décroissance et d’habitat partagé va se heurter à une réalité de terrain. La région faisant face à une crue sans précédent, cette acquisition devient le centre d’enjeux politiques auxquels ilelles ne s’étaient pas préparées. Dans le huis-clos de la salle des fêtes du village, ilelles sont forcées d’interroger leur utopie et à se confronter à la complexité des rapports entre bien commun et propriété privée, ambitions écologiques et précarité sociale. NOTE D’INTENTION L’ailleurs est peut-être aujourd’hui moins l’espace de la conquête que celui du retour. Pour l’esprit aventurier contemporain, il convient finalement de trouver sa place, mais autrement. Salle des fêtes propose ainsi une réflexion sur l’utopie comme cet autrement, mais aussi sur la dualité entre le fait d’agir et celui d’espérer. Quand il n’y a plus de bonnes solutions », l’espoir est-il pour autant à proscrire ? » – Baptiste Amann EXTRAIT MARION – Alors c’est étonnant depuis quelques années… chaque fois que j’entends le nom d’une saison j’ai du Vivaldi dans la tête. En fait c’est pire j’ai la pub pour l’Opel Astra qui défile mentalement. J’ai un peu honte je dois dire. En matière de synesthésie c’est assez pauvre. J’aurais aimé être plus surprenante. C’est tout de même un sujet ça ! Ce fantasme à côté duquel on marche, et dont on s’éloigne à mesure qu’on grandit. Adolescente je voulais être Arthur Rimbaud sinon rien ; Rimbaud voyait des couleurs dans les lettres de l’alphabet. Moi, quand j’écoute Vivaldi, je vois juste une bagnole. » © Pierre Planchenault PRODUCTION L’ANNEXE COPRODUCTION La Comédie de Béthune – CDN Hauts-de-France, La Comédie de Saint-Étienne, TnBA – Théâtre national de Bordeaux en Aquitaine, Le Méta – CDN de Poitiers Nouvelle-Aquitaine, OARA – Office Artistique de la Région Nouvelle-Aquitaine, Théâtre Dijon-Bourgogne – CDN, Nouveau Théâtre de Montreuil – CDN, Le ZEF – scène nationale de Marseille, Théâtre Ouvert – Centre National des Dramaturgies Contemporaines AVEC LE SOUTIEN du Fonds d’Insertion pour Jeunes Artistes Dramatiques, DRAC et Région Sud, du Fonds SACD Théâtre. Ce texte est lauréat de l’Aide à la création de textes dramatiques – ARTCENA. L’ANNEXE est conventionnée par le ministère de la Culture – DRAC Nouvelle-Aquitaine, subventionnée par la Ville de Bordeaux et la région Nouvelle-Aquitaine. Baptiste Amann est associé à La Comédie de Béthune – CDN Hauts-de-France, au Méta – CDN de Poitiers Nouvelle-Aquitaine ainsi qu’au Théâtre Public de Montreuil, Centre dramatique national 2022-2025. Il est également artiste compagnon du TnBA – Théâtre national de Bordeaux en Aquitaine. Texte et mise en scène Baptiste Amann Collaboration artistique Amélie Enon Avec Olivier Brunhes, Alexandra Castellon, Julien Geffroy, Suzanne Jeanjean, Lisa Kramarz, Caroline Menon-Bertheux, Rémi Mesnard, Yohann Pisiou, Samuel Réhault, Marion Verstraeten Régie générale François Duguest Création lumière Florent Jacob Création sonore Léon Blomme Plateau et régie scène Philippe Couturier Scénographie Florent Jacob Construction décor Ateliers de la Comédie de Saint-Étienne Costumes Suzanne Aubert, Estelle Couturier-Chatellain Direction de production, diffusion Morgan Hélou Mardi, mercredi 19h30 Jeudi, vendredi, samedi 20h30 Dimanche 16h Carte TO Plein tarif 20€ 10€ Tarif réduit 14€ 8€ Universités, lycées, collègesgratuité pour les accompagnateurs 8€ Associations, groupesà partir de 6 personnes 8€ Comité d'entreprise, adhérents Ticket-Théâtres 12€ Enfait, le personnage du mime fameux servit de prétexte à glorifier «le plus beau métier du monde», celui de comédien. Élargissant le sujet, Sacha Guitry, qui était alors brouillé avec son père, en profita pour parler joliment de la relation père-fils (d’ailleurs, les deux hommes se réconcilièrent, et, désormais, tous les rôles de Lucien Guitry allaient être écrits par son Album créé dans la bedetheque le 03/08/2017 Dernière modification le 17/12/2020 à 0619 par choregraphe 1. Le Bien-aimé Une BD de et Paolo Martinello chez Glénat - 2017 08/2017 23 aout 2017 64 pages 978-2-344-01613-8 Format normal 308435 Un monstre sacré du cinéma et du théâtre du XXe siècle Après son divorce, le comédien Lucien Guitry enlève Sacha, son fils de cinq ans et l’emmène plusieurs mois à Saint-Pétersbourg où il se produit devant la cour impériale. C’est ainsi que l’enfant Sacha Guitry débute sur scène devant le Tsar Nicolas. Ces premiers pas sur les planches lui donnent le goût du théâtre. Très jeune, et malgré une scolarité désastreuse, il écrit et interprète ses propres pièces à Paris et connait ainsi la gloire. Ami de Sarah Bernhard, Colette, Alphonse Allais, Jean... Lire la suite Note des lecteurs Currently 1 2 3 4 5 6 Note 3 votes

Lucienet Sacha Guitry, deux monstres sacrés du théâtre. Le père, Lucien, haut en couleurs, coureur de jupons patenté, Sacha, le fils, créateur de nombreuses pièces, dont le nom est associé à un humour mordant et misogyne. Leurs relations seront aussi passionnées qu'orageuses, leurs destins profondément distincts et intimement liés.

La solution à ce puzzle est constituéè de 6 lettres et commence par la lettre G Les solutions ✅ pour LE PÈRE, C'ÉTAIT LUCIEN, LE FILS, C'ÉTAIT SACHA de mots fléchés et mots croisés. Découvrez les bonnes réponses, synonymes et autres types d'aide pour résoudre chaque puzzle Voici Les Solutions de Mots Croisés pour "LE PÈRE, C'ÉTAIT LUCIEN, LE FILS, C'ÉTAIT SACHA" 0 0 Partagez cette question et demandez de l'aide à vos amis! Recommander une réponse ? Connaissez-vous la réponse? profiter de l'occasion pour donner votre contribution! Similaires Historiquede tous vos messages depuis le 20 Juillet 2006. Photo : Notre Padre, en 1964, le Père Aubert Lucien. PL : Afin de gagner de la place sur notre site, tous les trimestres, nous rassemblons, via un "Copier-coller", tous vos messages et nous les mettons en format "pdf". Sacha Guitry, de son nom complet Alexandre Georges-Pierre Guitry est un comédien, dramaturge, metteur en scène de théâtre, réalisateur et scénariste de cinéma, né le 21 février 1885 à Saint-Pétersbourg Russie, mort le 24 juillet 1957 à Paris 72 ans. Auteur dramatique très prolifique, il a écrit plus d’une centaine de pièces de théâtre et en a adapté lui-même un grand nombre au cinéma. Interprète de la quasi-totalité de ses films, il est l’auteur d’une œuvre, riche de trente-trois films, qui comprend notamment Le Roman d’un tricheur, Désiré, Mon père avait raison, Quadrille, Ils étaient neuf célibataires, La Poison, Si Versailles m’était conté, Assassins et voleurs. Biographie Du théâtre au cinéma Sacha Guitry est le fils de Lucien Guitry 1860 - 1925, grand comédien de théâtre, très célèbre à son époque, et de Renée Delmas dite de Pont-Jest[1], fille du journaliste René de Pont-Jest. Élève médiocre, Guitry se révèle très tôt brillant comédien et bien vite excellent auteur et metteur en scène. Il écrit lui-même ses propres pièces, parfois en moins de trois jours, et en assure la mise en scène et l’interprétation. Nono 1905 remporte un vif succès. L’échec de La Clef, en 1907, décourage un temps Sacha Guitry et c’est le soutien indéfectible de son grand aîné Octave Mirbeau qui lui donne le courage de continuer ; admiratif et reconnaissant, Sacha Guitry sollicite de lui une préface pour sa Petite Hollande en 1908 et, plus tard, lui consacre une pièce, Un sujet de roman, créée le 4 janvier 1924 par son père Lucien Guitry dans le rôle du grand écrivain. Sarah Bernhardt doit être aussi de la création, dans le rôle d’Alice Regnault, mais la Divine meurt avant la première. Il écrit sur mesure pour sa deuxième épouse Yvonne Printemps plusieurs comédies musicales à très grand succès Mozart, L’amour masqué... et sept revues avec son ami Albert Willemetz. Homme d’esprit à l’humour caustique, c’est Sacha Guitry qui découvre et lance Raimu dans Faisons un rêve. Il fait les délices du public mais s’attire également la jalousie des critiques. Il est un peu l’opposé du théâtre du Cartel des quatre créé notamment par Louis Jouvet et Charles Dullin. Sacha Guitry utilise déjà au théâtre les techniques qu’il utilisera plus tard au cinéma s’approprier les règles, les codes d’un genre, les détourner et les plier à son propre style. Avec le cinéma, les rapports sont d’abord très tendus. Il fait une première tentative en 1915, en réalisant Ceux de chez nous, en réaction à un manifeste allemand exaltant la culture germanique. Il filme certains amis de son père, Rodin, Claude Monet, Anatole France, Auguste Renoir, entre autres. Il note leurs paroles et les répète durant les diffusions publiques, inventant en quelque sorte, et avant l’heure, la voix off. Portrait de Sacha Guitry dans son bureau de l’avenue Elisée-Reclus en 1942, par Léon Gard coll. André Bernard Comme Jouvet, il reproche au cinéma de ne pas avoir la même puissance que le théâtre et ne s’y met qu’en 1935, sous l’influence de sa jeune épouse Jacqueline Delubac. Comprenant que le cinéma permet une survie, en fixant les images sur la pellicule, il décide de mettre en boîte certaines de ses pièces de théâtre. D’abord Pasteur, écrite par Sacha pour son père Lucien Guitry et interprétée par ce dernier, pièce qui donne libre cours à sa passion pour l’histoire et les personnages historiques. Œuvre prophétique car, dans une scène, Louis Pasteur, joué par Sacha Guitry, déclare à ses confrères Messieurs, je sais que je n’utilise pas le style conventionnel auquel vous êtes habitués. » Phrase lourde de sens qui semble destinée aux critiques qui le dénigrent depuis qu’il fait du théâtre. La même année, il réalise Bonne chance ! et donne le premier rôle féminin à Jacqueline Delubac. Le style de Guitry s’y affirme un peu plus. En 1936, il tourne à partir de la pièce qu’il a écrite Le nouveau testament. Puis, toujours en 1936, il réalise Le roman d’un tricheur, pour beaucoup son chef-d’œuvre. Dans ce film, presque sans dialogue, à l’exception de quelques scènes, Guitry met en scène l’unique roman qu’il a écrit, Mémoires d’un tricheur. Il est le narrateur du film, et déjà son goût pour les histoires contées apparaît. Si l’histoire peut sembler banale, elle est en fait un éloge du cinéma, art de l’illusion. Tout Guitry est contenu dans ses quatre premiers films jeu avec les procédés filmiques, reconstitution d’évènements ou biographie de personnages historiques, adaptations théâtrales. De 1935 à 1937, en trois ans, Guitry réalise dix films, dont au moins trois chefs-d’œuvre[2]. À la fin des années 1930, tout va pour le mieux dans la vie de Guitry. Le seul point noir est son divorce d’avec Jacqueline Delubac, mais il se console rapidement et épouse Geneviève de Séréville qui est la seule de ses cinq épouses à porter le nom de Guitry. À propos des femmes, Guitry a déclaré Les femmes, je suis contre... tout contre. » Son nom est proposé pour l’Académie française mais Guitry refuse la condition qu’on lui impose abandonner son activité de comédien. En 1939, il est élu à l’Académie Goncourt et réalise Ils étaient neuf célibataires, avec de nombreuses vedettes dont Elvire Popesco. Guitry y traite du mariage blanc, thème éternel. Mais le film est en prise presque directe avec l’actualité car l’histoire part d’un décret qui oblige les étrangers à quitter la France. Le lendemain de la première de son film, la guerre éclate. Les années noires La situation se complique pour le Parisien Guitry qui ne veut pas quitter la capitale alors sous l’Occupation allemande. Pendant quatre ans, à l’écart de toute pensée politique, il continue sa vie d’homme de théâtre et de cinéma, pensant ainsi assurer la présence de l’esprit français face à l’occupant allemand[3]. Il joue de son influence pour obtenir la libération de personnalités, notamment de l’écrivain Tristan Bernard et de son épouse, et parvient à mettre en scène Le Destin fabuleux de Désirée Clary, autour de la célèbre fiancée de Napoléon, film qui oppose la figure de l’Empereur aux visées de l’impérialisme allemand, et Donne-moi tes yeux, réflexion originale sur le regard masculin ». Son album 1429-1942 - De Jeanne d’Arc à Philippe Pétain, catalogue des gloires françaises, politiques et artistiques, témoigne, toutefois, d’un aveuglement politique assez permanent, au point de faire l’objet d’un film de présentation, projeté en mai 1944. Le 23 août 1944, lors de la Libération de Paris, quelques heures après avoir parlé au téléphone avec son amie Arletty, il est arrêté par un groupe de résistants, agissant de leur propre initiative, qui lui reprochent son attitude à l’égard de l’occupant allemand. Il est incarcéré 60 jours sans inculpation. Il est alors dénoncé dans la presse - sur des rumeurs infondées - par des écrivains comme Pierre Descaves ou certains journalistes du Figaro dirigé alors par Pierre Brisson, dont il s’était fait un ennemi. Le juge d’instruction, ne sachant que lui reprocher, fait paraître dans les journaux, à deux reprises, des annonces demandant qu’on lui communique les accusations contre Guitry. Il n’obtient aucune réponse probante et classe le dossier[5]. Guitry obtient, en 1947, un non-lieu tardif il dira plus tard qu’il aurait préféré un procès. Ses détracteurs oublient qu’il s’est toujours opposé à ce que ses pièces soient jouées en Allemagne. Il s’en souviendra et lorsqu’il déclare à Pauline Carton, dans le générique de La Poison, que le décor de la cellule a été réalisé à partir de ses souvenirs, on sent poindre l’amertume dans sa voix. Tentant de prendre la chose avec humour, il déclare La Libération ? Je peux dire que j’en ai été le premier prévenu. » Il publiera ses souvenirs sous forme de deux récits Quatre ans d’occupations un pluriel significatif pour la période de 1940 à août 1944 et 60 jours de prison pour les deux mois pénibles et humiliants qui suivirent. Il commente, en filigrane, son comportement dans Le Diable boiteux, biographie de Talleyrand qui soutint plusieurs régimes avec toujours comme seul but de servir la grandeur de la France. Réhabilitation Les années 1930 ont été des années de rêves et les années 1940 des années noires ; les années 1950 vont être une synthèse des deux décennies écoulées. Il rédige le scénario d’Adhémar ou le jouet de la fatalité mais, malade, il en confie la réalisation à Fernandel, qui a déjà réalisé un film. Devant le résultat, Guitry s’estime trahi et intente un procès à Fernandel. Procès qu’il perd. Ce film annonce la suite de l’œuvre du cinéaste. Le ton est plus mélancolique Le comédien, Deburau, Le Trésor de Cantenac, parfois caustique Je l’ai été trois fois, La Poison, La Vie d’un honnête homme, mais toujours comique Toâ, Aux deux colombes, Tu m’as sauvé la vie. Ses amis le soutiennent et la reconnaissance vient avec la commande de grosses productions historiques Si Versailles m’était conté, Napoléon, Si Paris nous était conté. Mots d’esprits et distribution prestigieuse font le charme de ces fresques. Il n’oublie pas son arrestation et réalise le très caustique Assassins et voleurs emmené par le duo Jean Poiret-Michel Serrault et dans lequel Darry Cowl fait ses débuts avec une scène pratiquement improvisée mais hilarante. Les trois font la paire est le dernier film qu’il réalise avec l’aide de l’acteur-producteur-réalisateur Clément Duhour, car la maladie l’a beaucoup affaibli. Film-somme sur le cinéma de Guitry où l’on retrouve tout ce qui fait le sel de son œuvre jeu avec les procédés filmiques, fidélité avec certains acteurs, humour caustique. Son testament artistique est le scénario de La Vie à deux qu’il rédige et où il refond plusieurs de ses pièces ; c’est Clément Duhour qui le réalisera après la mort du cinéaste, avec une pléiade de vedettes venues rendre hommage au maître. Sacha Guitry repose au cimetière de Montmartre, à Paris, avec son père Lucien Guitry, son frère Jean, mort en 1920, et sa dernière épouse Lana Marconi, décédée en 1990. Sacha Guitry incarné par Denis Podalydès à la Cinémathèque française le 15 décembre 2007 Sacha Guitry et les acteurs Sacha Guitry tient le rôle principal de presque tous ses films. Mais il sait parfois s’effacer lorsque cela est nécessaire, comme dans le film à sketch Ils étaient neuf célibataires, avec de grands noms au générique Saturnin Fabre, Elvire Popesco, Gaston Dubosc. L’homme est un ami fidèle et Pauline Carton est de pratiquement tous ses films, Guitry lui inventant parfois des rôles. Il confie le rôle principal de La Poison et de La Vie d’un honnête homme à Michel Simon, ainsi que celui de son dernier film Les trois font la paire que Simon n’aime pas mais qu’il accepte de jouer par amitié pour Guitry alors mourant. Acteur mais également metteur en scène, il sait détecter les nouveaux talents Louis de Funès, Darry Cowl, Michel Serrault, Jacqueline Delubac pour ne citer que ceux-là, sont lancés par Guitry. Raimu, reconnaissant envers celui qui l’a lancé, accepte de jouer gratuitement dans Les Perles de la couronne, et Guitry écrit sur mesure, pour Fernandel, le scénario d’Adhémar. Il sollicite souvent Gaby Morlay pour jouer des pièces de théâtre, et deux de ses films. Parmi les grands noms déjà cités, signalons également Erich Von Stroheim, Orson Welles, Jean Cocteau, Jean Gabin, Gérard Philipe, Jean Marais, Danielle Darrieux, Michèle Morgan, Pierre Larquey, Jean-Louis Barrault, Arletty, Édith Piaf, Robert Lamoureux, Yves Montand, Jean-Pierre Aumont, Luis Mariano, Jacques Varennes, Suzanne Dantès, Saturnin Fabre, Brigitte Bardot... Tout au long de son œuvre, Guitry se fait le chantre du comédien, de son père en particulier. Il réalise une biographie, Le comédien, et une adaptation théâtrale, Mon père avait raison. Pour lui, Lucien Guitry et Sarah Bernhardt sont les deux plus grands acteurs du monde et il ne manque pas de le rappeler dans les nombreux articles qu’il signe. Du reste, certains de ses films semblent être conçus pour les acteurs Les Perles de la couronne, Ils étaient neuf célibataires, Le Trésor de Cantenac, ou encore sa trilogie historique. Sacha Guitry et la critique Avec la critique, Sacha Guitry a toujours entretenu des relations conflictuelles, et ce dès son travail au théâtre. Guitry invente un style qui lui est propre, basé sur des dialogues incisifs et percutants, souvent déclamés par lui. C’est son statut de comédien et d’auteur complet, son apparente facilité et le succès constant qu’il obtient pendant plus de vingt ans, qui le rendent insupportable aux yeux des critiques. Du reste, Guitry se venge tout au long de son œuvre et ne cesse de railler cette profession qui n’a jamais voulu faire l’effort de le comprendre. On reproche à ses films de n’être que du théâtre filmé ». Mais Guitry, comme Marcel Pagnol, autre auteur dramatique de théâtre et de cinéma, impose son style, se construit un univers à part entière. Souvent, les critiques reprochent à Guitry de dévoiler les artefacts du tournage. Le cinéaste, en montrant son style, appose sa griffe et empêche quiconque de le copier. Le summum est atteint avec Ils étaient neuf célibataires à la fin du film, Guitry mélange réalité et fiction en faisant croire à l’amant sérieux » d’Elvire Popesco que tous deux sont en train de tourner un film. La réalité va plus vite que la fiction. Et le film se fait descendre par la critique, malgré des réactions positives. Parmi les critiques les plus virulentes, on retrouve régulièrement l’accusation de mégalomanie, de prétention. Lorsque Guitry met en scène Si Versailles m’était conté, film montrant le château de Versailles de sa naissance à nos jours, on lui reproche d’être passé à côté de son sujet et d’avoir réalisé une visite au musée Grévin. La critique démolit le film et oublie que Guitry est réalisateur avec toutes les responsabilités que cela implique, mais également scénariste, dialoguiste et acteur. Peu de cinéastes assument autant de charges. Précisons qu’Orson Welles, qui a joué dans Si Versailles m’était conté et Napoléon, considérait Guitry comme son maître. Du reste, il existe plusieurs points communs entre les deux artistes tous deux hommes de théâtre, de radio, férus de littérature, ayant le même sens de l’humour. Une autre hypothèse peut être envisagée pour expliquer ses rapports tendus avec la critique la virtuosité et l’évidente facilité avec laquelle le Maître se meut dans l’univers filmique. Lorsqu’il réalise Le Destin fabuleux de Désirée Clary, il place le générique en plein milieu du film et s’offre le luxe de changer plusieurs interprètes avec une finesse rare. Du cinéma, Guitry a déclaré C’est une lanterne magique. L’ironie et la grâce ne devraient pas en être exclues. » Une autre anecdote résume le personnage lors du tournage de Napoléon film, 1955, un technicien, en visionnant les rushes, fait remarquer à Guitry que l’on voit une caméra dans le champ. Le cinéaste lui répond Mon ami, le public se doute bien que nous avons utilisé des caméras pour réaliser ce film. »[6] Désinvolture, élégance, finesse et humour alliés à une solide maîtrise technique. Cela a de quoi attirer les médisances et les jalousies. Il est réhabilité par la Nouvelle Vague[7] et François Truffaut[8] en particulier, qui voit en lui l’auteur complet, comme Charlie Chaplin. Un pseudo-misogyne, marié cinq fois Malgré sa posture de misogyne, Sacha Guitry a été marié cinq fois, et uniquement avec des actrices encore que les deux dernières ne le soient devenues qu’à son contact. On lui connaît en outre de nombreuses liaisons avec des comédiennes et artistes, parmi lesquelles la danseuse Belle Époque » Jane Avril, la comédienne Arletty, qui a refusé de l’épouser J’allais pas épouser Sacha Guitry, il s’était épousé lui-même ! », cité par Francis Huster, les actrices Simone Paris qui consacre un chapitre de ses mémoires, Paris sur l’oreiller, au récit détaillé de leur romance, Mona Goya et Yvette Lebon, etc. Cinq épouses donc 1. Charlotte Lysès 1877 - 1956, qu’il épouse le 14 août 1907 à Honfleur, au grand dam de Lucien Guitry, ex-amant de Charlotte... Elle crée 19 pièces de son mari et reprend Nono en 1910. Séparé depuis avril 1917, le couple divorce le 17 juillet 1918. 2. Il épouse Yvonne Printemps 1894-1977 à Paris le 10 avril 1919, avec comme témoins Sarah Bernhardt, Georges Feydeau, Lucien Guitry avec qui il vient juste de se réconcilier et Tristan Bernard. Yvonne Printemps crée 34 pièces de Sacha Guitry, en reprend 6 autres et interprète un de ses films, Un roman d’amour et d’aventures 1918. Yvonne Printemps ne sait pas être fidèle elle a des aventures avec Jacques-Henri Lartigue, Maurice Escande, Pierre Fresnay, d’autres... Le 15 juillet 1932, Yvonne Printemps quitte Sacha Guitry pour Pierre Fresnay lequel de son côté quitte pour elle la comédienne Berthe Bovy, mais ne l’épouse jamais. Le divorce entre Sacha et Yvonne est prononcé le 7 novembre 1934. 3. Il se marie avec la jeune Jacqueline Delubac 1907-1997, de 22 ans sa cadette, le 21 février 1935 à Paris. Comme il a 50 ans, il annonce leur mariage en déclarant J’ai le double de son âge, il est donc juste qu’elle soit ma moitié », rajeunissant légèrement et galamment la mariée et dès lors, pour la beauté du mot et l’exactitude des comptes, Jacqueline prétendra être née en 1910 et non en 1907. Elle joue 23 pièces de son mari, dont 10 créations et 13 reprises à Paris et en tournée, et interprète 11 de ses films. Séparés depuis le 15 décembre 1938, les deux époux divorcent le 5 avril 1939. 4. Son mariage avec Geneviève de Séréville 1914-1963 est célébré les 4 et 5 juillet 1939 à Fontenay-le-Fleury. Geneviève crée 5 pièces de son mari à Paris, en reprend 4 autres à Paris ou en tournée et interprète 5 de ses films. Le couple se sépare en avril 1944 et leur divorce est prononcé le 25 juillet 1949. 5. Il épouse enfin Lana Marconi 1917-1990 le 25 novembre 1949 à Paris. Elle crée 7 pièces de son mari, en reprend 2 autres et interprète 13 de ses films. Guitry a souvent évoqué sa prédilection pour les femmes La vie sans femme me paraît impossible ; je n’ai jamais été seul, la solitude c’est être loin des femmes », mais il s’est acquis une réputation de misogyne que bien des répliques de ses pièces semblent confirmer. Ses épouses, cependant, qui lui ont reproché bien des choses, ne lui ont jamais fait le reproche d’être misogyne mais évoquent au contraire son amour pour les femmes, sa séduction et sa finesse. Dans Faut-il épouser Sacha Guitry ?, Jacqueline Delubac écrit À la femme il refuse la logique de l’esprit, pas celle du sexe ! Traduction il ne suffit pas que la femme dispose, il faut qu’elle propose. C’est le caprice de Sacha de tout attendre du caprice des femmes » ; et plus loin Sacha, tu es un diable électrique ! Tu connais les escaliers cachotiers du cœur ! Les drôles de coin ! ». Geneviève de Séréville, dans Sacha Guitry mon mari, évoque les causeries de Sacha sur l’amour et les femmes et avance une hypothèse Parler des femmes et de l’amour n’est-il pas devenu, pour lui, une sorte de jonglerie dans laquelle son cœur ne joue aucun rôle, mais seulement son aisance dans l’ironie, son goût excessif du paradoxe ». Avec les salves de misogynie de quelques-unes de ses pièces, Guitry se venge sans doute, avec des mots, des infidélités, des maux, que certaines de ses compagnes ont pu lui faire subir, Yvonne Printemps notamment. Mais Dominique Desanti, dans la biographie qu’elle lui a consacrée, remarque aussi, à propos de N’écoutez pas Mesdames, pièce tissée de railleries contre les femmes Sous les répliques spirituelles court l’angoisse de l’homme vieillissant face à une femme trop jeune qui lui échappe... ce qu’il trouve à la fois insupportable et naturel ». Guitry lui se justifie en disant Tout ce mal que je pense et que je dis des femmes, je le pense et je le dis, je ne le pense et je ne le dis que des personnes qui me plaisent ou qui m’ont plu ». Ce n’est d’ailleurs pas tant avec les femmes qu’il a un problème, qu’avec le mariage Le mariage, c’est résoudre à deux les problèmes que l’on n’aurait pas eu tout seul ». La séduction a certainement pour lui plus de charme que le quotidien à deux. Il écrit cependant Il faut courtiser sa femme comme si jamais on ne l’avait eue... il faut se la prendre à soi-même ». Si l’on peut citer bien des répliques et des "bons ? mots" misogynes dans ses pièces et dans ses causeries, aucun témoignage ne donne d’exemple de propos semblables dans l’intimité et encore moins de gestes ou d’attitudes qui pourrait laisser penser que l’homme Sacha Guitry ait été un misogyne. Selon Francis Huster, fin connaisseur de Sacha On dit souvent que Guitry est misogyne ; c’est n’importe quoi. Dans ses pièces, c’est l’homme qui trompe, pas la femme. Il était fou des femmes. Elles n’ont malheureusement jamais été folles de lui. Peut-être parce qu’il n’a jamais su les entendre, même s’il savait leur parler[9] ». Divers * Sacha est le diminutif russe d’Alexandre. Le tsar Alexandre III était en effet son parrain. * Comme il l’explique dans son discours de cent lignes, prononcé lors du banquet du centenaire de Janson-de-Sailly, il fut expulsé de 11 lycées différents. Il explique dans un de ses ouvrages que c’était en raison des déplacements de son père qu’il redoubla sa sixième 10 fois. En effet, à l’époque, on recommençait l’année si l’on changeait d’établissement, ce qui était périodiquement son cas. Il fêta ses 18 ans en sixième et arrêta là ses brillantes études. * Durant l’hiver 1889, alors que Sacha a 4 ans, son père, Lucien Guitry, qui est en train de se séparer de son épouse, sort un moment avec Sacha pour chercher des gâteaux au coin de la rue, et de coin de rue en coin de rue car la pâtisserie la meilleure est plus loin, il l’entraîne en fait jusqu’en Russie, lieu de ses futures représentations. En Russie, Sacha joue enfant devant le Tsar et la famille impériale. C’est là-bas qu’il entend que son père va jouer tous les soirs pour travailler ». * Malgré le vif soutien de Tristan Bernard et de nombreuses personnalités de la Résistance, Sacha Guitry est injustement soupçonné de collaboration à la Libération, et incarcéré pendant 60 jours d’où son livre 60 jours de prison. Un non-lieu complet est prononcé. Il n’y avait donc pas lieu ! », commenta ironiquement Sacha Guitry, qui déclara par ailleurs La Libération ? Je peux dire que j’en ai été le premier prévenu. » Pour la petite histoire, c’est Alain Decaux qui évite le pillage de sa maison car il est à l’époque mobilisé et, connaissant Guitry, il demande à surveiller sa maison. En souvenir de ce beau geste, Lana Guitry lui offre l’émeraude que Sacha portait et qui trône désormais sur la poignée de son épée d’académicien. De son arrestation, il dit Ils m’emmenèrent menotté à la mairie. J’ai cru qu’on allait me marier de force ! » * Le divorce par consentement mutuel n’étant pas reconnu à une époque, des lettres d’injures mutuelles étaient exigées de la part des deux parties pour en obtenir le prononcé. Dans les divorces concernant Sacha Guitry, notamment celui soldant son mariage avec Yvonne Printemps, on reconnaît nettement sa patte d’humoriste dans les lettres fournies par les deux » parties. * Collectionneur avisé, il possédait dans son hôtel particulier du Champ de Mars, 18 avenue Élisée-Reclus une splendide collection d’œuvres d’art peintures, sculptures, lettres autographes... dont il souhaitait faire, à sa mort, un musée. Malheureusement, les œuvres furent peu à peu dispersées à sa mort et son projet ne vit jamais le jour. Malgré les protestations de ses nombreux amis l’hôtel fut démoli en 1963. * À l’occasion de son jubilé sa première pièce ayant été jouée le 16 avril 1902 au Théâtre des Mathurins l’éditeur Raoul Solar réalisa gracieusement en 1952 un ouvrage intitulé simplement 18 avenue Elisée Reclus, commenté par Sacha lui-même. Il peut être considéré comme le catalogue de l’exposition de ses collections, exposition faite au bénéfice des œuvres charitables de la Société des auteurs et compositeurs dramatiques SACD. Œuvre théâtrale * Le Page 1902, pièce en un acte, en vers ; * Le 1905 ; * Nono 1906, pièce en trois actes ; * Chez les Zoaques 1906 ; * La Clef 1907, qui connut un four ; * Petite Hollande 1908, préface d’Octave Mirbeau ; * Le Veilleur de nuit 1911 ; * La Prise de Berg-Op-Zoom 1912 ; * La Pèlerine écossaise 1914 ; * Deux Couverts 1914 ; * Une paire de gifles ; * La Jalousie 1915 ; * Faisons un rêve 1916 ; * Jean de La Fontaine 1916 ; * L’Illusionniste 1917 ; * Un soir quand on est seul 1917 ; * Deburau 1918 ; * Pasteur 1919 ; * Le Mari, la Femme et l’Amant 1919 ; * Mon père avait raison 1919 ; * Béranger 1920 ; * Je t’aime 1920 ; * Comment on écrit l’histoire 1920 ; * Le Comédien 1921 ; * Le Blanc et le Noir 1923 ; * L’Amour masqué 1923, comédie musicale, musique de André Messager ; * L’Accroche-cœur ; * Un sujet de roman 1924, pièce inspirée par le couple d’Octave Mirbeau et Alice Regnault ; * Mozart 1925, comédie musicale ; * Désiré 1927 ; * Mariette ou Comment on écrit l’histoire 1928, comédie musicale ; * Histoires de France 1929 ; * Franz Hals 1931 ; * Villa à vendre 1931 ; * Françoise 1932 ; * Les Desseins de la providence 1932 ; * Châteaux en Espagne 1933 ; * Ô, mon bel inconnu 1933, comédie musicale ; * Un tour au paradis 1933 ; * Florestan Ier, prince de Monaco 1933 ; * Le Nouveau Testament 1934 ; * Quand jouons-nous la comédie ? 1935 ; * La Fin du monde 1935 ; * Le Mot de Cambronne 1936 ; * Quadrille 1937 ; * Dieu sauve le roi 1938 ; * Un monde fou 1938 ; * You’re telling me 1939 ; * Florence 1939 ; remanié en 1949 sous le titre Toâ * Une paire de Gilles 1939, en un acte ; * Une lettre bien tapée 1939, en un acte ; * Fausse Alerte 1939, en un acte ; * Le Bien-aimé 1940 ; * Vive l’empereur 1941 ; * N’écoutez pas, mesdames 1942 ; * Talleyrand 1947 ; * Aux deux colombes 1948 ; * Toâ 1949, c’est Florence remaniée ; * Tu m’as sauvé la vie 1949 ; * Beaumarchais 1950, pièce qui n’a pas été jouée ; * Une folie 1951. Filmographie Réalisateur Tous les films sauf exception en tant que scénariste, dialoguiste et acteur. Les mentions d’adaptation de ses propres pièces, et leurs dates de première représentation, restent à relever. * 1914 Oscar rencontre Mademoiselle Mamageot - film de famille, inédit, de 3mn 50’ - * 1915 Ceux de chez nous documentaire La première version muette, durait 22 mn ; elle était destinée à être projetée accompagnée d’une causerie de Guitry. La version sonorisée date de 1939. La version finale remaniée, en 1952, dure 44 mn et crédite Frédéric Rossif comme collaborateur. * 1922 Une petite main qui se place - court épilogue filmé de la pièce homonyme - * 1934 Dîner de gala aux ambassadeurs - Documentaire de 5 mn * 1935 Pasteur co-réalisation avec Fernand Rivers * 1935 Bonne chance ! * 1936 Le Nouveau Testament co-réalisateur Alexandre Ryder * 1936 Le Roman d’un tricheur * 1936 Mon père avait raison * 1936 Faisons un rêve * 1937 Le Mot de Cambronne - moyen métrage * 1937 Désiré * 1937 Les Perles de la Couronne co-réalisateur Christian Jaque * 1937 Quadrille * 1938 Remontons les Champs-Élysées collaboration technique Robert Bibal * 1939 Ils étaient neuf célibataires * 1941 Le Destin fabuleux de Désirée Clary, collaboration technique René Le Hénaff * 1942 La Loi du 21 juin 1907 - court-métrage * 1944 De Jeanne d’Arc à Philippe Pétain, mise en film du livre homonyme, 58 mn * 1943 Donne-moi tes yeux * 1943 La Malibran * 1947 Le Comédien * 1948 Le Diable boiteux * 1949 Aux deux colombes * 1949 Toâ * 1950 Tu m’as sauvé la vie * 1950 Le Trésor de Cantenac * 1951 Deburau * 1951 La Poison * 1952 Je l’ai été trois fois * 1953 La Vie d’un honnête homme narrateur * 1953 Si Versailles m’était conté... * 1955 Napoléon * 1955 Si Paris nous était conté... * 1957 Assassins et voleurs n’apparaît pas dans le film * 1957 Les trois font la paire Sacha Guitry apparaît pour la dernière fois, et seulement au générique Scénariste liste non exhaustive * Le Blanc et le Noir 1931, de Robert Florey et Marc Allégret ; * L’Accroche-cœur 1938, de Pierre Caron ; * Adhémar ou le jouet de la fatalité 1951, réalisé par Fernandel - Sacha Guitry malade n’a pas pu superviser l’œuvre selon ses souhaits scénariste et dialoguiste seulement ; Documents * 1935 Poste Parisien Premier spectacle de télévision de Maurice Diamant-Berger - court métrage - * 1951 Le musée de Sacha Guitry de Stéphane Prince - court métrage - Œuvre écrite liste non exhaustive * 1910 La Correspondance de Paul Roulier-Davenel, Dorbon aîné. Réédition Éditions Bernard de Fallois, prévue janvier 2009 * 1930 Lucien Guitry raconté par son fils, Raoul Solar * 1931 La Maison de Loti, Paillart * 1935 Mémoires d’un tricheur, Gallimard NRF * 1947 Quatre ans d’occupation, Éditions de l’Élan * 1947 Toutes réflexions faites, Éditions de l’Élan * 1949 60 jours de prison fac-similé du manuscrit, illustré par des dessins de l’auteur, Éditions de l’Élan * 1979 Le petit carnet rouge et autres souvenirs inédits, Perrin Adaptations de son œuvre Liste non exhaustive * La Vie à deux 1958, de Clément Duhour, adapté de cinq pièces de Sacha Guitry ; Désiré, L’Illusionniste, Une paire de gifles, Le Blanc et le Noir et Françoise reliées entre elles par un scénario-prétexte. On ne sait quelle fut la part exacte de Guitry dans l’écriture des séquences de liaison probablement le fait de son secrétaire Stéphane Prince, lequel se cacherait derrière le mystérieux Jean Martin crédité par le générique comme coscénariste. Les affiches du film présentent La Vie à deux comme le dernier film de Sacha Guitry... lequel mourut près d’un an avant le début du tournage ; * Au voleur ! 1960, de Ralph Habib, d’après un scénario original inédit, remanié et adapté par Jean-Bernard Luc ; * Beaumarchais l’insolent 1995, d’Édouard Molinaro, adapté de la pièce inédite Beaumarchais et du scénario inédit lui aussi Franklin et Beaumarchais ; * Désiré 1996, de Bernard Murat, d’après la pièce et le film éponymes ; * Quadrille 1997, de Valérie Lemercier, d’après la pièce et le film éponymes ; * Le Comédien 1996, de Christian de Chalonge, d’après la pièce et toutes proportions gardées le film éponymes ; * Un crime au paradis 2000, de Jean Becker, remake du film La Poison, avec Josiane Balasko, Jacques Villeret et André Dussolier. L’action a été librement transposée du début des années 50 à l’aube des années 80. Autres participations Sacha Guitry apparait également en tant qu’acteur au générique de deux films muets, l’un de 1917 Un roman d’amour et d’aventures, dont il a également écrit le scénario et l’autre de 1922 épilogue filmé de sa pièce Une petite main qui se place, mais encore, si l’on s’en réfère à un article paru dans la presse télé au début des années 1980 et à la filmographie établie par Claude Gauteur et André Bernard dans la réédition 1984 de l’ouvrage Sacha Guitry, le Cinéma et Moi, dans La Huitième Femme de Barbe-Bleue Blue Beard’s Eighth Wife 1938, d’Ernst Lubitsch. Ces deux sources mentionnent également la présence de Geneviève de Séréville aux côtés de son futur mari durant ce caméo furtif. Néanmoins, dans la copie de la version américaine sous-titrée, le couple n’apparaît pas à l’image. Citations * Si ceux qui disent du mal de moi savaient exactement ce que je pense d’eux, ils en diraient bien davantage ! * Je n’ai qu’une seule ambition ne pas plaire à tout le monde. Plaire à tout le monde c’est plaire à n’importe qui. * On peut faire semblant d’être grave, on ne peut pas faire semblant d’avoir de l’esprit. * Ce qui ne me passionne pas m’ennuie. * Etre riche ce n’est pas avoir de l’argent - c’est en dépenser. * Il y a des gens sur qui on peut compter. Ce sont généralement des gens dont on n’a pas besoin. * On n’est pas infaillible parce qu’on est sincère. * A quoi bon apprendre ce qui est dans les livres, puisque ça y est ?. * -Me donneriez-vous vingt-cinq ans ? - Si j’avais vingt-cinq ans, je les garderais pour moi. * On parle beaucoup trop aux enfants du passé et pas assez de l’avenir - c’est-à-dire trop des autres et pas assez d’eux-mêmes. * Le jour où l’on vous traitera de parvenu, tenez pour certain le fait que vous serez arrivé. Notes et références 1. ↑ Pourquoi je suis né » [archive] 2. ↑ a b Sacha Guitry, cinéaste. Ed Yellow Now, 1993 3. ↑ Dominique Desanti évoque une réussite maintenue à travers l’horreur de l’occupation, comme si de préserver les succès et le luxe de Guitry était nécessaire à la survie de la France ». Sacha Guitry. Grasset, 1982 4. ↑ Plus que les goûts même de Guitry, c’est plutôt comme une vaste déclinaison de gloires que ce film apparaît, et l’assez naïf rempart de leur protection. » Philippe Arnaud, Sacha Guitry, cinéaste. Ed Yellow Now, 1993 5. ↑ Dominique Desanti. Sacha Guitry. Grasset, 1982 6. ↑ Alain Keit. Le cinéma de Sacha Guitry. Vérités, mensonges, simulacres. Éditions du Céfal, 2002 7. ↑ Cahiers du Cinéma, N°173, déc. 1965, Spécial Guitry-Pagnol 8. ↑ Sacha Guitry fut un vrai cinéaste, plus doué que Duvivier, Grémillon et Feyder, plus drôle et certainement moins solennel que René Clair. Guitry est le frère français de Lubitsch ». F. Truffaut, Les Films de ma vie. 1975 9. ↑ Journal du Dimanche, Jeudi 10 janvier 2008 ^{Eneffet, nous avons préparé les solutions de CodyCross Le père, c’était Lucien, le fils, c’était Sacha. Ce jeu est développé par Fanatee Games, contient plein de niveaux. C’est la tant attendue version Française du jeu. On doit trouver des mots et les placer sur la grille des mots croisés, les mots sont à trouver à partir de leurs définitions.}

Marcel Zannini, 28 juin 2017 Marcel Zannini, dit Marcel Zanini, est un musicien de jazz saxophone ténor, clarinette, chant né le 7 septembre 1923 à Constantinople Empire ottoman. Sommaire 1 Lien avec Marc-Édouard Nabe 2 Citations Marcel sur Nabe Nabe sur Marcel 3 Intégration littéraire 4 Notes et références Lien avec Marc-Édouard Nabe Marcel Zannini est le père de Marc-Édouard Nabe, conçu à New York, où Marcel et sa femme Suzanne vivaient entre 1954 et 1958. À cette période, Marcel travaille dans une boutique d’anches et rencontre de grands musiciens de jazz, dont John Coltrane, Charlie Parker et Billie Holiday. En mars 1955, Zanini prend les dernières photos de Charlie Parker jouant au Birdland avec Bud Powell, Charles Mingus et Art Blakey. De retour en France en 1958 pour la naissance d’Alain Zannini, il continue sa vie de chef d’orchestre à Marseille puis, en montant à Paris, connaît un succès fulgurant en janvier 1970 avec Tu veux ou tu veux pas ?, avant que Brigitte Bardot n’enregistre sa propre version du titre. Zanini fera profiter au futur Nabe de sa pénétration du monde du showbiz après son tube », ce qui permettra à l’écrivain à venir d’emmagasiner tout un tas de connaissances du milieu du music-hall et de la chanson française. Zanini intègrera son fils dans différentes émissions de radio et de télévision ainsi que des séances photos. Zanini et les camarades de classe d’Alain, tous portant un masque de son père, sauf un... Boulogne-Billancourt, 1971 Amateur de peinture Matisse, Modigliani, Léger.., Zanini est surtout un passionné de Picasso dont il a transmis le goût très tôt à son fils. En littérature, totalement autodidacte, Zanini sera un lecteur de Montherlant, Giraudoux, Pirandello, Wilde et Tchekhov... Mais c’est surtout Céline qui domine totalement sa culture ». Et c’est bien sûr grâce à Zanini que Nabe lira l’auteur de Rigodon. Musicalement, ayant fait baigner le futur Nabe dans le jazz avant même sa naissance, il a encouragé et suivi le parcours instrumental de son fils, passé du piano au trombone, du trombone à la batterie, et de la batterie à la guitare. Le père engagera le fils dans son orchestre dès l’âge de 17 ans, ce qui permettra à Nabe de pratiquer la guitare, de côtoyer les musiciens et d’approfondir sa connaissance du jazz de l’intérieur avec notamment Sam Woodyard et François Rilhac.... Pendant des décennies, bien des aventures pas toutes racontées encore dans les livres de Marc-Édouard Nabe ont eu lieu entre les deux personnages. Le Zanine », comme l’appelle Nabe dans son œuvre, a fait d’abord l’objet de tout un chapitre du Régal, Tempête sous une moumoute », et a plus largement une place particulière dans toute l’œuvre de l’écrivain les journaux intimes surtout. Zannini est transposé, sans nom, en clown dans Le Bonheur 1988[1] et en aveugle dans Je suis mort 1998[2]. Il apparaît, à l’âge de 92 ans, plusieurs épisodes de la série des Éclats de Nabe » en 2015. Citations Marcel sur Nabe Fais gaffe... » La Vérité n°3, janvier 2004 Nabe sur Marcel Lundi 29 août [1983]. - Deux jours après Lester, c'est au tour de Parker d’avoir pu avoir soixante-trois ans ! Un jeune retraité qui soufflerait ses bougies à la mitrailleuse ! Cette commémoration intime est l’occasion pour le Zanine de ressortir ses souvenirs d’Amérique que je connais par cœur et qui me ravissent toujours. Pour mon père, la vie est une extase. Et l’art en est le seul responsable toutes les misères sont sans importance pour un artiste. L'artiste amateur ou créateur est sauvé d’avance parce qu’il a la chance d’apprécier les choses de la beauté. La Nature lui a donné ce sens alors qu’elle le refuse à bien d’autres, qui n’ont pas plus de raison de vivre que de mourir. LArt, pour Marcel, rend futile la pire des agonies. L’Art, cest la liberté en soi, pour toujours. La plus fantastique machine d'exaltation et de bien-être c’est le plus beau des remèdes. Je suis loin de cette idée, inutile de le dire. C’est une conception de musicien. » Nabe’s Dream, 1991, p. 83 Samedi 8 octobre [1983]. — 21 ». Archibourré à craquer. Les gens attendent dehors pour descendre écouter Grif. Je suis devenu le prince ici. Un oiseau dans la jungle. Marcel arrive. Il m’apporte des affaires propres. Je vais dans les chiottes me mettre en costume noir et nous échangeons nos cravates. Je passe par cœur en Aristide Bruant morbide. La foule s’accroît. Charlie a le tiroir-caisse qui fait des sauts périlleux arrière. Slim Gaillard est encore là, nous plaisantons ensemble. Au deuxième set, mon père, mort de peur, est invité par Griffin pour une jam. Les gens hurlent de joie. Ils attaquent Just friends et très gentiment Grif laisse le Zanine dévider ses chorus mal assurés mais pleins de son. Tout cela est vidéofilmé. Après le triomphe, le petit géant insiste pour que Marcel continue. Beaucoup plus décontracté, il se lance alors dans un blues en sol formidable où la rythmique tourne comme une table hantée. C’est l’hystérie dans le club. Là papa joue vraiment très bien. Beau découpage lesterien, bonne mise en place, bonne anche. Je crois rêver. Le fils mettant le père sur un coup ! Jouer avec Griffin a certainement ému profondément Marcel. C'est une de mes rares satisfactions depuis plus de deux mois. Slim le félicite aussi sur son mélange de Lester et de Byas. Ça vibre pour le petit père. Baume. » Nabe’s Dream, 1991, pp. 133-134 Mardi 1er novembre [1983]. — Marcel drague au restaurant un cageot immonde comme lui seul en a le goût. J’ai honte d’arriver au Petit Journal avec une telle fille. C’est sa spécialité ! Dès qu’il y a une belle femme, il fait le timide ; les ailes ne lui poussent que lorsqu’une caisse est assez tordue pour mordre à ses minauderies ridicules de crooner vieillot. » Nabe’s Dream, 1991, p. 156 Samedi 7 janvier [1984]. - Bonne discussion avec mon père au sujet de Mesdames, Messieurs qu’il trouve un peu trop aigri. Je suis comme le prince de ce conte qui fit pendre le peintre de son royaume parce qu’il montrait dans ses tableaux une trop belle vision du monde. Ce sont les enfances très heureuses qui font les malheureux j’en suis sûr... Le Zanine très en verve me parle de l’art et de sa stagnation universelle, de l’histoire du jazz, de l’oreille faussée de la jeunesse pernicieusement humiliée par le boum-boum de la nouvelle musique populaire le rock, des thèmes démodés de Parker si c’est pas lui qui les joue, des bienfaits artistiques des guerres, du trio du siècle Parker-Picasso-Céline, et de l'espérance de nouveaux messies quí se font attendre... Nabe’s Dream, 1991, p. 213 Mercredi 25 janvier [1984]. — De retour de province, Marcel ramène de très vieux et précieux 78 tours que la veuve d’un vieil ami lui a confiés. Nous écoutons religieusement ces reliques éraillées de concerts marseillais des années 50 où Marcel, Arvanitas, Léo Missir et Jean-Pierre accompagnent Don Byas ! Ils n'avaient peur de rien ! Allen’s alley ; Robin’s Nest, en pleine fraîcheur ! Zanine Band and Byas !... Quels souvenirs ! Ils avaient tous dans l'orchestre douze mois d’instruments dans les doigts. Marcel a bien gardé sa sonorité on dirait Zoot Sims sur certains sillons il perd un peu les pédales dans les tempos rapides... These foolish things, How high the moon, Whispering, All the things you are sont encore étayés d’arrangements un peu présomptueux... C’est le bop de la pétanque ! Les grands moments sont les tonitruantes entrées de Don Carlos, ses cascades lyriques sous les ponts des anatoles, et une belle version touffue de la déchirante Laura ! Je lis à pleine voix les arrangements de postures du cher Dolmancé ! Ma mère se bouche les oreilles pendant que Marcel s’écroule de rire ça marche, comme sur Jean-Pierre... Tous les hommes doivent rire, c’est le test, le test d’humour! Les femmes ne peuvent pas rire de Sade, d'abord parce qu’elles n’ont ni humour ni imagination, et surtout parce qu elles ne peuvent pas jouir. » Nabe’s Dream, 1991, p. 237 Vendredi 24 février [1984]. – Je récupère Rubis que javais demandé à Marcel de m’apporter pour Henric. En nous ramenant en voiture, il m’avoue qu’il a lu les premières pages, s’autorisant un droit que je lui ai toujours refusé ! Et c'est lui qui crie au scandale. Il a apprécié le début de l’aventure, mais a dû s’arrêter net, dégoûté et rebuté par ma stance au sujet de Stéphane Grappelli, anodine griffure qui réprouve violemment “Très bon musicien de caf’ conc’, mais pas de jazz. Il a gâché tous les enregistrements de Django Reinhardt ! Je ne peux pas le supporter avec ses chemises bariolées "ça-va-avec-tous-les-repas" et ses envolées pompelardes de précieuse ridicule ! Heureusement, il n'en a plus pour longtemps son violon sent le sapin.” — C’est la Diffamation qui t’attend ! Enlève ça ! C'est une honte ! Son violon sent le sapin... Tu ne te rends pas compte ! me lance-t-il en démarrant. Hilarité d’Hélène, Est-ce ma faute à moi si je préfère Ray Nance ? » Nabe’s Dream, 1991, p. 291 Au début, on peut croire à une absence, une distraction générale comme ça qui se pose sur sa fréquence de réalité, par trous divers, par brouillages ainsi, mais bien vite on voit qu’il s’agit d’une fuite, d’un refus voulu depuis si longtemps qu’il ne le maîtrise même plus. Dès que vous lui adressez la parole, il se débranche. Au bout, de deux secondes, il n’y a plus d’yeux, vous le voyez chavirer, c’est fini. Il a les yeux qui ne vont pas avec le regard. C’est instinctif chez lui à peine quelqu’un lui parle qu’il se déconnecte, il enlève une prise en lui, il se met dans une incapacité d’écouter, de comprendre, de réagir à ce qu’on lui dit qui le protège de tout. Quelle merveilleuse technique ! Mon père ne se fait pas chier dans l’existence. Ce que les autres disent ne l’intéresse absolument pas il connaît d’avance. Seule le rassemble la musique le reste, ça le laisse s’envoler, s’éparpiller, s’effilocher filandreusement dans l’atmosphère comme une blanquette mentale... C’est quelque chose qui donne la chair de poule. À peine on commence à parler, il s’éteint. Il ne faut pas essayer de lui faire comprendre, le persuader, le convaincre, encore moins lui raconter quelque chose les récits, c’est physique, il décroche immédiatement, vertigineusement... Byzance, c’est un homme qui ne participe à rien de la vie. Il n’écoute pas. Il ne voit rien. C’est l’inattentif par excellence. Il ne fait même pas semblant d’écouter. Il fuit en courant devant le moindre effort. On dirait à voir sa mine éternellement sinistre qu’il est plein de soucis. Il se demande simplement comment gagner sa vie le lendemain. Nous avons toujours vécu vraiment au jour le jour. Il a la chance de gagner sa vie avec sa clarinette, car il fait partie de ces types – j’en suis un atroce autre plus décidé, plus buté, plus ingrat – qui sont incapables d’autre chose. Miraculeusement, depuis quarante ans, il ne s’est jamais arrêté. Il n’y a jamais eu de problème d’argent chez nous quand Byzance revient d’une gâche, il balance les liasses sur la table chacun se sert ma mère est la reine de la gérance, sans elle on serait sous le pont de l’Alma... On prend les miettes qui restent, de quoi acheter un disque de Miles ou la Pléiade de Vallès ! ... C’est ça le plus beau tout infirme mental qu’il est, il reste encore le plus lucratif, le plus utile, le plus populaire et le plus disponible. C’est qu’il se régale, résolument. Proportionnellement à l’angoisse nauséeuse de la vie, de tous les êtres humains qui essaient de s’en sortir on se demande pour entrer où ?, c’est mon père qui s’amuse le plus. Avec sa clarinette il oublierait tout s’il avait encore quelque chose à oublier mais tout a été oublié d’avance. Dès qu’il souffle, il ne pense plus à rien. Et quand il ne joue pas, il ne pense qu’à une chose Vivement que je joue pour ne penser à rien. » Il ne se passe plus rien dans sa tête quand il souffle ses notes d’ébène d’une délicatesse quasi répugnante. Il est arrivé à vivre de sa clarinette, c’est-à-dire qu’on le paie pour ne penser à rien ! De plus, il est plus viril que moi. A la fois pratique et fou. Il ne comprend rien et oublie tout, il ne peut pas aligner deux phrases, ni raconter quelque chose, il distrairait la Distraction elle-même, il est excessivement détaché de certaines contingences torrides, et par-dessus tout ça, il arbore un bon sens insupportable, une logique d’une mauvaise foi révoltante, un raisonnement d’un fonctionnel et d’une impeccable cohérence il peut résoudre tous les problèmes d’ordre pratique, maîtriser les lieux et les dates, les croisements et les rendez-vous c’est son plaisir. Il est passionné par les horaires, par exemple des journées entières il travaille comme un savant fou à ça, les gens viennent lui demander des conseils sur leurs ennuis de trains, d’avions, comment faire correspondre les changements, le chemin le plus rationnel, la meilleure heure pour les bouchons... Pour la fête des soi-disant pères, je lui ai offert les Œuvres complètes de la et d’Air Inter avec les vols bleus et tout ! huit volumes... ... Mon père, c’est quand même un monde. C’est un cas de force majeure. Sa tête à la Edgar Poe, tragique et engloutie, emmerdée de soucis énigmatiques, est l’une des choses qui me font le plus rire au monde. Dès que je le vois, je vais mieux. Dans quelque état où je me trouve, dès qu’il m’apparaît j’ai un rire nerveux qui me pince le cœur. Sa philosophie roublarde d’odieux détachement est si clairement affichée, que je suis heureux d’avance des catastrophes, des agacements, des malentendus et des déroutes qu’elle va provoquer. Quand il y a des soirées, on nous met aux deux bouts de la table, surtout pas ensemble sinon on dénoue nos codes, on se fait rire, on déconne trop ça vous casse un dîner ! Byzance n’a pas de vie intérieure. Il n’a aucun problème psychologique. Il a une vie parallèle qui suit son cours, imperturbable et majestueuse de détachement complet, totalement à côté de ce qui se passe, à chaque instant. Il est décourageant. ... Byzance, qui peut être le type le plus drôle du monde, retombe entre deux traits d’esprit dans l’abrutissement sinistre d’un inspecteur de la Répression des fraudes. Il est très bon dans les mots courts. C’est pas un long conteur, encore moins un “foisonnant” il s’épuise vite, il digresse, il se perd dans les relatives et les conjonctions surtout dès qu’il fait attention à sa propre subtilité, ça l’émeut, il perd le fil. Ariane elle-même, lasse de le voir hésiter, se saque vite au loin, hop ! C’est pas un lyrique mon père, pas du tout c’est pas un descriptif. Incapable de dresser un décor, des personnages, de jouer avec son pouvoir d’évocation, de composer ses nuances. Zéro. Aucun goût non plus de la métaphore ou du lieu commun comme ma mère. C’est le roi de la remarque piquante recouverte d’une tonne de sucre, et qui fait mouche. Loukoums empoisonnés ! Je n’ai jamais vu quelqu’un remarquer à quel point ses petits mots pseudo-anodins peuvent être blessants. Parce qu’il ne faut pas croire trop fainéant pour être méchant, mon père n’a pas moins en lui une sorte de mépris déguisé en humilité, un orgueil naïf, une certitude d’avoir raison, pas du tout affichée, et enrobée lâchement par une gentillesse très légèrement écœurante par laquelle il se réconcilie pour un côté à la crouillasserie de sa nature ! Ça lui suffit pour ne plus douter de sa “violence”. Il a une manière de virilité de la sympathie, et il dit des choses énormes qui passent très bien. Vexer à côté de la plaque lui suffit pour se sentir fort, non enculé par le monde. Tempête sous une moumoute, L’Être au pair », Au régal des vermines, 2012 1985, pp. 185-187 + 191 + 192-193 Mardi 26 mars 1985. — Séance d’enregistrement du quatrième trente-trois tours de Marcel. Le jour n’est pas très bien choisi. Le quartet revient d’une semaine harassante. Sam est une momie, lente et bougonne. Chebel a baisé toute la nuit sa basse sur sur les genoux... Rilhac et moi, on s’occupe à peine de monter ses caisses que Sam est déjà au bar du coin à s’enwhiskycocaliser... Pourtant il ne s’enivre pas ce sont les alcools qui s’enivrent de lui. Il s’en pare. Ils sont ses eaux de Cologne. C’est le type qui va au bistro fêter la fin de sa cure de désintoxication. Après chaque morceau il traverse la rue et réapparaît un peu plus titubant après une demi-heure d’absence. Les nerfs de Marcel hésitent un peu à lâcher, puis ma bonne humeur et mes sarcasmes parviennent à les retendre, les réaccorder à la situation il était un peu bas quand même, comme son barillet... Sam n’est pas seul fautif Marcel a une conception détestable de la manière d’enregistrer un disque n’ayant absolument rien préparé, il en fait un bœuf plus filandreux encore que les autres, une espèce de concert pour personne. Un live mort... L’ambiance du studio pétrifie toute spontanéité. De la musiquette en bocal. Pris à froid vers les 14 heures, nous sommes là pour jouer les éternels mêmes thèmes ! Ce n’est pas très stimulant. Sam l’a bien senti qui s’acharne sur l’absurdité de répéter et d’accumuler les prises de Rosetta ou de My Buddy !!! Finalement, mon père est, par sa paresse, son indécision, son bordel interne et sa sinistre routine, un grand explorateur de la grâce rarement mieux que là, je me rends compte que c’est lui qui prend le plus de risques, qui donnant à l’improvisation tout son sens suicidaire. Ce ne sera pas un bon disque, mais il faut se méfier avec le Zanine, on ne sait jamais il y a des équilibres que le funambule ne trouve qu’en tombant. » Tohu-Bohu, 1993, p. 952 C’était le 7 septembre. J’avais choisi ce jour-là pour m’évanouir dans l’atmosphère car c’était l’anniversaire de mon père. Quel plus beau cadeau aurais-je pu lui faire que celui de ma disparition ? “Tu reviendras dans deux semaines, prophétisa-t-il stupidement comme pour masquer son futur manque de moi. C’est comme quand tu meurs, on te pleure trois jours, puis on t’oublie. Regarde-moi, si je mourais, tu ne pleurerais pas six mois !” Je laissai papa à ses soixante-dix-sept ans. “Désormais, je ne pourrai plus lire Tintin...” Et c’est dans cette dernière phrase que mon père, qui s’appelait Marcel, mit toute la mélancolique ironie dont il avait été incapable pour commenter mes adieux. » Alain Zannini, 2002, p. 12 Intégration littéraire Au régal des vermines 1985 L’Âme de Billie Holiday 1986 Le Bonheur 1988 Nabe’s Dream 1991 Tohu-Bohu 1993 Inch’Allah 1996 Je suis mort 1998 Coups d’épée dans l’eau 1999 Kamikaze 2000 Alain Zannini 2002 Le Vingt-septième Livre 2009 Les Porcs tome 1 2017 Patience 3 2017 Aux Rats des pâquerettes 2019 Notes et références ↑ Marc-Édouard Nabe, Chapitre XXIII ”Papa, ta mère est morte !” », Le Bonheur, Denoël, 1988, pp. 413-430. ↑ Marc-Édouard Nabe, Je suis mort, Gallimard, 1998, pp. 80-84. v mMarc-Édouard Nabe Livres Au régal des vermines 1985 Zigzags 1986 Chacun mes goûts 1986 L’Âme de Billie Holiday 1986 Le Bonheur 1988 La Marseillaise 1989 Nabe’s Dream 1991 Rideau 1992 Visage de Turc en pleurs 1992 L’Âge du Christ 1992 Petits Riens sur presque tout 1992 Nuage 1993 Tohu-Bohu 1993 Lucette 1995 Inch’Allah 1996 Je suis mort 1998 Oui 1998 Non 1998 Loin des fleurs 1998 et autres contes 1999 Coups d’épée dans l’eau 1999 Kamikaze 2000 Une lueur d’espoir 2001 Alain Zannini 2002 Printemps de feu 2003 J’enfonce le clou 2004 Le Vingt-septième Livre 2009 L’Homme qui arrêta d’écrire 2010 L’Enculé 2011 Les Porcs, tome 1 2017 Aux Rats des pâquerettes 2019 Les Porcs, tome 2 2020 Presse L’Éternité 1997 La Vérité 2003 - 2004 Patience 2014 - ... Nabe’s News 2017 - ... Tracts Zidane la racaille 24 juillet 2006 Les Pieds-blancs 24 octobre 2006 Et Littell niqua Angot 23 novembre 2006 Représente-toi 1er mars 2007 La Bombe de Damoclès 31 octobre 2007 Le ridicule tue 15 avril 2008 Sauver Siné 20 septembre 2008 Enfin nègre ! 20 janvier 2009 Textes non repris en volume La jambe 1986 Le courage de la fraîcheur 1996 La jungle de Bernstein 1997 Les tournesols de Dovjenko printemps 2000 Celui qui a dit merdre mai 2000 Mon meilleur ami juin 2000 Anthony Braxton à l’instant même juillet 2000 La mort de Polac automne 2000 L’athlète de la larme 2001 Le Klaxon du fanfaron mars 2003 Le flou Baumann octobre 2003 Glauque Story novembre 2003 Je ne faisais pas bander Chanal novembre 2003 En 2003, le cinéma est mort décembre 2003 L’Oiseau de Dieu mars 2005 Le temps de voir et d’aimer Sirk octobre 2005 Le Huitième ciel décembre 2005 Le vingt-septième Chorus juillet 2006 Pastorius à mort septembre 2007 Le cauchemar Duvivier mars 2010 L’Eunuque raide printemps 2014 Sur Nabe L’Affaire Zannini 2003 Morceaux choisis 2006 Personnages Georges Ibrahim Abdallah Albert Algoud François Angelier Christine Angot Thierry Ardisson Paco Balabanov Bernard Barrault Jean-Dominique Bauby Guy Bedos Nicolas Bedos Frédéric Beigbeder Georges-Marc Benamou Pierre Bénichou Jackie Berroyer Jean-Paul Bertrand Patrick Besson Paul-Éric Blanrue François Boisrond Laurent Bosc Gérard Bourgadier Anthony Braxton Lisa Bresner Renaud Camus Bertrand Cantat Carlos Catsap René Caumer François Cavanna Pierre Chanal Jacques Chancel Professeur Choron Kenny Clarke Pierre Clémenti Thomas Codaccioni Daniel Cohn-Bendit Lucien Combelle Marc Dachy Maurice G. Dantec Guy Debord

LucienBodard, né le 9 janvier 1914 à Chongqing en Chine et mort le 2 mars 1998 en son domicile du 7 e arrondissement de Paris, est un écrivain et un journaliste français ancien grand reporter à France-Soir et récompensé par le Prix Goncourt en 1981 et le Prix interallié en 1973.. Une enfance en Chine. Fils d'Albert Bodard et d'Anne-Marie Greffier, Lucien Bodard est né en 1914 à Il a dessiné des publicités pour la mode, des tableaux, des couvertures pour plus de cent livres. Grand collectionneur, il conçoit aussi des décors et des meubles. Rencontre avec un artiste peu connu, aussi atypique que son ami Patrick Modiano. Affiche dessinée par Pierre Le-Tan 1998 Pierre Le-Tan ? Son nom ne vous dit sans doute rien, mais vous connaissez ses dessins. De fins traits noirs, des ombres hachurées, le tout rehaussé d'un peu d'aquarelle. Il a dessiné les couvertures de plus de cent livres en France et aux États-Unis. Illustré des publicités pour les Galeries Lafayette, Suez, Gucci, Lanvin et même la Jouvence de l’Abbé Soury. Il a aussi imaginé les drôles de décors de Quadrille, le film de Valérie Lemercier. À cela s'ajoutent des tableaux, des affiches de cinéma, deux livres conçus avec Patrick Modiano et une quinzaine d'ouvrages signés de son seul nom, texte et images. De vrais bijoux, étincelants de finesse et d'ironie. Le Musée national d'Art moderne de Madrid lui a consacré une grande rétrospective il y a deux ans. Mais rien de tel en France où Pierre Le-Tan reste dans l'ombre. Au point que, flairant la supercherie littéraire, certains ont cru qu'il s'agissait d'une invention de Modiano, comme Ajar avec Gary ! D'autres ont pensé avoir affaire à un vieillard. Comment imaginer qu'un homme de moins de 80 ans consacre son temps à tracer des portraits de Gide, Colette, du couturier Jacques Fath, de l'ex-empereur Bao-Daï et autres figures parfois bien oubliées ? La rumeur l'a aussi donné pour homosexuel, vu le nombre de jeunes marins, de gigolos et d'amateurs du sexe fort que l'on trouve au fil de ses dessins. Rien de tout cela, pourtant. Ce matin-là, quand on sonne à la porte de son appartement parisien, en face du Palais-Bourbon, c'est son dernier fils, Édouard, 3 ans, qui ouvre. Crayon en main. Le-Tan arrive dans la foulée, finissant de boutonner une chemise rayée rose, sur un pantalon de la même couleur. Il a 56 ans, les cheveux poivre et sel. Jeune père, jeune grand-père aussi. " J'ai changé de vie il y a quatre ans, déménagé, et je travaille moins ", nuance-t-il. Mais tout de même. Un ou deux livres en gestation. Des meubles peints et des décors à inventer pour quelques particuliers fortunés. Dans l'ancien pied-à-terre de Jean Cocteau au Palais-Royal, il a récemment habillé l'escalier d'un vaste trompe-l'oeil, avec de faux tableaux représentant les amis du poète Colette, le décorateur de théâtre Christian " Bébé " Bérard, Jean Desbordes... Des traits d'une élégante sécheresse, nimbée de nostalgie. " Notre époque d'ordinateurs et de téléphones portables est quelque chose qui m'est totalement étranger, dit-il. Avec l'âge, je suis de plus en plus mélancolique. Comment exprimer cela ? Tristesse... Regrets... Le temps qui passe... " Comme son ami Modiano, il laisse ses phrases en suspens. " On n'a pas forcément des pensées très... " Une enfance bourgeoise et artistique Comme Modiano aussi, Le-Tan scrute avec sa plume ou son stylo l'époque de la jeunesse de ses parents. À la recherche peut-être de secrets enfouis ou du paradis perdu. Son père, Le-Pho, peintre vietnamien, fils d'un vice-roi du Tonkin, vient en Europe en 1931 pour terminer ses études aux Beaux-Arts et visiter les musées. Il s'y installe définitivement en 1937 et épouse après la guerre la fille d'un officier français. Nés dans les années qui suivent, Pierre Le-Tan et son frère vivent une enfance bourgeoise et artistique rue de Vaugirard, à Paris. " J'étais un garçon un peu bizarre, qui préférait les musées et les antiquaires au foot, se souvient-il. Je regardais mon père peindre. En guise de jouets, il me donnait des cartes postales de tableaux ou d'estampes japonaises, ainsi que de vieux livres chinois ou japonais. C'est en regardant tout cela que j'ai appris à dessiner. J'ai été imbibé. Très tôt, j'ai su que, pour moi, c'était cela et pas autre chose le dessin, et les objets d'arts. " Le dessin, avant tout. À 17 ans, sur les conseils d'un ami de sa mère, américain, il envoie ses premières vignettes au New Yorker. Le prestigieux magazine de l'intelligentsia américaine en retient quelques-unes avant de publier deux couvertures de Le-Tan. " J'avais dix-neuf ans, j'habitais encore chez mes parents et je n'ai même pas pensé à toucher les chèques... " C'est le démarrage en fanfare d'une jolie carrière américaine. Tout en habitant Paris, il collabore régulièrement au New Yorker et prend pour agent Ted Riley, qui représente également Sempé et Steinberg. Il alimente ainsi en dessins les éditeurs, journaux et magazines d'outre-Atlantique, du New York Times à Vogue en passant par Fortune. Il publie aussi sur place plusieurs albums pour enfants et commence à créer des couvertures de livres pour les recueils d'anecdotes de son ami John Train, auteur notamment de Famous Financial Fiascos. De nombreuses suivront, pour Marcel Aymé, Mario Soldati, Harry Mathews, Peter Carey, Raymond Carver... et, bien sûr, Patrick Modiano. Couverture dessinée par Pierre Le-Tan Leur rencontre date de 1978. Une histoire étonnante. " J'ai découvert ses livres, il y avait des ambiances qui me touchaient", raconte Le-Tan. Et pour cause... Car quand il en parle à son père, celui-ci lui répond " Modiano ? Mais oui, j'ai très bien connu ses parents à Paris, pendant la guerre... Nous nous fréquentions. " Les familles s'étaient ensuite perdues de vue. Autant dire que lorsque Pierre Le-Tan prend contact avec le jeune écrivain, ils sont en terrain de connaissance. Dans Memory Lane, le premier livre qu'ils concoctent ensemble, ils mettent en scène une galerie de personnages mais aussi de lieux qui ont hanté leurs enfances. Le Corner Bar, boulevard Malesherbes. Une villa au cap d'Antibes. La façade lézardée d'un bottier de luxe... " Je sentais que tout cela allait disparaître et qu'il fallait le fixer ", explique Le-Tan. Un bon résumé de son travail, qui rappelle souvent celui de Sempé. Nostalgique, il sait aussi se Un sac Le-Tan montrer féroce. Un exemple ? Les Lettres de Marik Loisy Aubier. Un pastiche qui réunit les écrits " les plus émouvants " d'un hypothétique grand homme " qui marqua profondément tant d'éminents esprits de sa génération ". C'est du moins ce qu'affirme la préface. Car les neuf courtes missives qui suivent se révèlent plus banales les unes que les autres. Comme celle-ci, adressée " à Monsieur et madame Congre " " Nous passons d'excellentes vacances à Bonneville. Le temps est malheureusement maussade. Le casino est fermé. Tant pis. Bien à vous, Marik. " En regard de la lettre, une assez sinistre vue de la promenade du bord de mer à Bonneville. Mélange de tendresse et de cruauté Tout Le-Tan est là, qui se penche sur ses personnages "comme un entomologiste qui examine les insectes, avec un mélange de tendresse et de cruauté ", confie-t-il. L'insignifiant Marik Loisy se retrouve ainsi épinglé comme un papillon pâlot. Plusieurs ouvrages de la même veine paraîtront. Paris de ma jeunesse, Épaves et débris sur la plage... Son chef-d'oeuvre Album, un magnifique scrapbook très coloré dans lequel Le-Tan réunit souvenirs de voyages, photos d'amis disparus, très jolis textes écrits à la main et, bien sûr, des centaines de dessins, le tout dans un savant désordre. On y croise Greta Garbo et Christian Lacroix, Marie-Laure de Noailles et Mick Jagger. On passe de Menton à Macao, avec un crochet par l'Angleterre, pour visiter l'ancienne maison du photographe Cecil Beaton, avec ses extravagants meubles "néo-rococo". Au détour d'une page, on tombe sur une " boîte à mégots " créée par Picasso, de surprenantes chaussures en forme de pieds signées Cardin ou encore une chaise percée trouvée à Versailles. Les objets, c'est l'autre passion de Pierre Le-Tan. Il a commencé à les collectionner à 7 ou 8 ans, sous les encouragements de son père. Le feu n'est toujours pas éteint. " Il est capable de disparaître plusieurs jours à la recherche d'un buste antique dont on lui a parlé ", témoigne Patrick Modiano dans un texte qu'il a consacré à son ami. Il y a dix ans, après avoir amassé plusieurs centaines d'oeuvres de Bérard, Le-Tan a cédé l'essentiel de sa collection néo-romantique et surréaliste chez Sotheby's, à Londres. " Les gens se remettaient à parler de cet artiste très oublié, et cela m'intéressait moins. Tout à coup, les choses deviennent vulgaires... Aujourd'hui, j'ai le catalogue de la vente, avec des notes très bien faites, cela me suffit. " Depuis, il s'est lancé dans d'autres quêtes, écumant les magasins d'antiquités et les enchères à la recherche de tableaux, statues et autres vestiges de l'art religieux du xvie siècle. Mais où caser ses nouvelles acquisitions, alors que l'appartement déborde déjà de beaux livres, de gravures, de terres cuites, de bustes en marbre ? L'entretien est fini, le carnet de notes rangé. Une dernière question, tout de même, sur le Vietnam, et voilà Le-Tan qui devient soudain volubile. " Non, je ne suis jamais allé dans ce pays. Je préfère rester sur un Vietnam un peu mythique. En revanche, je me sens très asiatique. J'habite à Paris, j'ai trois grands enfants juifs de nationalité britannique, un petit dernier à moitié africain ; mais être asiatique, pour moi, c'est un fait. J'ai un physique d'Asiatique. Je me comporte comme un Asiatique, avec cette façon d'être, cette réserve propre aux Asiatiques. Je suis aussi asiatique dans ma façon de dessiner des choses plutôt simples, avec des traits précis, minutieux, même quand il s'agit de représenter le flou. " Et derrière ses lunettes d'écaille rondes, comme dans l'Indochine des années trente, il plisse les yeux en souriant... Pierre Le-Tan, dessinateur asiatique ? Pourquoi pas. Il esquisse souvent des paysages très occidentaux, des avenues haussmaniennes désertes, les quais du port de Dublin, l'enseigne d'un bar de nuit qui brille au fond d'une rue sans nom, une cour d'immeuble, un garage en banlieue. Mais à chaque fois figure un petit personnage solitaire et fragile, comme un voyageur sous une ombrelle trouée. Ce promeneur mélancolique, c'est Cosnard

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Alexandredit « Sacha » Guitry est le fils du comédien Lucien Guitry (1860-1925). Il naît dans la capitale de l’Empire russe, où son père a signé un contrat de neuf ans avec le théâtre Michel pour la saison d’hiver. Ses parents se séparent en 1885. Le divorce est prononcé en février 1889 et Sacha est confié à sa mère, ce qui n’empêche pas Lucien d’enlever son fils en

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